“Utilísima me dio el título que no tenía”: recuerdos de una experta en costura que vio nacer y morir al mítico canal de cable

Fuente: Clarín – Hacia fines de los 90, apenas un año después de haber llegado de Mendoza a vivir a Buenos Aires, Fabiana Marquesini se presentó a un llamado de Utilísima para enseñar a coser por televisión. En la fila de alrededor de 300 personas, veía que muchas ostentaban un título que ella no tenía, ya que siempre había sido autodidacta. Embarazada de su segundo hijo, llevó una valija llena de ropa y sábanas personalizadas que había hecho para su familia: “Me encantaba coser, y creo que toqué el corazón de la productora con las prendas con el nombre de mi hijo; la idea era que cada uno pudiera hacer lo mismo en casa con su ser querido”, rememora con Clarín.

Fabiana siempre fue inquieta y, aburrida de usar la ropa que heredaba de alguna de sus hermanas mayores (es la del medio entre cinco hermanos), comenzó a confeccionar ropa para usarla en salidas y paseos. Nunca fue a clases de costura, sino que aprendió de su mamá y su abuela con una máquina que le habían regalado a los 8 años.

Luego perfeccionó su técnica y comenzó a vender ropa, especialmente aquella que hacía con el punto “smock” -una técnica difícil, que se puede hacer con dos agujas o a máquina, usada para fruncir tela de vestidos elegantes e infantiles-.

En esos años en Mendoza no existía una carrera relacionada con el diseño de indumentaria o moda, así que mantuvo la costura como un hobby y estudió el profesorado de educación física. Se casó, se mudó a Buenos Aires y tuvo a su primer hijo.

Cuando Fabiana ingresó a Utilísima, el canal llevaba un año como señal, emitiendo las 24 horas (los primeros años funcionó como un programa de televisión). Participaba en “Puntos y puntadas”, un programa con una hora diaria en el que dos o tres especialistas explicaban algún paso a paso, siempre con la tela como protagonista. Era un equipo conformado por alrededor de once especialistas que cubrían toda la semana, y una conductora (como Marisa Andino y Viviana Sáez).

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Fabiana Marquesini en el programa Puntos y puntadas, en Utilísima

El mencionado proceso de selección constó de alrededor de ocho pruebas. En el exámen final -cuenta- llevó “el peor trabajo que podría haber llevado, el más complicado: el punto smock. Tendría que haber hecho un cuadrado para un almohadón y hubieran estado felices. Cuando vi que la otra chica había llevado algo re simple, dije ‘pucha, a mí no me van a tomar’”. Pero quedó, tanto es así que -como ella dice- “cerró la puerta” del canal.

Recuerda su paso por Utilísima con una sonrisa, y comparte algunas anécdotas: “El primer día que fui me dijeron que le diera impronta a mi trabajo, que lo levantara, que lo vendiera. Hice un tarro para poner la ropa sucia, pero lo describí tanto y decía que era tan ‘imprescindible’ que después me cargaban, como que ¡el tacho de la ropa sucia era lo más importante que alguien podía tener en su vida!”.

Fabiana tenía a sus hijos chicos y un día ocurrió que no había tenido tiempo para preparar nada para presentar en el programa: “Me levanté a las cinco e hice lo que pude, hice un círculo con dos agujeritos, me lo puse y dije que era un chaleco. Fui con vergüenza… Y fue un exitazo. Ahí me di cuenta que la gente quiere lo simple, no lo complicado. Quizás yo hacía un tapado forrado en quince minutos, pero nadie lo podía hacer”.Fabiana Marquesini formó parte de Puntos y puntadas; hoy se dedica a enseñar costura por YouTube. Aquí, en su taller en Villa del Parque. Foto: Ariel Grinberg.Fabiana Marquesini formó parte de Puntos y puntadas; hoy se dedica a enseñar costura por YouTube. Aquí, en su taller en Villa del Parque. Foto: Ariel Grinberg.

Eran tiempos donde se enviaban cartas, y los televidentes escribían para pedir el molde de la prenda que se hacía en televisión. Alrededor de un mes después -rememora Fabiana- el canal les enviaba gratis los moldes. Pero era un “talle único”, el de la modelo.

“La gente pedía a gritos todos los talles. Ahí aprendí que hay que enseñar para que cada uno se lo pueda hacer a su medida. Esto fue a partir de cientos de cartas”.

Utilísima cerró en 2013: “Fue muy triste, aunque lo veíamos venir porque estaban echando personas a pasos agigantados. Yo fui de las poquitas que quedamos hasta el final, yo digo que ‘cerré la puerta’ porque literal fue el último día de grabación. No fue lindo, encima nos mandaron a todos la carta documento el día 24 de diciembre”.

Nueva etapa, influencer de costura

Si bien al año de arrancar en Utilísima Fabiana había empezado a armar su escuela de costura (la hizo en el quincho de su casa, para trabajar cerca de sus hijos), el cierre del canal le generó un gran vacío. Fue en ese marco que un sobrino le dijo “tenés que armarte un canal en YouTube para transmitir lo que sabés”. Y con la ayuda de sus hijos y su familia, hace seis años comenzó a grabar para web.

Su famoso “círculo-chaleco” sigue vigente hoy, pero ya en formato digital: es uno de los videos “estrella” de su canal de videos, donde acumula más de 800 mil suscriptores, principalmente adultos y adultos mayores, aunque también jóvenes.Fabiana acumula más de 800 mil suscriptores en su canal de videos. Foto: Ariel GrinbergFabiana acumula más de 800 mil suscriptores en su canal de videos. Foto: Ariel Grinberg

Dice que uno de los tutoriales más exitosos es uno de los menos “glamorosos”: “Cómo arreglar cuando un agujero (desgaste) en el jean al raspar las piernas. Es gracioso, porque la foto es el pantalón con el agujero, y otros que son divinos y brillantes no tienen tanto éxito”.

Otros de los más vistos son “cómo hacer una cortina de baño desde tu casa”, “truco de costura para coser lycra o telas elastizadas”, “el mejor maxi buzo del mundo oversize”, “musculosa súper fácil”, “convierte los jeans viejos en una increíble alfombra o tapete”, “reciclado de remeras en desuso” y “cómo arreglar un agujero (desgaste) de tus jeans”.

“Siempre digo que lo mejor que le puede pasar como docente es que te copien lo que estás haciendo. Y si lo hacen hasta con la misma tela, me alegra el triple, porque les gustó todo. Que lo que digas haga que lo quieran copiar y sentir esa ilusión de que ellos lo pueden crear y hacer”, dice a Clarín Fabiana, en su versión como “youtuber de costura”.En su taller, armó su "museo" con máquinas de coser antiguas y otros elementos relacionados que le han regalado. Foto: Ariel Grinberg.En su taller, armó su «museo» con máquinas de coser antiguas y otros elementos relacionados que le han regalado. Foto: Ariel Grinberg.

“En la calle me pasa que quizás se acercan dos mujeres: una grita como loca que me conoce y la otra le pregunta ‘¿quién es?’ Si no le gusta la costura, no tiene idea. Fue un canal que todo el mundo amó, por lo que son recuerdos lindísimos”.

“Yo creo que Utilísima me dio el título que no tengo. Porque había muchísimos especialistas, que eran los mejores en lo suyo. La que borda, el molderista, los que hacen telar, bolsos, ropa interior… Había mucho para aprender. Son 17 años de escuchar a los que saben, y sin querer vas sumando experiencia de todo. Es como ir a una escuela que te están enseñando todo el día”.

La historia de cuatro diseñadores jóvenes que están marcando tendencias en moda

Fuente: Clarín – “Nunca tuve un objetivo con mi marca, yo solo quería seguir creando y ser fiel a mí misma”, cuenta la diseñadora Anushka Elliot desde la ciudad de Nueva Delhi, dónde se encuentran los talleres de su marca.

