Fuente: Para Ti ~ Juana Viale eligió a Gino Bogani para el debut de la nueva temporada de «La Noche de Mirtha». Se podría decir que es uno de sus diseñadores favoritos, como también es el de su abuela. Ella compartió en redes un video en el atelier de Gino cuando estaba por probarse el look que va a llevar hoy, pero no adelantó nada de cómo será el diseño.
Gino Bogani dice que «hay que esperar para ver el look de Juana»
Volume 90%
Sin embargo, a partir del estilo de Bogani y los 4 mejores looks que ella llevó al programa, podemos tener alguna idea de cómo podía ser.
Estampas, volados y diferentes largos
Uno de los looks que más llamó la atención del año pasado fue este vestido. Así que el de esta noche podría tener estampa, diferentes largos -corte adelante y con cola detrás- y volados, como éste.
Look nupcial y bordados
A Juana le gustan los looks nupciales, muy de tendencia en la alta costura, y no es precisamente para novias que están por caminar al altar. Detalles bordados como este diseño, podría tener lo que hoy lleve puesto la nieta de Mirtha.
Gino Bogani: «Ya saben que soy medio loco»
Volume 90%
Transparencias y puntillas
La opción podría ser un vestido súper elegante como éste. Con algunos detalles de transparencias y puntillas.
Drapeado y hombreras
Gino Bogani sabe cómo mezclar las tendencias en sus diseños de alta costura, como en éste que tenía detalles drapeados y hombreras. El diseño que lleve Juana hoy seguramente tendrá ítems de moda que marcan la tendencia del momento.
Gino Bogani: «Ya lo verán el sábado»
Volume 90%
Habrá que esperar unas horas para ver la sorpresa que nos preparó esta vez Bogani.
Fuente: Infobae ~ Los Sarkany son el nombre del zapato argentino. Sofía, de 31 años, claramente, llevó siempre en su ADN la moda y el estilo heredados de Ricky, su padre. Elegante y glamorosa, la artista y diseñadora se independizó hace varios años y creó su propia marca, con sólo 25 años.
Se especializó en la pintura y dibujo clásico en la Central Saint Martin de Londres, en donde adquirió la inspiración suficiente para sus creaciones posteriores. Desde el 2012 desarrolló cada temporada en la empresa familiar Ricky Sarkany y contaba con su propia colección de ropa, Sofía Sarkany.
Sofía siempre llevó la moda en sus genes, en una familia que se dedicó al rubro desde que nació en 1989, y sus modelos de zapatos son una revelación en el mercado.
Sofía Sarkany, reconocida artista y diseñadora, tenía 31 años
Estudió dibujo en el taller de Daniela Bertol, pintura en el taller de Silvina Mansilla, dibujo de modelo vivo con Ariel Mlynarsewicz, Ernesto Pesce y Roberto Scafidi, e historia del arte en AAMNBA. También cursó dos años de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad de Palermo, donde fue asistente de cátedra de las materias Morfología y Diseño de Marcas de la profesora Victoria Bartolomei. En el año 2011, continuó perfeccionándose en la Escuela de Arte y Diseño Saint Martins de Londres, donde cursó los programas “Contemporary Art Practice”, a cargo de los artistas Gary Colclough y Kate Terry, y “Exepressive Painting”, a cargo de Ewa Gargulinska.
En 2011 expuso su arte en muestras grupales e individuales de Espacio Madero y Compania Urbana. Además, participó del concurso nacional Curriculum Cero de la Galería Ruth Benzacar, donde su obra quedó seleccionada y fue parte de la muestra colectiva durante diciembre 2011. Más tarde, en 2012, expuso en el Centro Cultural Recoleta la muestra “Sofía for Sarkany”, una instalación de arte y diseño; y durante el mismo período, expuso en la feria Arte Espacio, donde ganó una mención de la Escuela Regina Pacis, para exponer en la escuela en el 2013. En 2016 abrió su propio local de la firma Sofía en el Shopping Paseo Alcorta.
En 1950, sus abuelos paternos Esteban y Catalina llegaron a la Argentina sin saber una palabra de español, escapando del comunismo ruso que había entrado a Hungría. Su abuelo, después de la Segunda Guerra Mundial, se dedicó a ser escultor y actor, era un artista. Su papá y su abuelo se dedicaban a la fabricación de calzado, pero él no había trabajado nunca en el sector. Llegar a un país nuevo lo obligó a dedicarse a la confección de calzados. El abuelo de Sofía, Esteban, abrió su primera fábrica de calzados en la Argentina. El legado lo continuó Ricky y años más adelante, la talentosa diseñadora.
Uno de los locales de Sofía Sarkany, “una marca de indumentaria y calzado femenino inspirada en el lujo y lo original” (Instagram: @sofia.sarkany)
En 2017 llegó con una nueva tienda a Barcelona gracias a un proyecto ideado junto con Antonela Roccuzzo, la primera dama del fútbol por ser la esposa de Lionel Messi, y Sofía Balbi, la pareja del futbolista Luis Suárez. En una alianza increíble, inauguraron el primer local de la prestigiosa marca de calzado en una de las capitales del diseño de Europa.
Plataformas, sandalias, flats, sneakers, carteras, accesorios, impresionantes creaciones de Sofía forman parte de la tienda emplazada en la famosa Avenida Diagonal, una de las zonas comerciales más exclusivas que enloqueció a las clientas españolas.
Los modelos de Ricky y Sofía tuvieron una gran aceptación y ya son requeridos en Mallorca y París. “Introdujimos una pieza clásica del ADN argentino como son las plataformas altas. Les encanta tanto al círculo de Antonela y Sofía como a las it girls e influencers”, detalló Ricky en su momento.
