Gino Bogani: cuando la Alta Costura es un arte que no pasa de moda

Fuente: La Nación ~ La retrospectiva del padre de la alta costura, en un desfile para la nostalgia y el replanteo.

La pasarela alta -tal como solía usarse antaño- iba desde el pie de las escaleras mecánicas hasta el lugar donde están las boleterías en el MALBA. Ayer el museo se convirtió por un día en la locación perfecta para un desfile de moda perfecto: el de Gino Bogani. Perfecto, además de exuberante, festivo, histórico, conmovedor.

Fue el cierre de la Semana de la Alta Costura (SAC) que organizó Elina Fernández por primera vez. Siguiendo la impronta de su marido Eduardo Costantini –coleccionista, fundador y presidente del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires-, con este evento se perfila como una potencial mecenas de la moda argentina. Las presentaciones de Evangelina Bomparola, Adrián Brown, Laurencio Adot y Bogani -en espacios tan exquisitos como el Teatro Colón o el Palacio Pereda- en esta edición inaugural tuvieron el propósito de darle visibilidad al diseño argentino de alta gama, por fuera del circuito comercial masivo.

Movimiento en la pasarela de Gino Bogani como cierre de la Semana de la Alta Costura
Movimiento en la pasarela de Gino Bogani como cierre de la Semana de la Alta CosturaJuan Salvarredy

Gino Bogani fue el broche de oro. Una retrospectiva de su trayectoria de más de 60 años como creador de prendas de lujo y a medida se convirtió en una muestra de arte. Por eso, el entorno, no podría haber sido mejor para repasar piezas representativas de cada momento histórico y entender en la curaduría cuál es el sello del artista: una identidad que no se define por colores, trazos, siluetas ni un estilo determinado, sino que absorbe vanguardias de cada época y las pone en juego en diseños –obras- que configuran una personalidad fuerte, a la vez de dinámica y diversa. La suya y la de las siluetas de las mujeres para quienes fueron creadas.

Un concepto que, además, se evidenció en el casting de “mannequins”. Convivieron modelos jóvenes actuales con aquellas, ya “maduras”, que fueron las primeras en lucir los Bogani.

Teté Coustarot en la pasarela de Gino Bogani en la Semana de la Alta Costura
Teté Coustarot en la pasarela de Gino Bogani en la Semana de la Alta Costura

Hoy por hoy muchas firmas, al buscar captar aceptación en sus públicos, adhieren a la tendencia de desprejuiciar la edad avanzada y exhiben la belleza de personas que trascendieron la juventud. El desfile con el que culminó la Semana de la Alta Costura podría haber sido, en ese sentido, una excelente estrategia de marketing acorde a la actualidad.

Sin embargo, la ostensible autenticidad descartó la posibilidad de una estrategia. Gino Bogani convocó a sus amigas y ellas acudieron encantadas. Mora Furtado, Carmen Yazalde, Mariana Arias, Nequi Galotti, Teté Coustarot y Teresita Garbesi, entre otras, fueron las estrellas de la velada. No sólo por la nostalgia que despertó volver a verlas “en su salsa” sino también porque trajeron nuevamente un modo de desfilar que ya casi no se ve -y algunos extrañamos-: más espontáneo, con movimiento de telas que hasta dan viento en las caras de los espectadores, con sonrisas enormes, sin la exagerada sobriedad que a veces se traduce erróneamente como el gesto obligado de la elegancia.

Las musas de Gino Bogani
Las musas de Gino BoganiLUCAS VALERGA

Las 179 pasadas funcionaron cual enciclopedia viviente. No solamente por los períodos históricos que invocaban las piezas, sino porque estuvieron presentes absolutamente todas las acepciones del vocabulario de la haute couture: drapeados, volados, flecos, calados, plisados, pinzas, escotes, flores, moños, estampas, cortes al bies y confecciones de una sola unión. Esto sin mencionar las variadas texturas, colores y siluetas. No quedó rincón del universo fashion por explorar en la carrera del padre de la alta costura nacional. Y estuvo todo en esta muestra.

