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Fuente: Clarín – Martín Churba se pone la 10, diría la jerga de la redonda para referir a la nueva trama que está protagonizando el reconocido diseñador argentino. Y esta vez, la fusión es con el fútbol y Japón, en un relato textil que imagina un encuentro cumbre entre el mejor jugador del mundo, Lionel Messi, con quien supo ser uno de los popes fashion del siglo XX, Issey Miyake.

Así nació la línea de camisetas con tipologías más acordes a la moda que a la indumentaria deportiva, hechas a partir de registros gráficos anteriores. Presentadas recientemente en el país oriental, donde además Churba llevó obras de arte y otros proyectos de trabajo colectivo con diseñadores y artistas.

Uno de estos puso foco en la reparación sustentable realizado con Guillermo Cameron Mac Lean; otro con Jessica Trosman, apuntó a la nueva vida que se le puede dar a la basura; y un tercero, con el grupo Bondi y Alejandro Sarmiento, tiene que ver con el mobiliario urbano. A los que sumó el desarrollo de los kimonos ponchos que llevó a cabo con Carla Bonifacio.

También, teatro

Justamente, este último es el que pergeñó el año pasado y al que le está dando una relectura al ensamblar las prendas tradicionales de las dos naciones. Piezas que ya fueron usadas para una performance realizada por el bailarín argentino Daniel Proietto y el japonés Mirai Moriyama en Uruguay. También en octubre hará lo propio con un vestuario para una obra de teatro en Tokio.

Lo cierto es que, con cada una de estas iniciativas, el creador recofirma la correspondencia mutua que sostiene desde hace 20 años consecutivos cuando su ropa comenzó a venderse en Japón.

Y algo más -en el reverso- es que este nuevo capítulo coincide con la mudanza de la tienda de Tramando en la calle Rodríguez Peña, que de Casa Matriz pasó a denominarse el after (en Paraná al 1100).Trabajar en equipo. “Para cada proyecto busco consenso, acuerdo. Solo no podría haber hecho todo esto”, asegura. Foto: Gentileza Martín Churba.

-Cambiás el escenario lineal de la moda y pasás al del teatro y la danza que tiene otro movimiento, además de este nuevo enlace con el fútbol, ¿cómo lo vivenciás?

-Me interesa más la permanencia de lo cultural y menos lo efímero de la moda. Lo cultural construye un ladrillo sobre otro, sin necesidad de que éste tape al anterior. En cambio, en la moda es como una especie de bloque que tiene que ser lo suficientemente grande para cubrir al anterior y así sucesivamente, una cosa megalómana que no sé a dónde va. El fast fashion no solo se ocupó de derribar el ecosistema del planeta, sino cualquier idea de construcción cultural.

-Otro escenario que también tiene permanencia es el del fútbol y la camiseta es la prenda que no pasa de moda, se usa todas las temporadas más allá de las variantes. ¿Cómo surgió esta idea?

-Cuando el año pasado volví de Japón eran justo las PASO. Venía con nuevos sueños y me encontré con la gente con el cerebro tomado por ese puente utópico de ir de una política hacia otra, pero que, a la vez, era un absurdo porque parecía que nada podía mejorar. Estaba todo enviciado. Esa manera de vivir que tenemos los argentinos en los últimos años, como si estuviéramos en una guerra interna, ideológica, llena de pozos y grietas. Entonces, hice una especie de conjuro personal de no pensar desde Argentina, me quedé a cinco centímetros del piso, sin tocarlo, metafóricamente. Consideré qué podía juntar que nos uniera en una idea de la cultura, que estuviera el poncho y el kimono en una relación de reflejos y diálogos. A eso le puse “puente cultural”. Y no era solo entre Japón y Argentina, sino también entre la moda y el fútbol, había un encuentro inédito. Había una cuestión de poder mirar a través de esa prenda tan icónica, tan símbolo de la cultura nacional del deporte. Me resultaba increíble. Es raro porque a lo sumo Yohji Yamamoto diseñó la nueva camiseta de Japón…