Nació y pasó parte de su infancia en Venezuela, después se mudó a la Argentina, estudió un tiempo en Londres y volvió a Buenos Aires. Viaja mucho a Uruguay, dónde viven sus padres.

La diseñadora Anushka Elliot. Foto: Gentileza Anushka Elliot.La diseñadora Anushka Elliot. Foto: Gentileza Anushka Elliot.

Entre manejar sus tres locales, diseñar sus colecciones y crear piezas a medida para diferentes clientes en su atelier, la vida de Anushka está completamente atravesada por su trabajo y sus viajes.

Sin embargo, cuándo decidió crear su marca en 2014, su filosofía fue un poco diferente a otros emprendedores.

“Al principio, la idea era fluir. Hacemos esta temporada y después vemos, nunca tuve metas tan a largo plazo. Con el tiempo, te vas profesionalizando”, recuerda.

La pasión por la moda la tiene desde chica. Destaca que su elemento favorito es el bordado, detalle característico de sus prendas. “Creo que tengo un ojo estético, a mí me interesa lo visual, los colores, las texturas, las combinaciones. Para mí, si una prenda no tiene ningún detalle, carece de identidad, me gusta que todo tenga un valor agregado”, explica.Sus prendas se caracterizan por el bordado y los detalles. Foto: Gentileza Anushka Elliot.Sus prendas se caracterizan por el bordado y los detalles. Foto: Gentileza Anushka Elliot.

Y fue esta técnica la que la enamoró de India. “Me vine sola a los 20 años. Estaba en un viaje por Malasia y, como mis papás habían viajado mucho por el mundo porque tienen un local de decoración, me pasaron el contacto de unos proveedores. Una cosa llevó a la otra y se fue dando”, dice Anushka y afirma que no hay muchos países que tengan una técnica de bordado a mano tan aceitada. “Siempre estoy en búsqueda de nuevos lugares, pero acá, en India, tengo ya un vínculo muy fuerte”.

Debido a las técnicas y ritmos de elaboración, sus colecciones suelen ser chicas, con pocas prendas. Ahí entra en juego su atelier, donde diseña y confecciona piezas a medida como vestidos de novia. “La idea es que nadie se quede afuera. Si vos querés tener algo que armamos, vení y te lo hacemos”, se ríe.

Tiene muchos proyectos a futuro, pero no le gusta dar noticias antes de confirmarlas. Por ahora, su idea es expandirse a los Estados Unidos. También está armando una colaboración para el verano con una marca internacional bastante más grande, en Uruguay. “Con las chicas del equipo apostamos a seguir evolucionando. Creo que estamos en un lindo momento”, expresa.Milagros Muñoz es publicista y directora creativa de la marca de ropa, Demiracolo. Foto: Esteban Leyba.Milagros Muñoz es publicista y directora creativa de la marca de ropa, Demiracolo. Foto: Esteban Leyba.

Milagros Muñoz, de Demiracolo

“Siempre supe que iba a tener o manejar una empresa”, dice Milagros Muñoz (28) entre percheros llenos de diseños de colores fuertes y estampas geométricas, desde su local de Palermo Soho. La sanjuanina es fundadora y directora creativa de Demiracolo.

La marca que se caracteriza por sus tejidos y su estética maximalista comenzó a gestarse en 2019, cuando Milagros se recibió de Licenciada en Publicidad en la Universidad Siglo 21, en Córdoba capital. “Estaba buscando mi voz”, recuerda. “También me pasaba que no me sentía representada por ninguna marca y dije: “voy a empezar a hacer algo con lo que me sienta identificada».

El concepto era claro, quería inspirarse en la estética italiana que asociaba a sus abuelos inmigrantes, pero siempre desde la proyección de su estilo personal. Lo que siguió fue una búsqueda de diseñadores, proveedores y, por supuesto, mentores que pudieran asesorarla sobre emprender en una industria completamente nueva.La diseñadora posa en su local de Palermo Soho. Foto: Esteban Leyba.La diseñadora posa en su local de Palermo Soho. Foto: Esteban Leyba.

“Arranqué finalmente en 2020. Fue un caos, yo no entendía el rubro. Le escribía a gente dueña de marcas por Instagram para que me asesore y muchos me ayudaron un montón”, explica. “Así me fui metiendo y encontrando los equipos indicados. Todo empezó a fluir”. Pasaron casi cinco años y hace seis meses abrió su local de la calle Gorriti. “Fue una necesidad absoluta, perdía muchas ventas porque hay gente que de verdad le gusta probarse la ropa”, cuenta y recuerda una instancia pre-local en la que invitó a una clienta a su casa para cerrar una venta de más de 15 prendas.

Además, tuvo la oportunidad de participar de la última edición de BAFWeek, en el marco del concurso “Autores de Moda BA”, donde presentó su colección de invierno, Le Farfalle. “Era uno de mis objetivos para 2024 así que estoy muy contenta”, afirma. “Fue todo súper rápido, creo que tuve 10 días para preparar todo”.

La colección inspirada en los fideos “moñito” combina una comida típica de su infancia con una de las tendencias de los últimos meses. “A mí en general las tendencias me cansan, me abruman. Pero quise incorporar la moda de los moños a la marca de manera más creativa”. A pesar de tener diseños llamativos, con colores vibrantes y tejidos imponentes, sostiene la idea de reversionar clásicos. “A largo plazo me encantaría incorporar más básicos, pero con una vuelta. Y para las próximas colecciones, jeans”.Agostina Belén Hidalgo es la creadora de Agoshida, marca ganadora de la ultima edición de "Autores de Moda BA" en BAFWeek. Foto: Esteban Leyba.Agostina Belén Hidalgo es la creadora de Agoshida, marca ganadora de la ultima edición de «Autores de Moda BA» en BAFWeek. Foto: Esteban Leyba.

Agostina Hidalgo, de Agoshida

Empezó un verano descosiendo jeans para un proyecto de la diseñadora Jessica Trosman mientras estudiaba Diseño de Indumentaria en FADU. Tiempo después se volvió su aprendiz y mano derecha y, en 2021, Agostina Belén Hidalgo decidió lanzar su propia marca, Agoshida. “Jessica me enseñó un montón, pero a mí me gustan los desafíos”, recuerda contenta.

Cada una de sus piezas es única o está realizada en muy pequeñas cantidades, a mano. Combina su pasión por la sastrería con el estilo urbano y los materiales que utiliza no suelen ser los mismos. “Yo trabajo con todas telas planas. Lana, gabardina, camiseros. Pero amo la seda, me encanta”, explica.

“No es un material fácil. Cortarlo es mega complicado, es carísimo y no hay tanta cantidad. Pero lo hago porque realmente lo siento. Me gusta que el diseño sea algo lúdico. Necesito que me divierta, disfrutar de hacerlo, sino no funciona para mí”.

Agostina trabaja desde su casa. Por ahora no le interesa tener su propio taller o local. Cuenta que parte de su decisión de mantener su trabajo a pequeña escala viene de una conversación que tuvo con la diseñadora Camila Milessi, de la marca Kostüme, durante la última presentación de la que participó como diseñadora en JT.

“Le dije: ‘Quiero hacer algo chiquito pero, bueno, después crecer’ Y ella me dijo ‘siempre chiquito’. Me re quedó ese consejo. Chiquito no es malo, lo podés controlar, hacer las cosas que te gustan”.La diseñadora trabaja desde su casa realizando piezas únicas. Foto: Esteban Leyba.La diseñadora trabaja desde su casa realizando piezas únicas. Foto: Esteban Leyba.

Así, entre vinilos, tazas de té y libros en español, inglés y francés, Agostina ideó y produjo la colección “Apariciones”, con la que ganó el concurso “Autores de Moda BA” durante la última edición de BAFWeek. Inspirada en el terror y en la parálisis del sueño, la colección presenta prendas como trajes de organza, tops de gasa, pantalones sastres de algodón y bufandas de pelo.