Los diseños de Sofía Sarkany causaron furor en Europa al ser elegidos por Antonella Roccuzzo y Sofía Balbi para desembarcar en España (EFE)
“A diferencia de muchos de mis amigos, cuando éramos chiquitos yo tenía mis cuadernos de Winnie Pooh y de Hello Kitty dibujados con conjuntos de ropa, sombreros, carteras, zapatos, en vez de casitas, árboles y soles”, compartió en una entrevista brindada a Jóvenes Líderes TV, y continuó: “Ya cuando fui adolescente dije ‘es obvio que voy a estudiar la carrera de Diseño e Indumentaria, por un lado por esta pasión que venía de la herencia familiar y por otro lado porque tenía 17 años, mujer, fanática de la moda, todo encajaba perfecto”.
“Así fue como en diciembre del 2007 terminé el colegio, cumplí 18 años, me anoté en la carrera y dije a principios del año que viene empiezo a trabajar en la empresa de mi familia. Sonaba todo bárbaro”, narró. Así hizo su camino en el mundo académico, estudió diseño gráfico, historia del arte, fotografía, maquillaje artístico y sobre todo el dibujo y la pintura. “Haciendo estas actividades me volví a apasionar, volví a tener confianza y seguridad en mí y dije que haga lo que haga en el futuro, no me voy a separar del arte, prometí no separarme”, reflexionó.Sofía Sarkany cuenta cómo desarrolló su propia marca (Jóvenes Líderes TV)
Un referente en el arte que inspiró a Sofía es el artista argentino de bellas artes Eugenio Cuttica, de quien destaca su máxima: “El arte es una actitud, y esa actitud cura”.
De esta forma comenzó a trabajar en construir su propio nombre. Luego de pasar por reconocidos talleres de pintura y estudiar Historia del Arte en la Asociación del Museo Nacional de Bellas Artes, se fue a Londres para seguir capacitándose.
De regreso en Buenos Aires, Sofía empezó a trabajar en la firma Sarkany y fue allí cuando surgió la idea de unir sus dos pasiones: zapatos y arte.Sofía Sarkany presenta su colección en Rosario, 2013
En busca de armar una propuesta con identidad propia, la joven a sus 22 años creó una línea inspirada en sus cuadros y en sus estudios de arte. Así fue como, en medio de una muestra con obras de su autoría, la artista lanzó Sofía para Sarkany.
Tonos neón, maxi plataformas, manchas de colores realizadas artesanalmente en gabardinas, rasos, cueros, telas estampadas y gamuzones son algunas de las tantas propuestas que se pueden ver en la línea de la firma.
Un referente en el arte que inspiró a Sofía es el artista argentino de bellas artes Eugenio Cuttica (Instagram)
Consultada por Infobae al momento del lanzamiento en 2012, contó cómo surgió la idea de crear su línea de zapatos: “empecé a trabajar en la empresa (Sarkany), la verdad que me encanta, aprendí un montón. Pero era como que tenía dos vidas paralelas. Y pensé: ‘Quiero hacer de lo que hago algo más fuerte y lo quiero unir porque creo que va a estar bueno’. Fui, se lo dije (a Ricky, su padre) y obvio que sus consejos y opiniones me las dio pero siempre me dejó con la libertad de hacer lo que yo quería, lo que yo quiero. También lo que hago, lo hago basado en las decisiones que tomo por la educación que me dio él.
En relación a qué fue lo más difícil a la hora de crear su línea, reflexionó: ” Lo más difícil es el tema de la producción de zapatos, todo lo que tiene que ver con moda, ropa, talleres y toda la parte tercerizada, era de lo que siempre me quejaba. Y decía: “¡Ay no! ¡Qué fácil es estar en mi taller con mi lienzo y mis oleos yo sola!” En vez de llamar al de la tela, al de los tacos, y a no sé quién… hablás con mucha gente. Pero la verdad me llevé bien con todos y estuvo bueno, pero es cansador”.
El local de la marca se encuentra en el Alcorta Shopping (Instagram: @sofia.sarkany)
Los diseñadores que siempre la inspiraron y están reflejados en su legado son Alexander Wang, Diane Von Furstenberg, Alexander McQueen, entre otros. “La mujer argentina para mí es re moderna y nosotras, las chicas de mi edad, mis primas, mis amigas, mis hermanas, nos gusta mucho fijarnos en lo que se usa afuera y en cómo se viste la gente acá. La moda es algo que va cambiando todo el tiempo, es más una cosa de encontrar un estilo que creo que es lo que yo hice ahora, un estilo para gente con personalidad, algo original, innovador”, opinaba sobre la moda.
Y en particular en la Argentina afirmaba: “Hay mucho hambre de diseño y de arte. Está buenísimo y la realidad es que últimamente hay muchas más posibilidades para desarrollarse, para trabajar y capacitarse en eso. El año pasado estuve estudiando en Londres, volví acá y dije: “No tenemos nada que envidiar”. Vi cosas igual de increíbles y hasta mucho mejores también”.
Sofía siempre trabajó cada producto especialmente generando valor en la tipología y calidad. Estos se destacan por la elección de materiales como cuero, lino, algodones, combinados con procesos de bordados, apliques y estampas (Instagram: @sofia.sarkany)
La artista brillaba con la marca Sofía Sarkany, definida en su sitio web como “una marca de indumentaria y calzado femenino inspirada en el lujo y lo original, creada para una mujer única, fresca y sensual. Reinventamos el concepto de ‘lujo’ convirtiéndolo en una actitud canchera y relajada”.