-Y Emporio Armani hizo la del Napoli

-Pero no deja de ser una camiseta de fútbol. Yo quería ir más allá y abandonar esos niveles de tecnicismos. Tomé el poster que había traído de (Issey) Miyake de Japón y le puse arriba el cuadro de Messi que había hecho mi hijo Alexis. Enganchó justo la silueta de Messi con el pantalón. Empecé a tener como un déjà vu. Había algo en ese juego que me transportaba a esa idea de relaciones. En poder pensar el fútbol desde la moda y poder crear un producto de moda que pueda ser futbolero. En el mundo pasa algo cada vez más fuerte con Argentina y el fútbol. Me encantaría diseñar la camiseta de la Selección.

Quise crear un puente cultural entre Japón y la Argentina, la moda y el fútbol, a través de una prenda icónica

Martín ChurbaDiseñadorCamisetas de la nueva línea del diseñador argentino, Martín Churba. Foto: Gentileza Martín Churba.

-Hasta ahora lo que se hizo de moda y fútbol fue más como homenaje, pero no sobre cómo transformar una prenda tan cara a nuestros sentimientos en una tipología de moda.

-Claro, cuando empecé a crear los textiles y me involucré con la tecnología de corte láser, me puse a jugar como si fuera alta costura. En un momento vi que las telas eran tan lindas que empecé a ponerlas en bastidores. Ahí me vino la idea de que también es un oráculo al que uno le reza y creé esos altares que son cuadros. Eso me da la posibilidad de llevarlos a una galería de arte. Me presenté para hacer una muestra el año que viene junto con la galería argentina Fubolitis, que es la que me acompaña.

-¿De dónde salieron las camisetas que usaste?

-En lugar de imprimir telas convencionales, usé las de alta calidad, pero con papeles de cuadros de fútbol, por eso aparecen marcas, sponsors distorsionados y escudos. Reutilicé insumos de viejas camisetas. De alguna manera también propongo eso, que la moda revisite lo hecho porque no se puede seguir haciendo. Fui a Japón con el video que cuenta todo esto y cuando presenté el trabajo en una de las universidades, me convocan de otra, de las afueras de Tokio, para trabajar con el equipo de fútbol. Ese diálogo fue enriquecedor. Llevar la creatividad textil al ámbito académico también fue disruptivo para mí. Me encontré con gente que no es consumidora de moda pero que usando una camiseta se volvían locos.

-¿Qué te interesó del fútbol como expresión cultural?

-Es un lenguaje universal pacifista, a pesar de que a veces los muchachos se ponen un poco agretas. Un espacio donde la humanidad puede encontrarse en un juego. Y eso en un mundo como el de hoy, que es un drama en otros aspectos, nos deja en un lugar de valor. Más allá de la pasión y la angustia, cuando juegan dos equipos, uno gana, el otro pierde y no se matan.

-En los videos donde presentás los proyectos, hablás de la reparación, del trabajo colectivo, la relación entre las culturas. ¿Creés que la moda puede ir hacia ese lado o es algo muy lejano?

-Lo veo como un proceso. En Argentina, en un momento, fue muy importante lo autoral, en ese camino que veníamos cursando de la reversión de lo que sucedía en el hemisferio norte como si quisiéramos ser un poco más europeos. Esa fue una lucha no solo de la industria de la moda, sino también en la música y otros aspectos.

Estamos viviendo un tiempo muy negativo para la confección… En este mercado, más que innovar, nos queda resistir

Martín ChurbaDiseñadorModa y deporte entre Argentina y Japón. Foto: Gentileza Martín Churba.

-Persiste todavía la idea de descolonizar lo impuesto.