“Yo trabajo con amigos y también quise que fueran mis modelos. Así que el desfile fue toda una gran colaboración. La energía que había era hermosa”, dice sobre el trabajo por el cual ganó una beca para estudiar imagen y estilismo en el Istituto Marangoni de Milán. “La verdad que nunca pensé que iba a quedar. Estoy super feliz”.

Conocer Europa la emociona mucho, especialmente porque en su viaje planea visitar las semanas de la moda de Milán y París. “Me gustaría hacer una exposición en París con unos amigos que viven ahí. Y llevar el diseño argentino afuera”.Marti Douelle y Loli Demaestri son los creadores de Meristemo. Foto: Ariel Grinberg.Marti Douelle y Loli Demaestri son los creadores de Meristemo. Foto: Ariel Grinberg.

Demaestri y Douelle, de Meristemo

Loli Demaestri es fotógrafo, oriundo de Junín. Marti Douelle es diseñadora de indumentaria, nacida en Tres Arroyos. Hace 14 años están en pareja y tienen dos hijos. Desde 2014 son los creadores de la marca de tejidos artesanales Meristemo. “Estamos en plena búsqueda, todo fue pasando de a poco”, cuenta Loli desde su estudio y oficina en el tercer piso de la casa que comparten en Recoleta.

Sin embargo, el nacimiento de su marca fue extremadamente rápido. Cada uno trabajaba por su parte: Marti era diseñadora textil en una marca de shopping, y en su tiempo extra comenzaron a vender vestidos y blusas como proyecto personal. “Un día Loli me dijo: ‘¿Por qué no dejamos los trabajos fijos y nos vamos a vender la ropa de mochileros?’”, recuerda Marti. Al principio la idea le pareció descabellada, pero finalmente accedió.

Durante un año entero recorrieron por tierra el continente, desde el sur de Brasil hasta la ciudad de Los Ángeles, con una mochila cada uno, los productos ya terminados y las diferentes telas que compraron en el camino. “Durante todo el viaje pudimos vivir de lo que vendíamos. Entonces dijimos: ‘Bueno, pará, tomémoslo más en serio’ y empezamos a fabricar acá”, agrega.La pareja se dedica desde hace 10 años al diseño y fabricación de prendas tejidas. Foto: Ariel Grinberg.La pareja se dedica desde hace 10 años al diseño y fabricación de prendas tejidas. Foto: Ariel Grinberg.

Decidieron dedicarse a producir lo que Marti ya conocía: suéteres. Aunque empezaron con máquinas semi industriales y ahora ofrecen algunos modelos industriales para abastecer la demanda y poder abaratar precios a medida que crece su firma, Meristemo es conocida por sus tejidos a mano.

“Lo que más nos gusta es el contacto con lo artesanal. Por más que la misma tejedora haga varias prendas, cada una tiene un poco de manga distinta, un poco de sisa, espalda, largo. Cada pieza es única”, explica Loli sobre sus productos estrella. Marti sostiene que su material favorito para el invierno es el mohair, hilado de cabra, porque “es calentito y no hace pelotita”. En verano se inclinan más por el algodón y la seda.

A pesar de trabajar solo con talles únicos, sus productos buscan ser adaptables a todos los usos y cuerpos posibles. “Todo lo que trabajamos es bastante holgado, no hacemos cosas ajustadas. Es una de las cosas buenas del tejido”, explica Marti. A futuro buscan llevar la tradición artesanal de sus productos al exterior. “Nos encantaría vender en invierno acá y llevar la producción de verano a Europa, por ejemplo”, concluye Loli.

Miles de vestidos, 800 pares de zapatos y toneladas de lentejuelas y plumas: el otro arte del Moulin Rouge

Fuente: TN – El cabaret legendario en el corazón del barrio parisino de Montmartre, abre sus puertas 365 noches al año con dos funciones diarias gracias, en gran parte, al trabajo de decenas de bordadoras y costureros.

El Moulin Rouge cumple 135 años. Hace una semana sufrió un percance inesperado: se cayeron sus aspas y algunas de sus letras. Pero ni siquiera ese contratiempo le impidió abrir sus puertas.

En escena son 60 artistas, principalmente las conocidas “can can girls”. En las butacas, una media de 1.700 espectadores repartidos en dos sesiones (a las 21 y a las 23:30, la mitad de ellos turistas extranjeros. Y entre bambalinas, especialistas en alta costura y atrezzo.

La diseñadora Mine Verges en su atelier en las entrañas del Moulin Rouge(Foto: Miguel MEDINA / AFP)
La diseñadora Mine Verges en su atelier en las entrañas del Moulin Rouge(Foto: Miguel MEDINA / AFP)Por: MIGUEL MEDINA | AFP

Ese ritmo de espectáculos requiere al año unos 1.000 vestidos y trajes hechos a medida, 800 pares de zapatos (del 37 al 47) y un promedio de tres kilómetros de boas y plumas de avestruz (criadas en cautiverio).

El ruido de las máquinas de coser es incesante antes y después de cada show, y a veces incluso durante el espectáculo. “Salimos a escena todas las noches. Los vestidos se desgastan… Pero el espectáculo debe mantener el máximo estándard de calidad” declara a la AFP Jean-Victor Clerico, de 38 años, director general del cabaret.

Los vestuarios de las "can can girls" se desgasta en cada función (Foto:  Miguel MEDINA / AFP)
Los vestuarios de las «can can girls» se desgasta en cada función (Foto: Miguel MEDINA / AFP)Por: AFP

El “French cancan”, con su ritmo frenético y su espagat final (la caída al suelo con las piernas totalmente abiertas) pone a prueba costuras y vestidos.

Los secretos de la costura, de generación en generación

El Moulin Rouge es propiedad de la misma familia desde hace cuatro generaciones. Sus dueños crearon una escuela de artes escénicas, dedicada en particular a formar expertos en el bordado, las lentejuelas y las plumas.

“Son empresas que corrían el riesgo de desaparecer, a pesar de que son indispensables para el espectáculo. Es nuestro deber mantenerlas vivas, al mismo tiempo que permitimos la transmisión de su savoir-faire a las nuevas generaciones”, explica Clerico.

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(Video y foto: AFP)

Costurera del mundo del espectáculo desde los años 60, Mine Vergès “volvió a la escuela” con esta iniciativa del Moulin Rouge, a pesar de sus 88 años. Su misión será transmitir a los alumnos décadas de sabiduría textil. Su última creación fue el vestido de Nana Mouskouri para la ceremonia de la llama olímpica en Atenas.

Los vestidos más complicados son los del music-hall. Todo debe ser mucho más sólido que un vestido normal. Y cuando hay plumas, tienen que ser ante todo algo agradable para las bailarinas. El Moulin fue el primer cabaret donde empecé a trabajar, y será el último”, confiesa.

Mine Verges con la bailarina australiana  Madison en su atelier en el  Moulin Rouge (Foto: Miguel MEDINA / AFP)
Mine Verges con la bailarina australiana Madison en su atelier en el Moulin Rouge (Foto: Miguel MEDINA / AFP)Por: AFP

La casa Février, fundada en 1929, es otra de las colaboradoras de la escuela de artes escénicas del Moulin Rouge, y también de firmas prestigiosas de alta costura como Hermès y Louis Vuitton. Al frente de su equipo de especialistas en el arte de las plumas, Maxime Leroy, de 35 años. Solamente el Moulin Rouge gasta el equivalente a tres toneladas de plumas de avestruz, de faisanes y de gallos, cosidas a mano cada año.

Todos los trajes se bordan y confeccionan en los talles propios del Moulin Rouge (Foto: Miguel MEDINA / AFP)
Todos los trajes se bordan y confeccionan en los talles propios del Moulin Rouge (Foto: Miguel MEDINA / AFP)Por: AFP

Directora del taller Valentin, especialista en bordado, Caroline Valentin utiliza la técnica ancestral del crochet y del punto de cadeneta. “La magia siempre me ha fascinado. No hay límite a la hora de bordar: lentejuelas, perlas, estrás, piezas metálicas… El único imperativo para un traje de escena es que sea resistente”, dice.