“Estamos en cambio constante, todo tiene movimiento, se renueva y crea su ritmo. Somos testigos de la tendencia mundial pero la llevamos más allá en diseños y estampas diferenciadas, creando nuestra identidad singular”, señaló Sofía, al mismo tiempo que añadió: “Los diseños no buscan uniformar desde las propuestas de la moda, sino generar opciones para que cada mujer manifieste su forma de ser. Dentro de la unidad de las colecciones, trabajamos cada producto especialmente generando valor en la tipología y calidad. Estos se destacan por la elección de materiales como cuero, lino, algodones, combinados con procesos de bordados, apliques y estampas. Eso somos, lo hacemos con espero, dedicación y pasión”.
Fuente: La Nación ~ La pareja de amigos vuelve a unirse en un proyecto de creación textil que llegará a “vestir” los espacios comunes del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde ambos realizaron en 2001 un desfile en homenaje a Kenneth Kemble
Se conocieron un sábado; se asociaron dos días después. “Fue amor a primera vista”, asegura Jessica Trosman al recordar aquel fin de semana de 1997 en que una amiga le presentó a Martín Churba. Ese mismo año la pareja de amigos lanzaba la marca de indumentaria que unió sus apellidos, y pronto representó a la Argentina en la Semana de la Alta Costura en Roma.
Aquellas telas con múltiples pliegues que desfilaron por la Piazza del Popolo inspiran ahora piezas concebidas como arte: liberadas de su función original, que dependía de un cuerpo, adoptaron nuevos volúmenes y escalas. Y en los próximos meses llegarán a “vestir” los espacios comunes del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde realizaron en 2001 un desfile en homenaje a Kenneth Kemble.
Una de las creaciones textiles de Jessica Trosman y Martín ChurbaGentileza Jessica Trosman y Martín Churba
Algo de las obras informalistas realizadas con trapos por este último a mediados del siglo pasado, al igual que las célebres esculturas blandas de Marta Minujín, revive en estas formas que se arropan sobre sí mismas o desbordan el marco y se lanzan a ocupar el espacio. Las arrugas evocan una textura similar a la de la lechuga, nombre que identificó la primera técnica creada por ambos hace casi un cuarto de siglo.
«Nos estamos poniendo en los zapatos y en los cascos de los obreros textiles, denunciando esto que nos hace la sociedad un poco a todos: nos va aplastando, no nos ayuda a volar», dice ChurbaGentileza Jessica Trosman/Martín Churba
“Con estas prendas estampadas contra el piso denunciamos lo que nos hace la sociedad un poco a todos: nos va aplastando, no nos ayuda a volar”, dice Churba, autodefinido como un “materialista” y dispuesto a jugar con la ambigüedad de la palabra. “Amamos la materia -explica-: de ahí salen nuestras formas. Somos materialistas en el sentido de que fuimos formados en los ’90 con el desafío de hacer de la creatividad un negocio, y desarrollamos una disciplina para materializar proyectos”.
Claro que no siempre lo hicieron juntos. En 2003 decidieron emprender caminos separados en el mundo de la moda -ella con marcas que llevaron su nombre, él con Tramando y colaboraciones con artistas-, aunque aseguran que la admiración mutua nunca decayó.
Esta nueva etapa nació en cuarentena, cuando los creadores textiles retomaron el proceso creativo donde lo había dejado. Con ropa de trabajo rescatada de un taller abandonado crearon la colección cápsula Jaramillo -con Bob Honors, director creativo de Tramando-, y luego llevaron elupcycling más lejos: hasta las obras que acaban de presentar en un open studio. Una “revisita” a su pasado para ponerlo en valor que puede seguirse en Instagram (@jessicatrosmanymartinchurba). “Pienso en nosotros como rockeros que volvieron a juntarse”, dice él. Y ella promete: “No lo largo más”.
Fuente: Página12 ~ Catamarca posee una fuerte tradición textil que se remonta a las culturas prehispánicas. Durante siglos se han ido transmitiendo técnicas de hilado y de producción de lana de vicuñas y llamas que sostienen hasta nuestros días una relación estrecha y de cuidado con el ambiente natural.
Actualmente la provincia cuenta con más de 800 artesanas y artesanos textiles, según un censo del Registro Nacional de Artesanos Textiles de la República Argentina (RENATRA), pero no es difícil pensar que en un territorio de remota cultura artesanal, esta cifra es sólo una muestra de quienes han buscado una formalización para la comercializar sus productos, pero en la práctica son muchos más quienes ejercen estos oficios.
Teleras e hilanderas, en su mayoría mujeres, pero un oficio donde interviene toda la familia desde la infancia, han sido el sustento de muchos grupos de hogares durante siglos. Con altos y bajos según las épocas, la actividad artesanal, agrupada en asociaciones y cooperativas con ferias en los territorios, ha sufrido durante la pandemia un golpe económico importante, ya que su principal aliado es el turismo.
Tejedora en la Feria del Poncho.
Ante esta realidad, una de las salidas ha sido la venta a través de internet, aunque no todos tienen dominio de la tecnología digital, y en algunos casos, carecen de conectividad, debido a las regiones puneñas en las que se encuentran. Catamarca/12, conversó con hilanderas y artesanos que pertenecen a distintas comunidades. Y esta es la realidad que plasmaron sobre un oficio que es patrimonio cultural y que se debate entre la tradición y la necesidad de nuevas formas de sustentabilidad.