-Sí, por eso, lo autoral tuvo protagonismo y una misión trascendente fue que los autores pudiéramos decir más allá de lo que decía un europeo. Trosman Churba fue pionera en no seguir la tendencia de las temporadas. Hoy lo colectivo se para por sobre lo autoral individual, habla de construir entre todos. A Japón llevé cinco proyectos porque trabajé en colaboración. Compartir tiene el beneficio de diluir el ego. Busco consenso, construcción, acuerdo. Solo no podría haber hecho todo esto. A mí no me alcanza con una marca de ropa para lo creativo. Mi idea es que funcione en un centro cultural o en disciplinas más allá de la moda como pueden ser el deporte o las bellas artes.

-A su vez, mudaste Tramando a una nueva tienda, seguramente para reacomodarse a este contexto y a la nueva vista que está teniendo la marca.

-Estamos viviendo un tiempo muy negativo para la confección. Como industria estamos entre las primeras más golpeadas. Por más que Tramando fue supuestamente para un público de alto poder adquisitivo, la realidad es que toda la vida me compraron las abogadas, las psicólogas, las arquitectas, mujeres profesionales que necesitaban construir su propia fachada. Les hacía sentido invertir en Tramando. Tenía muchas clientas laburantes. Si contamos lo que cuesta pagar las expensas y la prepaga, una vez más los creadores de valor estamos siendo tratados como meros productores de materias primas sin ningún tipo de aliento. En este mercado más que innovar nos queda resistir. Al local le pusimos el after porque es lo que queda después de la fiesta…

-Pero el after también tiene su encanto.

-Por supuesto. Es como cuando se habla de la tercera edad que ya no es más la última. Lo decimos con honor, orgullo, creatividad y sueños, es lo que nos toca porque además no sabemos qué nos depara. Si termina o en realidad lo que viene ahora es un renacimiento.

Fuente: LM Neuquén – Desde su taller en Palermo, Luz Arpajou creó una marca donde convive la estepa patagónica con lo urbano; lo simple con la perfección. Hace un año, abrió su primer local en Neuquén.

Hace exactamente un año, Luz Arpajou cumplía 36 años y también uno de sus sueños, tener un local de su marca en Neuquén, el lugar donde se crió y donde cree con firmeza que es necesario sembrar. Hay dos cosas que conviven en ella con naturalidad: la disciplina y su amor por el diseño. Ambas la llevaron a nutrirse en cada espacio que le tocó transitar, pero también a tener la determinación suficiente para elegir qué tipo de marca crear, qué moda hacer, aunque eso a veces implique un camino sinuoso. Todo eso está a la vista no sólo en su local de Roca 71, sino en cada uno de los trabajos que emprende. Y fue eso mismo, lo que hoy la está haciendo vivir una experiencia inigualable como vestuarista de María Becerra.

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Luz es neuquina, se crió en zona de chacras, en una casa donde jamás faltaron el barro, los animales y los libros. Su papá fue un artista reconocido. Su mamá es arquitecta, una intelectual de su disciplina. Siempre empujó a Luz y a sus hermanos por el camino de la creatividad. “Desde pequeña estuvo plantada en mi vida la semilla del diseño. En casa había una máquina de coser que había comprado mamá en su ideal de hacernos ropa, pero entre que somos cuatro hermanos y ella siempre estaba trabajando, nunca lo usó. Cuando yo tenía 12 años, empecé a usarla: le pedí empezar a tomar clases con una modista del barrio”, cuenta Luz con nostalgia y la cara se le ilumina como si fuese una niña. Nunca le interesó mucho el mundo de la moda, lo fashinista, a ella le gustaba hacer su propia ropa. Y así lo hizo. Probó con un pantalón, un saco, una remera. En su afán de aprender, también se hizo cercana de las mamás de sus compañeras del CPEM 29 que sabían coser.

Omar Novoa

Cuando terminó la secundaria, para su mamá era muy difícil poder mandarla a la UBA donde originalmente quería ir, así que empezó a estudiar en la Escuela de Diseño en el Hábitat, que le permitió formarse en una etapa fundamental. Hasta que finalmente logró irse a Buenos Aires, pero por una cuestión de equivalencias, estudió Diseño de Indumentaria y Textil en la Universidad de Palermo, mientras trabajaba en locales de ropa y poco a poco empezaba a incursionar en el mundo de la moda. Cuando se recibió tuvo la posibilidad de trabajar con algunos diseñadores de marcas destacadas, pero muy pronto surgió la posibilidad de irse a Europa y no lo dudó.