Los zapatos, fundamentales en el Moulin Rouge

Aparentemente secundario, el zapato es sin embargo esencial en el cabaret. En el Moulin Rouge el responsable es el zapatero Clairvoy, casa fundada en 1945.

Nicolas Maistriaux, de 45 años, y su equipo fabrican los zapatos de los artistas, hasta 60 horas de montaje para cada par, sin contar su mantenimiento y renovación.

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(Video y foto: AFP)

La cantante Kylie Minogue también recurrió a la Maison Clairvoy para sus botines de escena.

Para la australiana Jasmine Bard, una de las bailarinas del Moulin, “los trajes están diseñados para que podamos evolucionar siempre al máximo de nuestro potencial. El traje se convierte en parte esencial de nuestros cuerpos”.

La bailarina principal Portia preparandose en su camarian (Foto: Miguel MEDINA / AFP)
La bailarina principal Portia preparandose en su camarian (Foto: Miguel MEDINA / AFP)Por: AFP

“Nuestros oficios son todo lo gratificantes que se pueda imaginar”, estima la bordadora Caroline Valentin. “Tenemos la inmensa suerte de crear belleza… ¡En eso consiste la artesanía artística!”.

AFP/ Periodista: Jean-François Guyot/ Video: Mathilde Berenger/ Fotos: Miguel Medina

Declararon de interés municipal desfile de diseñadores rosarinos

Fuente: Consejo Rosario – En un acto efectuado en la tarde del pasado martes, 7 de mayo, en el recinto de sesiones, se declaró de interés municipal el 16º Desfile de Diseñadores Rosarinos que, organizado por la agencia Lanka Models, de la productora y conductora de televisión Carolina Della Seca, se realizó el 7 de abril en las instalaciones del Hotel Ros Tower.

El proyecto para declararlo de interés municipal lo presentó el edil Hernán Calatayud, de Volver a Rosario, quien presidió el acto, del que participaron numerosos representantes de empresas que expusieron sus productos y modelos que los lucieron.

Al abrir la actividad el edil Calatayud, sostuvo que “uno no conocía lo que genera Carolina” para aseverar que “es fantástico que salga de aquí y para todos”.

Posteriormente el asesor de Calatayud, Miguel Ángel Rucco, resaltó que fue “el desfile número 16, del que participaron 16 marcas rosarinas que hacen al desarrollo económico y generan empleo”.

Dijo luego que “estamos distinguiendo el trabajo de cada pequeña y mediana empresa (pyme), de cada emprendedor” para sostener el objetivo de “darle a la banca de Hernán la impronta del sector”.

Respecto al desfile señaló Rucco, como lo había mostrado un video producido también por Carolina Della Secca, que tuvo “el objetivo de concientizar sobre la protección del medio ambiente, para cuidar el planeta”.

Mencionó otros aspectos del desfile, su escenografía, el vestuario, la música en vivo, los cantantes y reafirmó que “es un desfile inclusivo de verdad” en todos los aspectos, género, talles, personas con discapacidad.

Marcó también que “Carolina Della Seca se lo puso al hombro”, para enfatizar que “por eso merece el reconocimiento”.

Se dio lectura posteriormente al decreto por el que se declaró “de interés municipal el 16º Desfile de Diseñadores Rosarinos, organizado por la agencia Lanka Models, de la productora y conductora de televisión Carolina Della Seca, que se realizó el 7 de abril de 2024 en el Hotel Ros Tower”.

A continuación el concejal Calatayud entregó a Della Seca la copia del decreto por el que se reconoce la actividad y un diploma.

En su agradecimiento Della Ceca dijo que “es para todos ustedes, para todos los sponsors” y acotó que “la moda siempre está y estoy feliz de ponerle calidad humana”.

Precisó que “yo soy la creadora, la dueña de la agencia, pero tengo un gran equipo” y en tal sentido agradeció a su socio, Maxi Trujillo, y a su pareja, Martín Frúgoli, que se encontraban en los palcos del recinto.

Resaltó que “este es un trabajo grande” para recordar que “la agencia ya tiene 12 años. Estoy cumpliendo mi sueño y el sueño de ustedes”.

Por último agradeció a los presentes, su familia, a integrantes de la comisión directiva de la Organización Argentina de Mujeres Empresarias (Oame) y a sus alumnos.

Gustavo Pucheta & Fabián Paz, camino a la Met Gala

Fuente: Clarín – Los diseñadores Gustavo Pucheta y Fabián Paz son los argentinos elegidos este año por la Met Gala que se celebra, como todos los años, el primer lunes de mayo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, organizada por la revista Vogue y su alma mater, Anna Wintour.

Esta vez, la temática lleva un nombre romántico: «Bellas durmientes, el despertar de la moda», y todos los diseñadores y celebridades internacionales convocadas para el evento de moda más importante del año han dado lo máximo para deslumbrar en la alfombra roja más influyente de la industria.

La dupla Pucheta-Paz fue convocada por el canal E! Entertainment para ser parte de la antesala de la transmisión con un fashion filme, inspirado en la consigna de este 2024.Como salido de un cuento de hadas. Kaumann lleva un vestido color nude, con una falda campana maximalista de más de ocho metros de largo. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Como salido de un cuento de hadas. Kaumann lleva un vestido color nude, con una falda campana maximalista de más de ocho metros de largo. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

Y así fue que los diseñadores convocaron a la supermodelo Iman Kaumann para que sea su musa, dirigida por el reconocido fotógrafo Gabriel Rocca, quien supervisó un equipo de más de 20 personas en Arenas Studio, donde se realizó el video. Andrés Pastor puso su magia como estilista, Sergio Lamensa se ocupó del peinado y Vero Momenti, del maquillaje.

Anacronesia es el título elegido por los argentinos para el video en donde la Kaumann lleva un vestido color nude que parece salido de un cuento de hadas.Maxivestido con maxi corset de más de 25 metros, en distintas capas, totalmente armado con ballenas. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Maxivestido con maxi corset de más de 25 metros, en distintas capas, totalmente armado con ballenas. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Gustavo Pucheta, Imán Kaumann y Fabián Paz. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Gustavo Pucheta, Imán Kaumann y Fabián Paz. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

“Está hecho en organza rígida transparente, un maxi corset que envuelve desde el rostro hasta el final de las piernas transformándose en un gran vestido de más 25 metros en distintas capas,totalmente armado con ballenas que develaban la estructura de esta prenda que finaliza con unas mangas maximalistas, evocando una sirena que desea salir de la oscuridad“, comenta Gustavo Pucheta.

“El otro diseño es un vestido de silueta evasé a modo de una metamorfosis de liberación y despertar de la moda en metros y metros interminables de ballenas que armaron y estructuraron una falda doble campana maximalista, de más 8 metros de largo, que se ajusta en el módulo superior en una corsetería de cortes geométricos“, agrega el diseñador ganador del Martín Fierro de la Moda Revelación 2023.

Agradecimiento: E! Entertainment. Estilismo: Andrés Pastor. Modelo: Iman Kaumann (Lo Management). Pelo: Sergio lamensa. Maquillaje: Vero momenti. Locación: Arenas Studio. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

Dejó la odontología y se puso diseñar ropa con onda para trabajadores de la salud

Fuente: La Capital – Fabrican 5000 piezas al mes que tienen gran demanda entre los profesionales rosarinos y también venden en otros puntos del país.

Durante 40 años Claudia Arribillaga se dedicó a la odontología. Día tras días atravesaba sus tareas vistiendo distintos modelos de ambos que no la convencían: las telas se rasgaban, se inclinaba sobre sus pacientes y de los bolsillos se le caían las cosas, la aburría verse vestida con los mismos colores y diseños. En ese momento tomó nota de las mejoras que le faltaban a esta ropa y empezó a diseñarse sus ambos con una modista que se los producía. Fue así como hace 17 años, con una inversión familiar, creó «Guernica» pensando en ese nicho de negocios que había en la fabricación de este tipo de indumentaria.