Hilanderas de Vicuña de Belén
La hilandera Juana Moreno insistió durante su comunicación en lo importante que es para ellas ahora la difusión y comercialización de sus productos y que el Estado desarrolle programas para la exportación de sus productos de vicuñas. Juana ha estado representando el país en Cuzco y en Ecuador en encuentros internacionales de tejedoras, donde resalta que son muy valorados los tejidos de Catamarca.
Actualmente la asociación está conformara por 22 mujeres. “Trabajamos en especialidad de tejido único de vicuña que es propio de nuestra ciudad de Belén y data de muchísimos años, porque venimos casi todos de familias que siempre han trabajado en este oficio, somos de la cuarta o quinta generación. Tengo una vaga idea de mi abuela y bisabuela que trabajaban antes mucho más en esos tiempos, donde la base de la economía de la familia era el tejido. El pilar de la economía del hogar”, recuerda Juan con orgullo.
Lo primordial son las manos
Juana cuenta que “el proceso es largo, muchos meses, comenzamos a trabajar el vellón, para la limpieza lleva varios pasos, se extrae el pelo, después una especie de pelotita (mota), de forma muy minuciosa se lo limpia sacándole la dureza que se le forma por el sol o el mismo camuflado del paisaje. Repasamos de la base, cerca de la piel, sacamos el pelo, y luego el pisado, que consiste en abrirla, quitarle palito, espinita, arena, tierra, todo a mano”. Y aquí resalta la exclusividad del trabajo artesanal: “Todavía no se encontró que la vicuña resulte buena para hilar con la máquina, porque se marchita la hebra. Lo primordial es la mano de la persona”.
“Luego separamos en los tonos de colores y luego recién empezamos con el hilar con el huso y la moñona”.
Este proceso manual y minucioso hace que la producción sea muy lenta. Entre las prendas más finas que realizan las Hilanderas de Belén se encuentra la manta de vicuña, generalmente de 2 metros de largo por 1,30 de ancho. “Se la teje en un solo paño entre dos teleras, una de cada costado. Al año hacemos más o menos como 10. Es muy lento todo, y hay que hacer extremadamente cuidadosa en cualquiera de los procesos”, explica Juana.
Juana Moreno.
Al preguntarle sobre el precio, duda: “Con la devaluación no se sabe muy bien, 300 mil pesos. Este año no se vendió, lo mismo hemos seguido trabajando, tenemos los tejidos hechos, como no vino turista no hemos podido participar en feria. Como alternativa hacemos tejido de oveja y de llama, que son más rápidos y tienen más salidas”.
La artesana explica que a través de la Dirección de Artesanía de la provincia comercializan en la feria de la capital. Pero señala: “Nosotros vemos que nos hace falta facilidad para vender, que abran el mercado internacional si se quiere, porque son tejidos de exportación, en esa parte es lo que nosotros no tenemos la posibilidad ni capacidad. Y poder vender y tener mejores ingresos”.
Arañitas Hilanderas
La cooperativa Arañita Hilanderas, también de Belén, está conformada por 35 socios, el 90% mujeres y muestra una mayor organización e inserción en los canales de comercialización y de las redes sociales. Su especialidad son más productos de diseño, alfombras, almohadones, individuales, chales, ponchos, de lana de llama y oveja, a través del proceso de hilado y teñido, con telares de peine y de la zona.
Nora Arredondo, su tesorera, lo primero que dice es que hoy a las 19 realizarán un desfile virtual por el Día del Artesano, a través de Facebook y la cuenta de Instagram (arañitashilanderasok).
Relata que a través de esas páginas lograron “captar clientelas”. “En marzo del 2020 cerramos, íbamos y veníamos, al no entrar turismo. Sí estuvimos produciendo, pero venta muy poco, hicimos alguna online”.
Hilanderas de Arañitas.
Al igual que con la inserción en las redes, la tesorera da cuenta de la gestión ante los organismos estatales. “En general casi todo lo que hemos logrado fue a través de proyecto que hemos presentado en Desarrollo Social, otros como Manos a la Obra, después el INAES también nos dio subsidio para comprar maquinaria, varios proyectos que hemos presentado en distintos organismos de Nación. En pandemia tuvimos la ayuda del Ministerio de Trabajo a través de una línea que lanzó por 6 meses. Desde el Ministerio de Trabajo nos otorgaron una beca, después a través de pedidos de Cultura, y diputados nos han ayudado para solventar los gastos fijos que teníamos”.
Laguna Blanca
Ramón Gutiérrez es el presidente de la Cooperativa Mesa Local de Laguna Blanca, con 60 artesanos, la mayoría jóvenes. “Nuestro principal producto es la elaboración a partir de la vicuña. Nosotros hacemos los chakus (captura de vicuña en quechua). Esquilamos y liberamos a los animales a su hábitat natural. Nuestros artesanos hacen toda la cadena textil del producto desde que sale del animal hasta el producto terminado: chal, corbatín, guantes, mantas”, relata Ramón.
El artesano no solo señaló la baja venta que vienen padeciendo, sino la necesidad de comercializar a través internet. “En esta pandemia algunos artesanos se han dedicado a producir en sus casas. Algunos hemos tenido la oportunidad de vender a través de las redes. Pero se notó mucho la merma de ventas. Ahora estamos tratando de volver a abrir nuestro local, donde tenemos una exposición de ventas, para vender a los pocos turistas que llegan. Y más que todo ver la forma de empezar a vender digitalmente. En la Puna catamarqueña, en el interior profundo esto de vender digitalmente nos faltó, porque no manejábamos la tecnología, pero tenemos que capacitar a nuestros jóvenes y poder venderle al mundo también, ya que nuestro producto es muy codiciado en otras partes del mundo, sobre todo los de vicuñas, y tienen un alto costo que a veces los argentinos lamentablemente no podemos pagar”, comentó.