Tras la impactante aparición de “la novia” –Juana Viale- finalizó el desfile.

Juana Viale cerró el desfile de Gino en el MALBA por la semana de la alta costura.
Juana Viale cerró el desfile de Gino en el MALBA por la semana de la alta costura.Gerardo Viercovich – LA NACION

Las modelos icónicas terminaron bailando la italianísima canción “Apri la fine” de Gigi Proietti para recibir en la pasarela a quien las hizo musas.

Durante el cóctel posterior, no se cansaban de expresar su felicidad. Contaban con alegría desde hace cuánto no desfilaban algunas e intercambiaban con generosidad recuerdos de tiempos compartidos. También, se las veía interactuar con las chicas de las nuevas generaciones -con sus estilos tan distintos- en una integración enriquecedora en ambas direcciones.

Teresita Garbesi en el desfile de Gino Bogani, en la Semana de la Alta Costura
Teresita Garbesi en el desfile de Gino Bogani, en la Semana de la Alta CosturaJuan Salvarredy

Un detalle que generó clima de época desde el inicio fue la inconfundible voz y la impecable presencia sobre el escenario de Martin Wullich. El presentador leyó unas palabras y concluyó con la idea de que no existen las tendencias para Gino Bogani. Que lo que cada mujer valore es la mejor tendencia. Y así se vio durante desfile: variedad en mujeres diversas y reales. Que no pasan de moda.

Gino Bogani y Mariana Arias en el backstage
Gino Bogani y Mariana Arias en el backstage

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani los elegidos para esta primera edición

Fuente: Perfil ~ Los icónos del diseño argentino presentaron sus colecciones en lugares emblemáticos de Buenos Aires.

La semana de la Alta Costura Argentina desembarcó con todo en la ciudad de Buenos Aires. Referentes de la industria dieron el puntapié inicial de esta edición. Adrián Brown, Evangelina Bomparola, Laurencio Adot y Gino Bogani fueron los elegidos para esta apertura que mostró lo mejor de la temporada. Elina Fernández de Costantini fue la curadora de dicho evento, quien con su experiencia y calidad de modelo supo llevar a otro nivel la moda argentina. 

“Queremos reivindicar a la alta costura con desfiles de gran despliegue, alto impacto y poner en su justo valor a la alta moda”, señaló Elina Costantini, quien es la creadora y directora de Semana de la Alta Costura Buenos Aires (SAC).

La semana de la alta costura siempre es esperada aquí y en todo el mundo.  Y en Argentina, son varios los diseñadores que marcan tendencia con vestidos de ensueño que cada vez más desafían lo imaginable.

Adrián Brown: «Una colección surreal, caótica, perenne»

Para este evento, el primero en aparecer en escena fue Adrián Brown, quien eligió el Teatro Colón como la locación para presentar su nueva colección. Fuerza, finura y autodominio es el mensaje logró transmitir el diseñador. Allí, él dejó expuesto los últimos meses de creación y trabajo obsesivo.

«El espacio impone su belleza, imparte el rigor de una casa de alta cultura. Y cuando digo rigor lo relaciono con lo sagrado; el respeto que surge al atravesar las puertas de nuestro panteón cultural, algo así como si lo hiciéramos en una basílica», describe Adrián Brown.

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Adrián Brown: «Una colección surreal, caótica, perenne»

Definir la colección en tres palabras suele ser un juego tirano que el diseñador lo toma y resuelve en el acto: surreal, caótica, perenne. Siluetas dibujadas, capas histriónicas y racimos de recursos que abrazan una idea y logran un objeto tangible.

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Adrián Brown: «Una colección surreal, caótica, perenne»

Evangelina Bomparola presentó «EN EL PARKING»

Evangelina Bomparola esta temporada buscó homenajear a sus grandes maestros de la vida. Para esta colección, la diseñadora eligió jugar con sombras, nieblas, colores neón en contraste con neutros en un Garage. Por otro lado, ella le dio gran importancia a los contrastes, por sobre todo: volumen, languidez, brillo, opacidad, entre otros. 