“La propuesta es adaptar las necesidades diarias del trabajo a aplicaciones útiles con modelos prácticos a los cuales les imprimimos diseños creativos”, explica Claudia sobre el disparador que estructura el concepto de la marca. Para sus ambos, chaquetas, pantalones y guardapolvos utilizan la tela inteligente INTA Textil -la misma de los guardapolvos escolares– que se caracteriza por ser resistente y de fácil lavado.

Lo que comenzó en un pequeño departamento familiar, hoy es una marca totalmente afianzada con un equipo de 14 personas: “Al principio íbamos ofreciendo los productos a los negocios especializados con un catálogo. Los dejábamos en consignación y los dueños de los locales no creían que se fueran a vender. Cuando volvíamos ya no quedaba nada. Nosotros les armábamos el perchero e impulsábamos que vendieran”, rememora sobre sus inicios.

En la actualidad ofrecen dos líneas de productos, una más premium que se llama Guernica y una segunda marca llamada San Sebastián, más accesible para estudiantes. A su vez cuentan con un e-commerce en el que trabajan las ventas minoristas y mayoristas, con clientes en distintos puntos del país como instituciones de Corrientes o Santiago del Estero. Además, tienen dos locales en Rosario, uno en el centro y otro en la zona de las facultades de Medicina y Odontología.

Producción y precios

Actualmente producen 5000 piezas al mes y venden unas 4000. San Sebastián, enfocada a un segmento estudiantil, cuenta con la misma calidad de producción, pero es más económica por el hecho de tener diseños más simples: “La idea es que los chicos inviertan una sola vez y les dure toda la carrera, por eso no resignamos la calidad”, explica la fundadora. Los precios empiezan en $28.800 hasta los $72000 por un conjunto completo de ambo.

Para Claudia lo principal es la calidad: “Tenemos una obsesión por el control de calidad, ya que es inadmisible que, por ejemplo, un profesional al agacharse se le raje todo el pantalón”, explica. Por eso, los productos que demuestran la mínima falla van directo a la sección de outlet del local del centro. La alta calidad y el entendimiento sobre las necesidades médicas, además de la innovación que supuso crear una marca así hace casi veinte años, es el diferencial que Claudia identifica sobre su marca: “Al haber trabajado en esto sé lo que necesita ponerse un médico o un odontólogo. Son prendas de la salud hechas por gente de la salud. Por ejemplo, cuando diseñamos, salgo y compro carcasas del modelo del celular más grande que haya para hacer los bolsillos de acuerdo a eso, porque yo sé lo que es que no te entre el teléfono en el ambo ”.

El diseñador argentino que puso a Eva Perón en la ópera Carmen

Fuente: Clarín«No, Pablito, las macetas no van en la cabeza», le dijo la maestra jardinera el primer día de clases. Y el niño, que ya esbozaba figurines, sin amedrentarse, le explicó que lo que había dibujado era un sombrero. A esa escena antológica recurre el propio diseñador Pablo Ramírez cuando es invitado a repasar los hitos que sí o sí tendrían que ser parte del guion de la ficción que tuviera que contar su vida.

Claro que no sería exagerado pensar en una biopic que hiciera foco en el reconocido diseñador de moda, porque sin dudas tiene con qué. Por empezar, la épica de sus primeros pasos en Navarro, provincia de Buenos Aires, cuando soñaba con ser bailarín; su llegada a la flamante carrera de Diseño de Indumentaria en la Universidad de Buenos Aires; el concurso Alpargatas que lo llevó a trabajar a París, y los distintos aportes para varias firmas famosas: Via Vai, Gloria Vanderbilt y Adriana Costantini.

Esos hechos deben tenerse en cuenta, entre muchos otros que transcurrieron desde que lanzó su marca homónima, por supuesto.

Por si fuera poco, con el paso del tiempo se atrevió a las artes escénicas, para hacerse cargo de los vestuarios de Fito Páez y Gustavo Cerati, de las obras de Alfredo Arias, de Tosca en el Teatro Solís de Montevideo y deBodas de Sangre en Buenos Aires, su creación más reciente.

Ahora es el turno de Carmen en el Teatro Municipal de San Pablo (del 3 al 11 de mayo). Y esta versión de la célebre ópera de Georges Bizet, dirigida por el brasileño Jorge Takla y con escenografía del argentino Nicolás Boni, está inspirada en nada menos que el desfile que Ramírez montó en 2012 en el Teatro Colón.

Por eso se trata de una puesta que, si bien respeta el relato trágico original, al encuadrarse en el universo de la moda propone un nuevo entorno en un atelier de alta costura, cuyos personajes toman referencias fashionistas en la caracterización de costureras, bordadoras, mannequins, además de las clientas, con la licencia que trae a escena a un ícono latinoamericano de la altura de Eva Perón.Ramírez, como siempre, todo de negro. El vestuario de Carmen será una fiesta de colores. Foto: Larissa Paz.Ramírez, como siempre, todo de negro. El vestuario de Carmen será una fiesta de colores. Foto: Larissa Paz.

A mí no me interesa la corrección política. No cumplo una función pública, no tengo una responsabilidad en ese sentido.

Ramírez en colores

Ahí está Ramírez. Atento a los últimos detalles, en comunicación desde Brasil vía Zoom, con sus típicos anteojos de marco grueso y su atuendo siempre negro, aunque esta vez de fajina.

Mientras habla, agita un abanico. Adelanta que este año va a dirigir a la actriz María Merlino en un unipersonal, y que en junio será reconocido como Personalidad Destacada del ámbito de la Cultura por la Legislatura porteña. Distinción que reconfirma el prestigio que el prolífico diseñador obtuvo durante estas tres décadas de trabajo, tanto en la industria local como regional.

¿En qué se basa su prestigio? Entre otras cosas, se debe a la versatilidad para transitar géneros y escenarios, pero por sobre todo, se debe a la coherencia sostenida en el tiempo con su inconfundible estilo, signado por el ascetismo, el binomio de tonos basado en la ausencia del color y la perfección apabullante de sus prendas, además de su manera de hacer y la teatralidad que desplegó durante todo este tiempo en la pasarela.

-Al ver los bocetos, sorprende el uso del color, ¿cómo surgió ese cambio?

-Fue algo que fuimos trabajando juntos con el director. Él me preguntó qué quería y lo fue aceptando. La verdad es que, de todo el diseño, lo que nos llevó más tiempo fue el tercer acto, con los contrabandistas. La escena no ocurre en la montaña sino en una especie de galpón. Y si bien hay algo de temporalidad, no nos guiamos con un rigor historicista. Lo hicimos como si fuera a fines de los años ‘40 y principios de los ‘50, y el desfile final está inspirado en la tauromaquia. Es como si fuera una colección para ahora, algo que hubiese sido imposible en esa época. Esa es justamente la fantasía y la posibilidad que te da la ópera y el teatro para expresar e imaginar.

-Entonces se va a ver moda dentro de la ópera…

-Sí, porque el primer acto transcurre en un atelier de alta costura. Cuando se levanta el telón, aparece el personaje del diseñador que está fumando afuera de su maison, después están las modelos que están por desfilar, luego la jefa de costura y ahí se abre el universo del taller, con todas las costureras, las bordadoras y el sastre. Y en un costado del escenario, se va a ver un salón al que van llegando los invitados para un desfile privado. Hasta ese momento, nadie sabe, pero Carmen ya está en escena de espalda, caracterizada como una mannequin de cabine. También están Eva Perón y Carmen Polo.

-Hiciste 400 trajes, casi lo contrario a lo que suele hacer un diseñador de autor. ¿Cómo fue trabajar en ese sentido?