Tejedor de Laguna Blanca.
Ramón destacó que igualmente en noviembre, “gracias al apoyo de Secretaría del Medio Ambiente y de los artesanos pudimos realizar el chaku, entonces pudimos obtener las fibras para que nuestros artesanos puedan seguir tejiendo. Este año esperamos poder realizar la feria camélida, en este caso de llamas, vamos a ver si para Semana Santa podemos lograrlo para impulsar la producción de llamas. Porque todo es una cadena desde el productor hasta el artesano”, concluyó.
Dirección Provincial de Artesanía
En diálogo con Catamarca/12, el director provincial, Armando Corpacci, subrayó la necesidad de contribuir con una ley provincial a la formalización del trabajo artesanal. La ley fue sancionada en 1999, pero nunca fue aplicada. En este sentido, Corpacci adelantó que para hoy estaba programada una consulta que se pasó para la semana próxima por la visita del Presidente. El debate ser reprogramó para el 26 de marzo en el Cine Teatro Catamarca, y asistirán autoridades nacionales, provinciales, municipales y referentes del sector artesanal.
Entre los puntos más importantes de la ley que se busca implementar, Corpacci destacó la creación de un Fondo especial de Desarrollo y Estímulo Artesanal, que permita la compra directa de artesanía tradicional y representativa de la provincia. Hasta ahora los artesanos dejan sus productos en consignación en el Mercado Artesanal del Estado.
Del mismo modo se impulsa la creación de programas de asistencia socio-económica y capacitaciones (talleres), creación de banco de suministros y materia prima y beneficio y exención impositiva.
El director provincial también explicó que durante la pandemia han trabajado en medidas paliativas, como la generación de protocolo de ferias y la creación de Catamarca Feria Unida, con más de 100 expositores. También se generó una serie de historias de artesanas para las redes y una feria y catálogo virtual, entre otros programas de promociones, como es el convenio provincial con el Banco Nación denominado Día de Ensueño, con descuentos artesanías del 20% y 6 cuotas sin interés.
También se trabaja en la implementación de un nuevo registro provincial de artesanos y carnet único de idoneidad. “Esto permitirá identificar y potenciar los productores primarios y direccionar las herramientas y asistencia de manera correcta”, concluyó Corpacci.
Finalmente, las Artesanas Hilanderas del Abaucán llevan adelante un proyecto de recuperación, puesta en valor y capacitación a nuevas generaciones de hilanderas y tejedoras de la localidad de Fiambalá, en el departamento Tinogasta, que fue distinguido con la beca para proyectos culturales colaborativos del Consejo Federal de Cultura (CFC) y el Ministerio de Cultura de la Nación, para poder concretarse en 2021.
Fuente: Para Ti ~ La moda está en jaque: en un 2021 en el que lo más buscado es lo real, cuesta encontrar exponentes con un mensaje fuerte y auténtico.
Dentro de este concepto, empiezan a posicionarse las marcas que eligen lo atemporal: la moda como un vehículo consciente donde se destaque la calidad y el trabajo artesanal, sin importar las tendencias.
HACHES-S y la colección timeless
HACHES-S es un proyecto textil cuya misión de la marca es crear productos únicos, impulsando el consumo responsable, el aprovechamiento del desperdicio y las técnicas y oficios de producción artesanal.
Crean colecciones cápsula de edición limitada y piezas a pedido junto con artesanos locales, de esta forma cada pieza es personal y única. Las colecciones cápsula no responden a tendencias o modas pasajeras, sino que son clásicas, con un estilo definido y realizadas con textiles y terminaciones de alta calidad.
De esta forma, las prendas, con los cuidados correctos, pueden convertirse en esenciales del guardarropa de cada mujer, e incluso ser traspasados de generación en generación, convirtiéndose en un valor de cada armario.
Cómo se componen las prendas y qué las hace únicas
En estas prendas se utilizan materiales 100% naturales como lino, seda natural y algodón. Y realizan la pigmentación de las prendas por medio de tintas vegetales. Para el desarrollo de los tintes utilizan desperdicios que recolectan gracias a amigos, familiares y algunos comercios locales, como cascara de cebollas, piel y carozos de palta, yerba mate y porotos negros.
Todo el proceso de teñido de los textiles lo realizan las propias diseñadoras, de forma artesanal. Es debido al origen de estos procesos que cada una de las prendas es verdaderamente única.
La colección también se caracteriza por ser libre de plástico. Los cerramientos de las prendas están diseñados para no necesitarlo. Desarrollaron hebillas y terminaciones en alpaca realizadas a mano por una joyera. Además el packaging es reciclado y reutilizable. Utilizan los descartes textiles de la producción para fabricar sus etiquetas y bolsas.
¿Qué valores busca comunicar HACHES-S?
«Nuestra visión es no solo ser una marca de indumentaria, sino un proyecto textil que invita a la reflexión sobre cómo consumimos. Creemos que el movimiento del slow fashion no es una tendencia, sino que vino a quedarse como una nueva forma de producir y consumir» nos cuenta una de sus creadoras, en representación de la diferencia que busca hacer la marca en el mercado.
El proyecto nació en 2020, en paralelo al aislamiento preventivo, pero supo hacer ruido con su novedoso proceso, ya que cumplen con la originalidad que pide el mundo de la moda.