Durante un tiempo, vivió en Pavia, una muy pequeña ciudad italiana cercana a Milán. Ahí trabajó en una Sastrería que tenía su atelier a la vista. Un lugar sencillo, con un pequeño perchero, donde llegaban hombres y mujeres a tomarse las medidas para que les hicieran piezas únicas. “Aprendí muchísimo de la sastre. No hay nada que hacer, la sastrería es de ellos, les pertenece: tienen un gusto, una estética. Siempre me llamó la atención la buena terminación, quizá no las cosas muy complejas, porque mis prendas si algo tiene es que son piezas simples, pero me interesa que estén bien hechas”.

En 2012, volvió a casa y comenzó a darle forma su proyecto. En ese momento, Neuquén quizá no tenía tanto movimiento como ahora en torno a la moda, sin embargo Luz quería generar cosas, hacer algo con todas sus experiencias. Empezó a armar una marca con una socia, hicieron de todo: eventos, fashion films, pero unos años más tarde se fueron a Buenos Aires. Alquilaron un lugar precioso en Palermo que era estudio, pero también tienda y taller, que sostuvieron juntas hasta 2019, en que cada una eligió empezar su propio camino.

Omar Novoa

Slow Fashion, moda responsable

Desde entonces, Luz comenzó a recorrer y a reconocerse en su propia marca, desde donde elige trabajar con materiales nobles, ser respetuosa de la cadena productiva, generar prendas atemporales, sin género, sin edad, sin cuerpos hegemónicos. Luz volcó a sus diseños su propia identidad, pero también la forma de entender la moda. “La moda puede ser un lugar terrible: está la industria de las armas, la de los medicamentos y ahí nomás viene la moda, es una industria cruel, donde en muchos lugares se esclaviza a la gente. Entonces me parece importante que podamos pensar en quién nos viste, cómo se confeccionó. Yo quiero ser cuidadosa y responsable con mi trabajo, con los vínculos y alianzas que genero. Me parece fundamental cuidar la cadena productiva, trabajar con gente real de manera justa, entender que sin el tallerista, modista, sastre, los diseñadores no somos nada”, afirma.

Además del slow fashion o moda lenta, como una forma de abordar la moda sostenible, Luz pone en sus creaciones su esencia, consiguiendo piezas versátiles, donde convive lo urbano con el paisaje patagónico, la brea con la jarilla, en una paleta donde predominan los ocres, grises, el azul, el verde seco, pero también el negro y sus matices de ciudad. “No creo que mi moda sea 100% patagónica, aunque tiene mucho de eso. Soy del cemento, creo que también la ciudad es importante para el diseño, para no perder actualidad. Para mi es fundamental ir puliendo mi marca, que pueda elegirla una piba de 18 años o una señora. No hago algo nuevo cada temporada, me gusta ir resinificando las piezas, probas con otros materiales, ponerles algo más. Soy una defensora de los procesos largos, creo que ahí es donde más nos nutrimos”, dice Luz.

Cómo vestir a María Becerra para el show de su vida

Pero la apuesta de Luz no se agota en su marca. Durante la pandemia, convirtió su espacio de diseño en un coworking para resistir un momento terrible. “Siendo colectivos somos mejores y nos ayudamos”, dice ella. Y con esa certeza se vinculó a la diseñadora Josefina Minond para trabajar con un proyecto de vestuario. A Luz siempre le gustó esa parte del diseño, por años vistió a Tonolec, el dúo electro folk de Charo Bogarín, que tan bien reflejaba la búsqueda de la diseñadora neuquina: raíz y máquinas, lo autóctono y lo nuevo. Esa simbiosis la llevó a generar vestuarios increíbles, viajar con ellos, conocer de cerca la industria de la música y lo poderosa que puede ser en asociación con el diseño.