Siento que hice una colección como las que vendo en la tienda de Recoleta y en la plataforma online. En el primer acto, por ejemplo, están los trajes de las costureras, las bordadoras, las mujeres de limpieza, la directora del atelier y las secretarías. Y lo que más estoy disfrutando es que cada una que se prueba esa ropa se la quiere llevar para usarla. Hay algo de eso. Están encantadas.Prueba de vestuario en el teatro de San Pablo. Foto:  Larissa Paz.Prueba de vestuario en el teatro de San Pablo. Foto: Larissa Paz.

-Tu exigencia se advierte en el resultado de tus prendas. ¿Cómo se traduce eso en el teatro?

-Soy así también como espectador. Soy una persona muy visual, con mucha imaginación. Las cosas las concibo como tienen que ser. Me acuerdo una vez que un amigo diseñador vino a mi atelier y se rió mucho cuando me escuchó decirle a alguien cómo se le había ocurrido traer un rollo de papel de cocina estampado. Para mí era lógico que fuera blanco; es una manera de ver.

-Así como hay códigos visuales de época, también habría uno de Ramírez.

-Hacer ropa negra para mí es natural. Pero me manejo súper cómodo con el color. En cada acto trabajé con una paleta diferente y también distinguí lo masculino de lo femenino. La gente del teatro me pidió hacer una nota para las redes, donde me preguntaron cuál era el link entre Carmen y la moda. Dije que el personaje de Carmen es poderoso y que ella puede llegar a ser vista como maligna. Pero finalmente termina siendo una víctima. Me parece que en la moda también hay -o hubo- algo de eso, de la mujer protagonista, pero en realidad manejada por los hombres…

-Claro, lo de la “dictadura de la moda”.

-Sí, por eso nos preguntamos qué rol ocupaba Carmen y dijimos que es una mannequin de cabine porque es una trabajadora, pero también es una modelo que puede darse el gusto de ser caprichosa o de romper un molde.

-Aludías a la tauromaquia y, más allá de que es una tradición cultural en España, hoy es una práctica condenada. ¿Cómo te llevás con la corrección política?

-A mí no me interesa la corrección política. No cumplo una función pública, no tengo una responsabilidad en ese sentido. Artísticamente es otra cosa: está bueno expresarnos y que se interprete como tal. No puede ser que cualquier expresión artística sea un discurso hacia algo. Lo mismo pasa con el humor, qué difícil que es el límite al decir un chiste. Eso me aburre bastante.

-Volviendo a Eva Perón, después de la diseñadora de vestuario Beatriz Di Benedetto, creo que sos el que más la vistió en ficción, ¿qué queda por contar que no se haya dicho?

-En el viaje que hice a Madrid a raíz del libro Evita frente al espejo (Ampersand), tomé conciencia sobre el fenómeno de moda que significó, la importancia que tuvo. Además del momento en el que fue, en el mismo año en el que Christian Dior lanzó el “New Look”. Eso me parece mágico. Cuando acá, en la ópera, se habló de eso, me pareció absolutamente natural que una de las clientas que apareciera como personaje fuera ella.La tauromaquia, eje de la puesta y del vestuario que diseñó Pablo Ramírez.La tauromaquia, eje de la puesta y del vestuario que diseñó Pablo Ramírez.

-También vestiste a dos próceres de la cultura como Gustavo Cerati y Fito Páez. A Cerati le hiciste el traje de Principito para presentar sus 11 episodios sinfónicos. Con Páez volviste a trabajar el año pasado, ¿qué repercusión tuvo?

-A Fito lo vestí en el año ‘99 para su Abre Tour. Fue la primera persona muy conocida con la que tuve contacto. Fue muy fácil trabajar con él, y recién creo que en el Gran Rex o en el Ópera, tomé dimensión de la escala de lo que estaba pasando. A él lo vestí de rojo y a los músicos de blanco. Les armé los looks a todos. Qué atrevido, cómo me mandé y cómo me escuchó. El año pasado hice lo del estadio de Vélez Sarsfield y después lo del Teatro Colón.

-O sea que al Teatro Colón llegaste por Cerati primero y por Fito, después. Ya te podrían llamar para una ópera…

-Estoy en un momento en el que quiero hacer algo que me guste. En el trabajo de diseño de vestuario mi cliente es el director. Trabajo para él. Siempre que me llaman pregunto como la Coca Sarli: “¿Qué pretende usted de mí?”. Qué están buscando, por qué me llaman. Es como a medida, pero versionado para el elenco. Si me preguntás si quiero hacer algo en el Teatro Colón, te digo que sí, pero lo haría con Nicolás Boni.

Nunca busqué el reconocimiento, sino todo lo contrario.

Entre el anonimato y los premios

En junio van a reconocer a Pablo Ramírez como Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el ámbito de la Cultura. El año pasado le otorgaron el Martín Fierro a la trayectoria entre varios diseñadores muy conocidos.

Sin embargo, el modo de reaccionar de Ramírez es muy particular: no oculta una mezcla de humildad con timidez.

“Estuve en contra de la nominación”, asegura. “Llamé y les pregunté cuál era el criterio porque la trayectoria no se puede medir, no hay forma de competir por eso.”

-Más allá del prestigio, el homenaje y la estatuilla, a la larga, ¿cuál es el beneficio?

-Yo me fui de Navarro porque no quería que me conociera nadie. Quería el anonimato que llega cuando vivís en una ciudad como Buenos Aires. Nunca busqué el reconocimiento, sino todo lo contrario. De hecho, me encantan ejemplos como el de (Cristóbal) Balenciaga con su perfil bajo, o ya en el otro extremo, Martín Margiela, un diseñador al que nadie le conoce la cara. Me hubiera gustado seguir esos ejemplos.

-¿Por qué no pudiste seguirlos?

-Porque las reglas del juego y del mercado son muy diferentes. Mi fantasía era que la etiqueta de mi marca no tuviera mi nombre. Pero no me quedó escapatoria. Con mucha terapia me reconcilié con todo eso y entiendo que forma parte del juego. Entonces, a veces recibo un premio y me siento muy agradecido, muy afortunado. Pero no es la hoguera de las vanidades lo que me interesa. Soy una persona “íntima”, como decía Silvina Ocampo. Me interesan otras cosas, en ralidad. No me interesa estar en todas las fiestas y los eventos.

-En un mundo de tanta exhibición, hay que aceptar que ser anónimo es un valor muy especial. ¿Qué le sumaron las redes sociales a la moda y qué es lo más negativo?

-Lo más negativo tiene que ver con la superficialidad. Es tan obsceno que llega al nivel de cosas totalmente inventadas nada más que para ser exhibidas. Son como escenografías de cartón pintado que brillan solo para la cámara del dispositivo móvil, pero atrás de eso no hay nada. No hay una profundización, no hay vida interior, no hay un recorrido. Eso me parece tremendo.

Es parte de mi ADN crear, producir y diseñar en crisis.Los figurines de Pablo Ramírez para Carmen.Los figurines de Pablo Ramírez para Carmen.

Aquellos años ‘90

-Retomando la escena local, como marca, ¿cómo estás sobrellevando la crisis económica que atravesamos?

-Para ser absolutamente franco, entré a la carrera de la UBA en el año 1990. Se había creado un año antes, en plena crisis de hiperinflación. En esta conversación que estamos teniendo me parece importante recalcar lo que tiene que ver con la educación pública. La Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) fue la primera en crear la carrera de Diseño de Indumentaria, que fue y es modelo en toda Latinoamérica. Para mí, fue un honor haber pasado por sus aulas, y formar parte de esas primeras camadas de la Universidad de Buenos Aires. Pero también recuerdo que, en el año ‘89, cuando hubo una charla donde se hablaba de las carreras que había para estudiar, decían que la de Indumentaria era la que tenía mayor proyección y crecimiento, aunque no sabían cuál iba a ser el campo laboral, todavía desconocían eso. Y bueno, fue así y sigue siendo así.

-¿Te recibiste finalmente en la Universidad de Buenos Aires?

-Yo no terminé la carrera porque cuando estaba en los últimos años, a mediados de los ‘90, salió lo del concurso de Alpargatas y enseguida me fui a trabajar a París.