«Hacemos prendas en ediciones muy limitadas o a pedido y con la idea de que se respeten los tiempos productivos que requiere cada proceso y cada persona que interviene en la confección de cada prenda. Que realmente sea valorado el producto por su calidad y su durabilidad. Consumir menos pero mejor»
¿Dónde conocer más sobre este emprendimiento?
El showroom de Haches-s queda en la zona de Palermo Soho, CABA. Se puede visitar con cita previa contactando a las diseñadoras por mensaje privado o mail y, además, cuenta con una tienda online con envíos a todo el país.
Fuente: Ámbito ~ 2020 fue el año que jamás imaginamos sucedería y que todo lo transformó. Cosas que cambiaron para siempre, pero ¿Y la moda? ¿qué lugar ocupó en pandemia? ¿Y cómo será después?
Definitivamente nuestros hábitos y prioridades cambiaron y eso sin dudas se vio reflejado en nuestra vestimenta en donde primó el confort y la funcionalidad. Con la pausa en eventos, oficinas y celebraciones, acaso ¿quedó demostrado que el vestir es para los demás? Si en casa nadie nos ve ¿para qué vestimos?
Una de las consecuencias de la pandemia fue la escasez de vida social, de reuniones, de estar en contacto con otros. Es por eso que la gente no hizo grandes inversiones en renovar el placard porque, en definitiva, no sabe cuándo puede llegar a usar. ¿Acaso quién se compra un par de zapatos o un vestido para estar en casa?
Históricamente poscrisis, posguerras, la moda no se expresó de un modo muy alegre ni colorido; por el contrario, la mayoría de las personas quedó deprimida o en estados de tristeza y soledad y eso definitivamente se manifestó en las tendencias. Por eso grises, negro y marrón seguramente abunden en las colecciones pandémicas y las vidrieras explotadas de estos colores -o falta de- y sean lo que consciente o inconscientemente querramos consumir.
De hecho, uno de los tonos tendencia en el NYFW otoño-invierno 2021/22 fue el “Ultimate Grey”, que junto con el “Illuminating” (amarillo chillón y por oposición) fueron los colores Pantone 2021 en faldas midi plisadas, abrigos masculinos, botas altas, maxi pantalones, chalecos, vestidos de punto y mucho cuero. Colección que salvo por excepciones, mixearon deportivo, urbano y confy y dejaron definitivamente, a la alta costura de lado. Tanta ausencia de moda que hasta en NY, París o Milán, le faltaron los grandes diseñadores de renombre de siempre.
Entonces, tenemos un mundo apagado dominado por colores apagados, pues son los que reflejan el estado anímico. Pero quizás en la próxima colección post pandemia y por el opuesto, surja una necesidad de revertir la tendencia y los diseñadores de moda funcionen como operadores del optimismo a través de los colores; una especie de “magos del vestir” que puedan revertir los ánimos mundiales e inyecten positivismo a través de la ropa. Acaso esto traiga una nueva inyección a la industria tan golpeada y a pesar de la gran crisis mundial, ¿pueda esperarse un hiperconsumo?
¿Y el tapabocas? Dicen que tiene fecha de vencimiento, se habla de “hasta el 2022”, no creo que nadie después de la pandemia siga usándolo por elección, a menos que esté cursando una enfermedad y ahí si haya un nuevo paradigma de profilaxis como en Japón, donde quien gusta protegerse lo hace y es visto con naturalidad. Pero a nivel regular, no creo que nadie use tapabocas, pues como se vió, el tapacobas es de alguna manera una metáfora de la falta de libertad, sino recuerden a los anticuarentena-antibarbijos del extremo más radical de los republicanos norteamericanos.
Lo que creo llegó para quedarse es la sustentabilidad y elección de materiales sin alto impacto ambiental, las prendas de buena calidad, larga durabilidad y por supuesto, la aparición de la tecnología en el proceso de producción, donde lo humano y tecnológico se darán la mano.
Creo que en poco tiempo “estar a la moda” va a ser vestir “bien” pero no tanto por su precio o trendyness, sino por el diseño de las prendas en relación con el medio ambiente. Bajo impacto medioambiental, revalorización de lo artesanal, lo primitivo y del “hecho a mano”.
Cuando termine la pandemia, gusto de imaginar a los mejores diseñadores armando un nuevo juego de ilusiones a través de prendas mega alegres y coloridas, estampas floreadas, texturas divertidas y que lleguen a través de esta industria que se considera frívola, a revertir el ánimo del mundo creando nuevas y felices sensaciones a través del vestir, de los accesorios y calzados.
Ojalá que después de la gran crisis del Covid surja una extrema libertad creativa y ahí estemos todos jugando el juego del “vestir y comunicar”, y que la industria de la moda se reponga de este jaque mundial, que les costó el puesto a millones en el mundo.
Fuente: Mass Negocios ~ La compañía responsable de Isadora impulsa una nueva iniciativa para aquellas personas que les apasiona la moda y el diseño: “Isadora Design Challenge”
A partir del 8 de marzo, Blue Star Group desafía a su público a participar de una nueva experiencia creativa desde su marca Isadora, con un concurso destinado a todas aquellas personas interesadas en la moda o que sean seguidoras de la marca, diseñando un producto original para distintas categorías. El diseño ganador será exhibido en las tiendas durante el mes de noviembre de este año.
El objetivo no solo es invitar a los amantes de la marca a conocer e involucrarse en los procesos de diseño de una colección, sino que también se busca contribuir con un espacio de aprendizaje, contención y acompañamiento para mujeres que se encuentran en una situación de vulnerabilidad socioeconómica, ya que lo recaudado con la venta del producto y diseño ganador será destinado a la fundación Mediapila.