“Desde que terminé la carrera, siempre mantuve el hacer proyectos de vestuario. Ahí puedo poner mi lado más conceptual. Después de la pandemia, cuando empezó a abrirse todo y el mundo del trap empezó a estallar, se puso muy de moda el rol de la estilista. La estilista convoca al diseñador para hacer el desarrolló del look, hay un ida y vuelta, un asesoramiento. Entonces le hicimos el vestuario a Thiago PZK cuando se presentó por primera vez en el Movistar Arena; le hicimos alguna cosita a Wos: unos pantalones a Nicki, algo a Emilia, es decir, nos fuimos metiendo en la escena, muy por abajo, sin hacer mucha publicación”, explica Luz.

Y entonces llegó la oportunidad de María Becerra. La vestuarista que trabaja hace tiempo con la cantante las conocía y junto a la estilista, las convocó para hacer el vestuario de los bailarines. Eso las llevó a conocer al director de arte, Julián Levy y al productor, Sharif. “Vinieron al atelier a retirar las prendas. Los gustó lo que hicimos, eran de buena calidad, con muy buenas terminación. Hicimos un vestuario más deportivo, porque los dancers se bailan todo, las prendas no tienen que romperse. Se fueron de gira con eso. Y al tiempo llamó Julián para que encaráramos dos cambios más para los bailarines y más adelante para que hiciéramos una propuesta para Mari que tenía una gira en España”, cuenta Luz.

Después llegó la posibilidad de conocerla, de proponerle otros vestuarios hasta que en diciembre, la producción las convocó primero para hacer la ropa de todo el staff –camperas, buzo, remeras- y unos días después para que hicieran más de 500 prendas para los shows de María Becerra en River, lo que no sólo implicaba un desafío increíble por la magnitud del trabajo, sino porque también era un momento inédito en la música argentina. Habían sido convocadas por una artista que iba a hacer historia y eso implicaba hacer siete piezas para María y el cambio de vestuario de los dancers durante todo el show.

“María podría elegir diseñadores de cualquier lado, pero ella elige la industria nacional. Es una reina, una mujer súper sencilla, humilde, que te ceba mate, que te habla de igual a igual. Está re en la tierra, es re buena onda, no podemos estar más agradecida de haber trabajador para ese proyecto”, dice Luz.

La apuesta implicó un mes y medio de trabajo intenso; noches enteras sin dormir; convocar a trabajar a más de cuarenta personas entre diseñadoras, estampadoras, artistas, talleristas, sastres, modistas, joyeras, zapateras: “muchas profesionales, eso es impresionante, poder contar con un equipo de gente excelente”. Las piezas fueron trabajadas con dedicación y esfuerzo. No era solamente un vestuario, pudieron poner ahí mucho de su creatividad, darse el lujo de probar con el 3d, crear piezas escultóricas en una suerte de guiño homenaje a la diseñadora Iris Van Harpen.

Omar Novoa

Durante el show, estuvieron con el staff de María para asistirla en cada cambio. Todo era nuevo y todo salió bien. River fue una escuela, de un camino que parece sólo estar empezando.

Volver siempre a Neuquén

“Poder tener acá el primer local de mi marca para mí es un orgullo total. Que mi comunidad me reciba con cariño, que vengan a comprar mis prendas, poder vincularme otra vez con mi gente. Neuquén está creciendo. Esto era un sueño para mí, pero lo proyecté y se dio. Me la re jugué, aunque sea un local sencillo, traté de que me represente. Yo no creo en esa lógica de que lo de afuera siempre es mejor, creo que acá está todo por hacer porque es una ciudad donde la gente está contenta de que sucedan cosas, está súper receptiva y eso siempre es una oportunidad”, dice Luz.

Omar Novoa

En la simpleza de sus piezas, en lo poderoso de su propuesta, también hay algo de río, barda, chacra y sol: hay un Neuquén que subyace, porque en todos los diseños de Luz hay algo de ella y su obsesión por los detalles; de sus formas de mirar el mundo; de una niña que amaba hacer ropa; de la mujer que apuesta al trabajo argentino; de una neuquina que siempre está volviendo.