«Esta colección es un homenaje a mi sabia abuela y a mi querido amigo Manuel Lamarca. Grandes maestros que hoy los siento cercanos colegas», asegura Evangelina Bomparola. 

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Evangelina Bomparola presentó «EN EL PARKING»

Los colores parten del negro que se funde y confurnde con azul, fucsia, verde, oro y plata. «Presentamos también texturas únicas logradas a partir del bordado a mano sobre base de red de lurex de piezas de celulosa metalizada, oro y ónix», sostiene la diseñadora. 

Texturas bordadas a mano en piezas de sastrería, vestidos, tops, pantalones y accesorios. Siguiendo con el volumen, también da el presente en hombreras. Devolviendo a la silueta una nueva forma de poder explícito.

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Evangelina Bomparola presentó «EN EL PARKING»

Interminables hileras de volado caracol fijado con crin en los bordes marcan el vuelo y dan inmensidad a cuellos, mangas, faldas puños y vestidos.

Laurencio Adot y Thiago Pinheiro presentaron «COMEBACK»

Laurencio Adot y Thiago Pinheiro  volvieron a los desfiles de pret-couture. El duo presentó su colección COMEBACK en la embajada de Brasil, en donde se lucieron 50 vestidos de noche y novias. 

Los diseñadores aseguraron que su inspiración fueron: Los años 80s, la serie de televisión DINASTÍA, Río de Janeiro y sus fiestas en Verano, el diseñador Halston e Yves Saint Laurent y finalmente la Belle-Epoque Argentina.

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Laurencio Adot y Thiago Pinheiro presentaron «COMEBACK»

La MUSA inspiradora fue la actriz inglesa Joan Collins, con sus fabulosos vestidos de gala, sus brillantes y una fuerte tendencia de los 80s, el PODER de la MODA y las mujeres con PERSONALIDAD. 

Los colores de esta colección fueron vibrantes. Fucsia, coral, amarillo, celeste y rosa. Oro, plata y Blanco puro para las novias.

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani
Laurencio Adot y Thiago Pinheiro presentaron «COMEBACK»

Gino Bogani expuso su colección «Alma»

Para este ícono de la moda no existen tendencias, piezas y colores de temporada, cada mujer debe lucir lo que la ponga en valor, esa es la mejor tendencia. A raíz de ello, Gino Bogani eligió el museo MALBA, para exponer sus obras más icónicas junto a modelos y celebridades de nuestro país. 

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani los elegidos para esta primera edición
Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani los elegidos para esta primera edición

Esta oportunidad, Gino Bogani contó su historia de la mejor forma que lo puede hacer a través de una retrospectiva que mezclará sus modelos históricos con los actuales. 

Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani los elegidos para esta primera edición
Semana de la Alta Costura Argentina: Brown, Bomparola, Adot y Bogani los elegidos para esta primera edición

Se inspiró en la cuarentena y creó una marca que se impuso a nivel nacional

Fuente: MDZ ~ “Luá” es una marca mendocina creada por Costanza Pelegrina. En esta nota vamos a charlar con ella sobre el camino que hizo hasta convertirla en realidad.

Costanza Pelegrina es la creadora de la marca de ropa “Luá”. Luá se caracteriza por sus buzos intervenidos a mano, que son pura originalidad y autenticidad. Ella es fotógrafa y una aficionada de la pintura y la moda. En esta nota nos va a contar qué fue lo que la inspiró a crear su marca.

La marca comenzó a principios de la cuarentena. “Buscando ideas para hacer, mientras estábamos encerrados, se me ocurrió pintar ropa pero no sabía qué ni de qué manera para que no fuera convencional como todo lo que había visto. Así que empecé a
investigar sobre moda, tendencias, artistas, pinturas, desfiles, películas, etc. Empecé a sacar ideas de cualquier estímulo visual que encontraba. Compré 11 buzos blancos para probar todo tipo de técnicas, empecé a pintarlos y me sentí muy natural haciéndolo. Me dejé llevar en todos los buzos que pinte y me enamoré del primer buzo que pinte. Me demoré una semana en terminarlo y se llamó YO”, explicó Costi.