El concurso contará con distintas instancias, que dependen de las categorías en las que se elija participar:
Aquellos que optaron por Marroquinería deberán presentar dos modelos.
En la categoría Textil se deberá presentar una estampa para aplicar a un pañuelo de 60×60 o 90×90.
Para la categoría Bijouterie, deberán presentar una familia de dos aros y un collar.
Los participantes tienen tiempo de presentar sus propuestas hasta el 22 de marzo. El 8 de abril, Blue Star Group anunciará en las redes sociales de Isadora los nombres de los dos finalistas por categoría para que el público pueda decidir quién será el ganador o ganadora dentro de cada segmento. Además de la exhibición de su diseño, el ganador o ganadora será acreedor de un premio en efectivo.
Fuente: Buenos Aires ~ Pueden inscribirse jóvenes de entre 18 y 35 años que cuenten con un emprendimiento en marcha vinculado a: indumentaria, accesorios, calzados, marroquinería y/o blanquearía con perspectiva sustentable. Los proyectos seleccionados, podrán capacitarte y participar por uno de los 9 espacios en el Luxury Outlet edición 2021.
La iniciativa cuenta con dos etapas: una de formación y otra de exposición. En una primera instancia, se seleccionarán 80 proyectos que por el plazo de dos semanas recibirán 4 capacitaciones para fortalecer y adquirir nuevas herramientas para potenciar el desarrollo de emprendimientos de manera sustentable.
Una vez finalizada la etapa de formación, se elegirá a los 32 emprendimientos que mejor fomenten prácticas triple impacto en la industria de la moda. Los y las jóvenes finalistas deberán presentar y defender sus ideas ante un jurado de especialistas que seleccionará a los 9 grandes ganadores. Es importante destacar, que los expertos priorizarán aquellos proyectos que ya apliquen prácticas de sustentabilidad.
Los emprendimientos que resulten ganadores, podrán exponer y vender sus productos de manera gratuita durante 5 días en el Luxury Outlet (The Palace Palermo) entre el 31 y 18 de abril.
Capacitaciones
• Desarrollo del término de moda sostenible en la actualidad. Moda o necesidad. Análisis de términos: slow fashion, desarrollo sostenible, regeneración, moda ética, moda ecológica, moda sostenible, economía lineal, economía circular.
• Objetivos de desarrollo sostenible, que son y cómo se relacionan cada uno de ellos con la moda. Que es un proyecto de triple impacto. Impacto ambiental y social de la industria textil y de la moda. Greenwashing – Socialwashing.
• Resignificar el sistema de la moda. Revalorización de valores culturales, artes y oficios. Alternativas de textiles sustentables (investigación y desarrollo de nuevas fibras y reciclaje).
• Ciclo de vida de la industria de la moda. Desarrollo del ciclo de vida de cada proyecto. Corrección del ciclo de vida del producto completo. Introducción al diseño social.
Periodo de Inscripción
Comienza el día de su publicación en las redes y finaliza el 12 de marzo de 2021 a las 10:00 horas.
Requisitos para participar
• Ser ciudadano argentino o residente permanente en el país, con domicilio en la República Argentina.
• Tener entre dieciocho (18) y treinta y cinco (35) años de edad.
• Contar con un stock de (150) productos.
• El emprendimiento debe estar en funcionamiento en el ámbito de la Ciudad de Buenos Aires.
• Los ganadores deberán contar con el mobiliario necesario para equipar el espacio brindado (exhibidores, percheros, etc.).
Fuente: Infosign ~ Las nuevas tintas ofrecen la posibilidad de imprimir con calidad sobre textiles, lo que le dio un giro a los estampados sobre la ropa.
El fast fashion alteró el modo de trabajar de las casas de moda tradicionales.
La industria de la moda es uno de los mercados más beneficiado por los avances en la impresión de inyección de tinta en textiles, ya que las marcas de ropa lanzan nuevos estilos cada 12 semanas, como “nuevos estilos”, que derivan de los límites en la cadena de suministro de fabricación. La ropa con estampados debe diseñarse y ejecutarse cada vez más seguido y con menos transiciones, lo que implica altos costos de instalación de serigrafía combinados con amplios niveles de producción para maximizar la inversión.
El fast fashion alteró el modo de trabajar de las casas de moda tradicionales, trayendo ropa nueva al mercado en menos tiempo. Las nuevas modas ahora pueden llegar a los estantes cada tres semanas, lo que hace que los clientes regresen más frecuentemente para ver qué hay de nuevo.
Para mantenerse al día con esta tendencia en expansión, los fabricantes de tintas están produciendo mejores tintas para sistemas de inkjet con el fin de satisfacer la creciente demanda de diseñadores y casas de moda. Muchas tintas inkjet ácidas funcionan en nylon, lycra y seda. Estas tintas resisten la decoloración del agua y el cloro; mientras que el algodón y la lana requieren tintas reactivas. Estas tintas se denominan así por qué reaccionan químicamente con las fibras naturales.
Las tintas pigmentadas generalmente se pueden usar en cualquier material textil, eliminando así la necesidad de cambiarlas según el producto. El desafío para los fabricantes de tintas es crear la carpeta correcta que funcione en todas las telas.
La impresión digital de textiles ofrece la oportunidad para que los diseñadores estén más cerca de sus clientes, debido a que con ciclos de moda cortos, la producción no necesita ubicarse en todo el mundo. Esto también abre la puerta a precios premium.