Fuente: La Nación – El diseñador acudió a sus redes sociales para explicar lo que está ocurriendo con su marca y le agradeció a sus clientas el apoyo en este complicado momento.

Luego de que en LAM aseguraran que Benito Fernández estaba atravesando un difícil momento económico que lo llevó a despedir a varios empleados y lo dejó imposibilitado de solventar las indemnizaciones de los mismos, el diseñador decidió romper el silencio y dar su versión de los hechos a través de un descargo publicado en su cuenta de Instagram.

“A través de este medio me voy a expresar. Estuve incomunicado un tiempo por un problema de salud y por consejo profesional sin acceso a mi teléfono y redes”, comenzó diciendo en el posteo, ratificando la información brindada por su jefa de prensa, Mariana Metzger, a LA NACIÓN. “En primer lugar, en nombre mío y de la marca, quiero pedirle públicamente disculpas a mi equipo de trabajo por el mal momento atravesado y agradecerle el apoyo que me ha expresado y que se ha venido renovando a lo largo del tiempo. Mi equipo es como mi familia”, añadió.

“Estamos transitando un momento económico difícil en la empresa que exige tomar decisiones, pero quiero dejar aclarado que el estado de las cosas no es lo que errónea y desacertadamente se ha difundido públicamente en las últimas horas”, quiso dejar en claro, haciendo referencia a las versiones que circularon en el día de ayer, que aseguraban que el diseñador estaba recibiendo amenazas de parte de sus empleados. “Quisiera pedirles la colaboración para evitar la difusión de noticias especulativas y tendenciosas, ya que además esto pone en cuestionamiento la credibilidad del funcionamiento de mi negocio”, remarcó.

Fernández reconoció que tuvo que hacer algunos cambios dentro de la empresa debido a esta crisis que atraviesa, y que actualmente se encuentra reestructurando todo para ajustar los gastos. “Esto incluye dejar de lado por el momento la línea prêt-à-porter y concentrarme exclusivamente en la alta costura. Por ende, quiero reiterar que mi negocio está en proceso de readecuación para poder continuar trabajando en lo que más me apasiona”.

“Quiero darle la tranquilidad a toda la gente que me elige, a los que me han apoyado y brindado su cariño siempre, de que voy a seguir trabajando con la dedicación que siempre me caracterizó. Mi compromiso es seguir creando e inspirando para que todas las mujeres que confían en mí disfruten y se enorgullezcan de sus vestidos”, quiso dejar en claro, desmintiendo su retiro. “Quiero decirles a aquellas novias, quinceañeras, madrinas y demás clientas que hoy me eligieron para sus celebraciones que estoy totalmente comprometido con estos diseños. Sé lo importante que son estos vestidos para ustedes, que son su sueño, y cumpliré con cada trabajo. Les pido que confíen en mí”, agregó.

“Por otro lado, quiero disculparme con mis hijos, Lucas y Marina, porque en un momento vulnerable mío quedaron expuestos a una situación que les resulta ajena. Hoy, ya está superado y estoy con la energía puesta en mis creaciones. Agradezco también a todos mis amigos y la gente que me quiere, que sé que siempre están ahí, en las buenas y en las malas. Y quiero expresar además mi profundo agradecimiento a mi país por las oportunidades que siempre me ha dado. Es un orgullo enorme ser uno de los abanderados del diseño textil en el país”, continuó. “Ya retomé mi agenda y estoy abocado a mi trabajo, concretando las citas de mis clientas y realizando las pruebas con ellas. Gracias por el apoyo y comprensión ¡Lo necesito más que nunca!”, finalizó el diseñador.

La publicación se llenó inmediatamente de mensajes de buenos deseos de parte de algunos colegas, como Fabián Zitta y Fabián Paz, y varios famosos que han elegido sus diseños a lo largo de los años, entre ellos María del Cerro, Mariana Fabbiani, Flor de la V y Andrea Frigerio.