-A su vez, este momento también puede ser leído como una crisis sociocultural similar a la de la década del ‘90, ¿Qué se puede decir desde la moda en ese aspecto?

-Comencé en 1994 a trabajar y en el ‘99 ya estaba afuera de la industria. Me lancé con mi marca de una manera totalmente impulsiva, sin ninguna estrategia, como una necesidad. Es parte de mi ADN crear, producir y diseñar en crisis. Si bien este país es cíclico, a veces estamos mejor y otras peor, para mí es un ejercicio que forma parte de mi trabajo.

-¿Cuál es tu modus operandi?

-Es trabajar concentrado, con mucha conciencia y en una escala que tiene que ver conmigo, dando pequeños pasos. Mezclar la fantasía y el sueño, sin perder de vista el diseño, la funcionalidad, la calidad, el corte, la caída y la temporalidad. Cuando empecé, no existía el concepto de lo sustentable, y hacer ropa que no pase de moda fue uno de mis pilares. Crear aquello que no tenga vencimiento. Esos valores formaron, y forman todavía, parte de mi trabajo.

Benito Fernández deslumbró en Chile con su nueva colección Otoño Invierno 2024

Fuente: Infobae – En el marco del Andes Fashion Week, el diseñador argentino copó la pasarela del país vecino con su colección “Shining Future”. Las imágenes de un desfile único.

La moda argentina dijo presente del otro lado de la cordillera. Y para esto, nada mejor que Benito Fernández, uno de los diseñadores más reconocidos en el país. El pasado martes 23 de abril, Benito Fernández presentó en el marco del Andes Fashion Week (AFW) en Santiago de Chile, su nueva colección Otoño-Invierno 2024 llamada “Shining Future”, inspirada en una mujer fuerte y femenina donde el brillo, el color y las texturas son los grandes protagonistas.

El desfile de Benito Fernández en el Andes Fashion Week contó con 24 pasadas, demostrando la amplitud y la diversidad de su propuesta de moda para Otoño-Invierno 2024El desfile de Benito Fernández en el Andes Fashion Week contó con 24 pasadas, demostrando la amplitud y la diversidad de su propuesta de moda para Otoño-Invierno 2024

Luego de su lanzamiento en 2023, la segunda edición del Andes Fashion Week Chile, se desarrolla entre el 22 al 24 de abril en el Hotel Doubleetree by Hilton de Vitacura, con pasarela de marcas y diseñadores tanto internacionales como locales.

Otro de los momentos más espectaculares de la pasarela de Benito FernándezOtro de los momentos más espectaculares de la pasarela de Benito Fernández

La colección “Shining Future”, se destacó por sus detallados bordados, la delicadeza de las gasas y satenes, y el encanto de sus estafetas, presentándose en una rica paleta de colores que va desde el magenta intenso hasta el azul oscuro, incluyendo también el rojo y el amarillo.

La colección "Shining Future" propone combinaciones innovadoras para vestidos de noche, adaptándose a una visión más relajada de eventos sociales, como casamientos durante el díaLa colección «Shining Future» propone combinaciones innovadoras para vestidos de noche, adaptándose a una visión más relajada de eventos sociales, como casamientos durante el día

Con vestidos largos y trajes en lentejuelas como prendas destacadas, y otras que acompañan delicada y suavemente el cuerpo de la mujer, evocando los estilos de los 80, “esta colección está pensada para aquellas mujeres como Taylor Swift y Dua Lipa, que les gusta realzar su personalidad con los diferentes atuendos que utilizan de noche, con piezas que pueden intercambiarse para armar diferentes looks”, explicó el diseñador.

Benito Fernández ve el evento en Chile como una plataforma para expandir su marca en el país, contribuyendo a la diversidad y el colorido de la escena de la moda localBenito Fernández ve el evento en Chile como una plataforma para expandir su marca en el país, contribuyendo a la diversidad y el colorido de la escena de la moda local

Y sumó: “Es una colección que trae una propuesta contemporánea y que está dirigida principalmente a mujeres libres y diversas, que salen de la estructura y de las convenciones tradicionales”.

Durante el desfile en Chile, Benito Fernández sintió una cálida recepción por parte de la audiencia y destacados miembros de la prensa e influencers, resaltando la sinergia del evento con FDLA para potenciar la moda latinoamericanaDurante el desfile en Chile, Benito Fernández sintió una cálida recepción por parte de la audiencia y destacados miembros de la prensa e influencers, resaltando la sinergia del evento con FDLA para potenciar la moda latinoamericana

Fueron 24 pasadas en total el desfile de diseñador argentino. “Me sentí muy bien recibido por la gente, especialmente la prensa y los influencers. Fue una sensación superagradable. El Andes Fashion Week se hace en conjunto con FDLA y lo que hacen es potenciar la moda de Latinoamérica. Eso es muy importante, porque genera que crezca como una industria”, dijo Benito a Infobae.

Y agregó además: “Se sintió en la pasarela que hay mucho más interés en la moda latinoamericana”

Vestidos largos y trajes con lentejuelas marcaron la colección de Benito Fernández para Otoño-Invierno 2024, buscando apelar a mujeres que desean destacar su personalidad con su vestimenta nocturnaVestidos largos y trajes con lentejuelas marcaron la colección de Benito Fernández para Otoño-Invierno 2024, buscando apelar a mujeres que desean destacar su personalidad con su vestimenta nocturna

¿Qué busca destacar Benito en esta colección? “Sin dudas los vestidos de noche, -sostuvo-. Los vestidos de fiesta cambiaron mucho y son como más relajados ahora. Las piezas se pueden combinar, se pueden superponer, se pueden mezclar también para el día, el verano con el invierno… Digamos, que es una noche mucho más relajada. Esto se da por el cambio de hábitos que tenemos, donde por ejemplo los casamientos son a la tarde”, explicó el diseñador.

Benito Fernández describe "Shining Future" como una colección vanguardista enfocada en mujeres libres, desafiando las estructuras y convencionales tradicionalesBenito Fernández describe «Shining Future» como una colección vanguardista enfocada en mujeres libres, desafiando las estructuras y convencionales tradicionales

En la segunda edición del Andes Fashion Week Chile, además, se hicieron presentes diseñadores reconocidos de Latinoamérica, tales como Mercedes Campuzano de Colombia; Enzo y Eduardo KOII de Venezuela; Mundana de México; Jako Design de Estados Unidos y Lupe Gajardo de Chile.

El diseñador argentino expresó su intención de resignificar los vestidos de noche con su última colección, promoviendo una moda más relajada y versátil adaptada a los nuevos hábitos socialesEl diseñador argentino expresó su intención de resignificar los vestidos de noche con su última colección, promoviendo una moda más relajada y versátil adaptada a los nuevos hábitos sociales

“Este gran evento en Chile representa otra oportunidad única para presentar mi nueva colección y allanar el camino para el lanzamiento de mi marca en el país. Espero que mis diseños aporten vuelo y color a la impronta elegante que tiene Chile”, sumó Benito.

La colección "Shining Future" de Benito Fernández resaltó por sus meticulosos bordados y el uso de gasas y satenes, presentando una variada gama de colores desde el magenta hasta el azul oscuroLa colección «Shining Future» de Benito Fernández resaltó por sus meticulosos bordados y el uso de gasas y satenes, presentando una variada gama de colores desde el magenta hasta el azul oscuro

El evento también contó con la participación de destacadas figuras internacionales entre ellas, Albania Rosario, fundadora de Fashion Designers of Latin America (FDLA) en Nueva York, quien asistió como invitada de honor.