Fuente: La Nación ~ La amplia propuesta educativa de UADE pone el foco en la creatividad relacionando la vida urbana con la factibilidad económica, social y ambiental de los proyectos.
La imagen de un arquitecto, un diseñador de moda, de interiores, industrial, gráfico o audiovisual creando únicamente por inspiración y en soledad se ha modificado por un proceso más interactivo entre diferentes disciplinas, lo que exige concebir su rol inmerso en el sistema productivo de las industrias creativas y, como tal, sensible a las tendencias sociales futuras.
“Cuando hablamos del diseño, hoy los productos generados se relacionan con múltiples problemáticas sociales, inscriptas a su vez en una amplia complejidad urbana y ambiental. Por lo tanto, entender ese universo no es simplemente un acto de inspiración sino una práctica de decisiones transversales entre diversas disciplinas, lo cual ha de permitir que el producto diseñado sea adecuado, útil y bien recibido por la sociedad, siendo fundamental para ello en el ámbito de la enseñanza relacionar al proyecto con las influencias y el espíritu de la época”, señala Roberto Converti, arquitecto y decano de la Facultad de Arquitectura y Diseño de UADE.
Aunque exploran disciplinas muy diversas, todas las carreras de diseño de UADE comparten en la actualidad la idea de la vida urbana como concepto principal.
Laboratorio de Diseño Industrial en el Campus UADE con centros de mecanizado de 3 y 4 ejes, cortadoras láser, impresora 3D y cabina de pintura. También disponen de laboratorios de prototipos, laboratorios de serigrafía, de fotografía y de multimedia e interacción.
“La idea de lo urbano como eje pondera la noción de sistema, noción que todo diseñador desarrolla y por la cual su formación adquiere una dimensión metodológica. Reflexionar sobre cómo se camina en una ciudad, cómo se recorren y habitan sus espacios, qué vínculos se ponderan, qué sentido ético y estético se asume al vestir y qué objetualidades cotidianas nos interpelan, nos permite comprender las prácticas sociales surgidas con las que todo diseñador debe sensibilizarse para poder interpretar los signos del propio tiempo y proyectar nuevas visibilidades”, resume Turquesa Topper, coordinadora de la Facultad de Arquitectura y Diseño.
“Es en la ciudad donde se reflejan todo tipo de tendencias y es ahí donde el diseño tiene un amplísimo terreno para acompañar las nuevas necesidades individuales y colectivas e incluso anticiparse a ellas. Cercano a una visión antropológica, en UADE, el alumno de Arquitectura y Diseño es un observador urbano, atento a la singularidad de cada espacio arquitectónico, del paisaje público e interior, del objeto industrial, del mensaje visual y de la estética en la indumentaria, influencias todas inescindibles de la dimensión social, económica y cultural”, señala Converti.
El diseño se anticipa
Con la carrera de Arquitectura y las Licenciaturas en Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Multimedia y de Interacción, Diseño de la Imagen Visual, Diseño y Gestión de Estéticas para la Moda, Diseño Textil e Indumentaria, Diseño de Interiores y Diseño Industrial, UADE ofrece un amplio abanico de carreras de grado relacionadas al sistema de la producción creativa. A ellas, se le suman una serie de diplomaturas únicas en el universo académico, como Antropología Urbana, Diseño del Espacio Escénico, Storytelling y Tecnologías Inmersivas, y Diseño de Mobiliario; próximamente, también la Maestría en Curaduría en Moda, Diseño e Innovación.
El otro distintivo de UADE es el recientemente creado Observatorio de Tendencias, un espacio de investigación y reflexión transversal en el que se analizan los procesos culturales y estéticos que la arquitectura y el diseño proveen a las ciudades.
También los laboratorios y las aulas taller son espacios privilegiados en los cuales el alumnado toma contacto con la producción y la factibilidad técnica, de modo de integrar a la creación con los diferentes procesos de gestión y a la dimensión estética con los fundamentos de inclusión e identidad.
“Así, el alumno de Arquitectura y Diseño en UADE se forma sobre la realidad, pero atendiendo su futuro profesional. Por eso, la enseñanza contempla la investigación como instrumento predictivo, un saber clave en el momento de tomar decisiones”, destaca Converti.
Roberto Converti, arquitecto y decano de la Facultad de Arquitectura y Diseño de UADE.
La moda como fenómeno cultural
Dentro de la oferta educativa orientada al diseño de UADE, hay una carrera sumamente original en la que se combinan todos estos elementos que distinguen a la Facultad de Arquitectura y Diseño. Se trata de la Licenciatura en Diseño y Gestión de Estéticas para la Moda.
“La carrera aborda la configuración de la imagen en moda, pensada y proyectada más allá del vestir, en tanto su dinámica es de renovación constante. Por lo cual, es posible abordar e incorporar también servicios para industrias o empresas de múltiples sectores en las que el ámbito estético excede a la indumentaria como, por ejemplo, la industria automotriz, la cosmética o la gastronomía. Así, la moda es en UADE un fenómeno cultural que puede ser percibido como colaborador de una mejor gestión social”, explica Topper,quien también dirige la Licenciatura.
Turquesa Topper, coordinadora de la Facultad de Arquitectura y Diseño.
Con el concepto de la creación relacionado a los procesos de desarrollo de la industria y la economía de producción, las carreras de Arquitectura y Diseño de UADE rompen con la propuesta académica tradicional, al comprender que los profesionales del futuro deben ser capaces de entender cuál es el espíritu de época y cuál es la factibilidad social de sus proyectos. Solo así podrán insertarse con éxito en el mundo actual y aportar soluciones para una vida mejor.
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