Foto: Constanza Pellegrina

Tanto su marca como sus clientes tienen una personalidad muy creativa y original. “La persona que lleve Luá no tiene que tener miedo a sobresalir con lo que lleve puesto, tiene que ser auténtico o auténtica, y obviamente, le tiene que gustar lo imperfecto. Luá se caracteriza por ser desprolijo y desproporcionado porque así soy yo y así fluye mi creatividad pero se que a muchas personas les puede incomodar”, añadió.

“Me inspira muchísimo el cine, las paletas de colores que son utilizadas y el estudio de personaje, me hace centrarme en pensar cada buzo, para que ninguno sea igual. Encuentro inspiración en casi todo lo referido al arte, naturaleza y cotidianeidad”, explicó.

“Me gustaría llegar a todo el mundo, que todos puedan tener un buzito único y sea super distintivo.También sueño con un pequeño local/taller donde pintar y poder tener los buzitos expuestos para probar y que conozcan como trabajo. También tengo algunas ideas para hacer interactuar a las personas con la ropa pero no adelanto por que creo que puede darse dentro de muy poco”.

Colección Luá. Foto: Costi Pelegrina

¿Qué diferencia tus buzos?

Creo que lo que diferencia a Luá de otras marcas es que son pintados a mano, pareciendo estampa, que jamás sale uno igual a otro y, además, trabajo talles hasta el XXXXL, siendo más inclusivo que muchas marcas que conozco que solo trabajan hasta el XL. También que son dibujos muy propios, por más de que muchas veces dibuje, por ejemplo, obras de arte siempre intento que tengan mi impronta, digamos no intento “copiar”.

¿Qué has logrado con la marca?

Definitivamente logré mucho más de lo que había esperado. Llegué a charlar con famosos como Stefi Roitman sobre mis buzos. También llegué a influencers y fotógrafos que soñaba con conocer, eran mi inspiración a la hora de hacer fotos y hoy trabajo con ellos. Y lo más importante, considero que logré que a las personas les guste y les llame la atención lo que hago.

¿Como ves la moda a corto plazo con el auge de la moda sin género?

Me parece una propuesta excelente, innovadora y muy cómoda para todos. Siempre fue muy difícil encontrar en los locales de ropa de niñas/adolescentes, por ejemplo, prendas que nos quedaran acorde al cuerpo y a lo que estaba de moda. Muchas veces me encontraba comprando ropa de hombre ya que era más holgada y más cómoda. Es muy fácil ahora comprar, ya no existe esa diferencia y toda la ropa es para todos, además encontramos mucha más variedad de talles y hace que sea más inclusivo.

¿Cuánto ayudó tu carrera de fotografía a lo que mostras en Luá?

Muchísimo, definitivamente me impulsó a hacerme conocer en las redes. Cuando vivía en Buenos Aires trabajé en producciones de fotos con personas referentes, en cuanto a música y modelaje, que me ayudaron con contenido y publicidad para la marca, haciéndome llegar a un público súper amoroso y que les encantó la propuesta de usar cuadros en la ropa.

Además, a la hora de mostrar las prendas, tengo la herramienta clave que es la fotografía.

¡Muchas gracias Costi por la buena onda!

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Nació en Uruguay y dirige un emporio de moda. Gabriela Hearst: “En Nueva York no entendían dónde quedaba mi país”

Fuente: La Nación ~ Criada en el campo y amante de la moda, es la actual directora creativa de la icónica marca Chloé.

La actual directora creativa de Chloé, además de elegantísima y comprometida con las grandes causas del mundo, es uruguaya. Bien charrúa, adoradora de sus campos y horizontes ondulados, fanática de los chivitos y enamorada de Latinoamérica. Incansable, trabajadora y obsesiva en su oficio, hace 22 años que Gabriela vive en Nueva York. Aunque su apellido es Perezutti, todos la conocen social y comercialmente con el Hearst de su marido, Austin, nieto de William Randolph Hearst, el famoso empresario periodístico americano que Orson Welles retrató en la película El Ciudadano.