La segunda edición del Andes Fashion Week Chile tuvo lugar del 22 al 24 de abril en el Hotel Doubleetree by Hilton de Vitacura, reuniendo a diseñadores tanto internacionales como localesLa segunda edición del Andes Fashion Week Chile tuvo lugar del 22 al 24 de abril en el Hotel Doubleetree by Hilton de Vitacura, reuniendo a diseñadores tanto internacionales como locales

Además, Benito Fernández fue uno de los distinguidos invitados internacionales en la I Conferencia Internacional de Moda y Negocios de Chile. Este evento, organizado por Andes Fashion Week junto a la Facultad de Diseño de la Universidad del Desarrollo, se realizó los días 15 y 16 de noviembre de 2023.

Benito con Leticia Faviani (Directora del Andes Fahion Week) y Albania Rosario (presidente de Fashion Designers Latin America)Benito con Leticia Faviani (Directora del Andes Fahion Week) y Albania Rosario (presidente de Fashion Designers Latin America)

Esta conferencia formó parte de las actividades de la segunda edición de Andes Fashion Week Chile, continuando con la tradición del evento como un importante punto de encuentro para la moda y la pasarela internacional.

Met Gala 2024: cuándo y dónde ver en VIVO la alfombra roja

Fuente: Ciudad Magazine – Llega el evento más importante del mundo de la moda a celebrarse en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

El lunes 6 de mayo llega la alfombra roja más importante del mundo de la moda y E! Entertainment transmitirá en VIVO la llegada de todas las estrellas en “Live From E!: Met Gala” 2024.

¿CUÁL SERÁ LA TEMÁTICA ALFOMBRA ROJA MET GALA 2024?

La temática de la alfombra roja del Met Gala 2024 será “Sleeping Beauties: Reawakening Fashion” (Bellas durmientes: el despertar de la moda) y el dress code: Garden of time (Jardín del tiempo) por lo que se pronostican muchos estampados florales y alusiones botánicas que prometen convertir el despliegue de entrada en un enorme jardín.

¿QUIÉNES SERÁN LOS CO-ANFITRIONES DE ESTA EDICIÓN 2024?

Latinoamérica se lucirá de la mano de Bad Bunny y Jennifer Lopez como unos de los grandes anfitriones estelares, así como el actor Chris Hemsworth y la actriz Zendaya, junto a la mente maestra y líder del evento, Anna Wintour, quienes recibirán a los invitados de lujo.

¿CUÁLES SON LAS ESTRELLAS MÁS ESPERADAS?

Se esperan alrededor de 600 estrellas e invitados especiales. Sin embargo, la lista de asistentes es famosa por su hermetismo ya que los mismos se develan al momento de su llegada, nunca son revelados con anticipación. Sin embargo, se espera que Anne Hathaway, Lily Gladstone, Ayo Edebiri, Gisele Bündchen, Rihanna, Kendall Jenner, Kim Kardashian y muchas más se den cita en la alfombra roja más importante y esperada del año.

¿CÓMO DISFRUTAR DE LA ALFOMBRA ROJA E! MET GALA 2024?

Lunes 6 de mayo 2024

A partir de las 19HS (ARG).

En exclusiva sólo por E! Entertainment.

Jessica Pullo: «La moda genera residuos, consume recursos naturales, y afecta a quienes la producen y la utilizan»

Fuente: Clarín – Jessica Pullo, coordinadora de la filial argentina de Fashion Revolution, revisita cómo fueron mutando los reclamos desde que el movimiento comenzó a expandirse hace diez años. Al mismo tiempo, la diseñadora de indumentaria graduada en la UBA, con amplio conocimiento de la escena de moda sostenible local y regional, reflexiona sobre las iniciativas y los avances a este lado del globo.

Fashion revolution. Afiche de la campaña mundial.Fashion revolution. Afiche de la campaña mundial.

–Si bien la pregunta inicial fue “quién hizo mi ropa”, ¿qué puede decir en ese sentido?

–Fue un punto de partida importante para comenzar a hablar sobre las problemáticas ocultas de la industria de la moda. Sin embargo, con el tiempo, nos dimos cuenta de que era necesario ir más allá de esa pregunta; saber cómo se hace nuestra ropa y con qué materiales. Esto tiene un impacto significativo en el ambiente y en las personas que la producen y la visten. El algodón, por ejemplo, es una de las fibras textiles más utilizadas en el mundo, pero necesita una gran cantidad de agua y pesticidas. Y la producción de poliéster, otra fibra popular, requiere petróleo, un recurso no renovable. Es importante que la ciudadanía sea consciente de esto y que tome decisiones informadas sobre la ropa que compra. Podemos reparar, intercambiar o elegir prendas hechas con materiales sostenibles y de origen ético. También apoyar a marcas locales que trabajan para reducir su impacto ambiental y tener un impacto social positivo. Pero por sobre todas las cosas, debemos exigirles que sean transparentes en toda su cadena de suministro y nos garanticen que sus trabajadores, desde la fibra hasta la venta, tengan una vida digna.

–En el reverso del sobreconsumo está la sobreproducción, ¿es una alternativa la circulación de ropa o es una propuesta engañosa para seguir consumiendo?

–La circulación emerge como una alternativa al sobreconsumo y la sobreproducción en la moda. Al optar por prendas de segunda mano, se desincentiva la producción masiva. Esta práctica puede reducir la huella ambiental y social de la industria. Sin embargo, no es una solución única. Aunque evitamos la generación de nueva ropa, la demanda persiste, perpetuando la producción. La circulación debe integrarse a una estrategia más amplia que incluya la reducción del consumo de ropa nueva y la promoción de la reparación y la reutilización.

–Si lo mira en el ámbito local, ¿qué opinión tiene?

–A diferencia de otros lugares, aquí no es común desechar la ropa, sino más bien donarla o venderla de segunda mano. Esta dinámica contribuye a reducir el impacto negativo de la industria de la moda en términos ambientales y sociales. Sin embargo, la conciencia sobre los impactos de la circulación de ropa usada es clave. Al comprar vestimenta de segunda mano, es decisivo conocer su origen. En Argentina, la importación de prendas usadas del norte global, proveniente de Chile, ha aumentado, inundando mercados, ferias y tiendas. Lo que hay que saber es que, para evitar que se llene de plagas y que sea resistente al fuego, esta ropa está “sanitizada” con químicos. Se trata de sustancias nocivas, tales como pesticidas, disolventes y metales pesados, que pueden contaminar el agua y el aire, y afectar la salud. El transporte de ropa usada importada genera grandes emisiones de gases de efecto invernadero, que contribuyen al cambio climático. Se deben elegir tiendas locales y evitar importaciones masivas para respaldar la economía circular y reducir el impacto ambiental. Es esencial que esos lugares transparenten a la ciudadanía de dónde obtienen esas prendas para que sea considerada una real alternativa de moda positiva. Priorizar esas opciones es clave, ya que se apoya a la economía regional y se reduce la demanda de ropa importada.Una mujer participa en un taller de restauración de prendas textiles en la ciudad de Guadalajara, Jalisco (México). EFE/Francisco GuascoUna mujer participa en un taller de restauración de prendas textiles en la ciudad de Guadalajara, Jalisco (México). EFE/Francisco Guasco

–Respecto a lo anterior, ¿cuál es la principal problemática que causa la moda?

–La industria de la moda genera residuos, consume recursos naturales, y afecta a quienes la producen y a quienes la utilizan. Condiciones laborales precarias, bajos salarios y contribución al cambio climático son preocupaciones clave. Pero en estos últimos años, la atención en la carrera para que la temperatura del planeta no supere los 1,5 grados, se fijó en la descarbonización y eso también incluye a la moda que enfrenta una crisis crucial: su dependencia de los combustibles fósiles. Para 2030, el 75% de la ropa estará hecha de fibras derivadas de estos recursos, contribuyendo a la crisis climática. A pesar de esto, solo el 34% de las marcas importantes se han comprometido a descarbonizar sus cadenas de suministro. La falta de acciones concretas, como invertir en transición verde y apoyar a proveedores, plantea preguntas sobre su compromiso real. Si no se reducen las fibras sintéticas y no se aborda el financiamiento climático para una transición justa en toda la cadena de suministro, la moda continuará siendo una contribuyente significativa al cambio climático.