Junto a su marido, Austin Hearst
Junto a su marido, Austin HearstTadeo Jones

A fines de 2020 fue elegida directora de la marca, en sustitución de Natacha Ramsay-Levi, quien llevaba cuatro años comandando el imperio. E impactó al mundo fashionista con su colección otoño-invierno en la semana de la moda neoyorquina. Ella, madre de tres (sus hijas gemelas y un varón), la chica de las cabalgatas infinitas, diseñó el look de la primera dama americana, Jill Biden. Y logró que la prensa especializada diga algo que la emociona: “El Chloé de Gabriela Hearst es más Chloé que nunca”.

–En tu debut se refirieron a tu trabajo como “una oda a los principios estéticos de la casa (recubiertos de sostenibilidad)” y mencionaron la coincidencia de tu nombre con la fundadora de la marca, Gaby Aghion.

–Bueno, me halaga que digan que nuestras visiones son muy cercanas. La idea de la feminidad, el abrazo a cierta manera de clasicismo y, actualmente, mi compromiso con la sostenibilidad. Esto es un pilar fundamental en mi manera de entender la moda.

En el cierre de uno de los desfiles de Chloé
En el cierre de uno de los desfiles de ChloéVictor VIRGILE – Gamma-Rapho

–Luego el CEO habló de tu poderosa visión de una moda más responsable, y dijo que encarnás los valores y el sentido de compromiso de las mujeres Chloé de hoy en día.

–Yo creo en la correlación de la creación, en los ingredientes. Nosotros le prestamos mucha atención a eso, desde un punto del medio ambiente. Pensamos en el impacto y todo lo decidimos desde un punto de vista de calidad, durabilidad y de cómo se siente la prenda en la piel.

–Venís de familia de campo, productores de lana. ¿Qué postales perduran en tu mente y te inspiran para esta etapa?

–Gracias a Dios conservo el campo de mi padre que es operacional y acabo de volver de estar ahí con mis hijas y mi madre. Ella tiene otras tierras que quedan a cuarenta minutos de lo mío. E hicimos algo hermoso: juntamos los 132 caballos. Cabalgamos con ella y mis hijas en zonas donde nuestra familia se instaló hace 170 años. Fue muy fuerte, realmente hermoso. Tenemos la suerte de poder seguir yendo y crear esas imágenes que seguirán siendo parte de la historia familiar.

–¿Qué saben de nosotros en tu mundo actual?

–Uruguay se está conociendo cada vez más en el mundo. Yo vivo en Nueva York hace más de dos décadas y al principio la gente no entendía muy bien dónde quedaba geográficamente mi país. Había que explicarlo. Pero hoy, por diferentes motivos y por un progreso en la apreciación de ciertas cosas, Uruguay está teniendo una posición predominante en el mundo. Tiene que ver con un punto de vista de calidad.

–Una golosina, un sabor, un objeto. ¿Qué extrañás de tu tierra?

–Muchísimas cosas. Desde un chivito (que confieso me acabo de comer en versión local) hasta una buena parrillada. Pero completa: mollejas, chorizo, con todo.

El mate, otra pasión charrúa que no abandona
El mate, otra pasión charrúa que no abandonaGentileza Gabriela Hearst – HOLA

–¿Alguna vez fantaseaste con llegar a Chloé? ¿Seguís la marca desde siempre?

–La amé toda la vida. Mi primer perfume fue Chloé. Mi primera cartera de lujo también. Realmente fue un sueño y una ilusión, algo que no me pasó de repente sino que fue una meta que busqué y luché por conseguir. En realidad luchamos. Porque hubo mucha gente a mi lado para que esto pudiera suceder. Y pensando a futuro… Me importa que mis hijos sepan que yo no estuve desde afuera mirando lo que se les entregó desde el punto de vista del medio ambiente. Me interesa que sepan que yo traté de hacer lo mejor que pude con lo que tuve, sobre todo en mi trabajo. Ese será mi legado.

Gabriela dice que sigue a la marca desde siempre: "Mi primer perfume fue Chloé"
Gabriela dice que sigue a la marca desde siempre: «Mi primer perfume fue Chloé»gentileza

–Desfiles en tiempos de guerra: lo estamos viviendo. ¿Qué pasa con la tristeza global a la hora de sugerir moda?

–Hay países colapsando en todas partes del mundo. La guerra en Siria ya tiene más de diez años. Sabemos lo que pasa en Afganistán. La guerra es una realidad muy triste en varias partes del mundo. Lo que sí puede hacer la moda es ser un vehículo para dejar un mensaje. Ese es mi método, la manera de expresarme. Mi misión en la vida y en lo profesional es la misma. Hay que poner el acento en los recursos naturales, ecológicos y en cómo nos manejamos.

–¿Creés que Sudamérica tiene salvación?

–Tiene más que salvación. Hay recursos naturales y una gente espectacular, que es en definitiva lo más importante. Es un continente increíble. Si estudiamos un poco a los próceres de Latinoamérica como Artigas, San Martín, Bolívar, Martí, entendemos que todo lo que querían era una América unida. Sabían que si eso sucedía podían ser una potencia mundial. Por eso nos han dividido. Yo creo que podemos intentar colaborar como un continente en conjunto, pienso que esa sería la manera de avanzar, juntos, en bloque.

–¿Cómo se logra trabajar una marca de lujo y ser una gran aliada del medioambiente?

–De varias maneras. Primero, siendo muy eficiente desde la producción, viendo los materiales y sabiendo quién hace el producto. La trazabilidad. Pero el problema más grande es el tema de la energía. De dónde se saca la energía para producir. Y eso no es solo un asunto de la industria en la que me manejo yo sino un problema que afecta a toda la industria. Porque el 85% de lo que se produce hoy, tal cual cómo se maneja el mundo, viene del petróleo. No podemos seguir consumiendo petróleo. Hay que poner fin a eso muy rápido. Existen muchas fuentes nuevas de energía habilitadas para el futuro próximo cercano. Y hablamos de energía limpia, eficaz, que se pueda usar para seguir moviendo el mundo.

–¿Cómo ves el universo de las mujeres en la moda?

–Yo creo que hay un cambio de conciencia colectivo. Hay una responsabilidad enorme en la humanidad para que las mujeres recuperen la voz y puedan estar en posiciones administrativas, ejecutivas, en el gobierno. Porque la mujer es un ser político que piensa en otros naturalmente. No quiero generalizar, pero suele ser así. El pensar en el otro antes que en una.

–¿Qué es el mal gusto y qué cosa jamás incorporarías en tu marca?

–A mí no me gusta poner logos en las prendas. No es algo que me guste hacer. Prefiero que el producto se identifique con sutileza. Que se aprecie por la manera en que está hecho, el bordado, los pequeños detalles, telas o calidades. Las pequeñas diferencias que te dicen: esto es una marca. Jamás podría hacer logos si no hago tendencias.

Se mudó a París y en menos de un año tuvo éxito diseñando ropa sostenible: así lo logró

Fuente: iProfesional ~ Preocupada por el hecho de que la industria de la moda es una de las más contaminantes, apostó por un nuevo enfoque en Europa y la pegó.

«Soy una mujer creativa, con la mente inquieta. Soy emprendedora, soñadora, siempre creo que las cosas se pueden cambiar para mejor e intento ir por ello. Me considero una mujer con ideales, que lucha por sus causas, que no tolera la injusticia, ni la desigualdad», así se presenta María Cecilia Visciarelli, una argentina emprendedora que diseña indumentaria «sostenible» en Paris, como otros argentinos que también eligieron el diseño como el desafío para innovar en el exterior.

Esta joven patagónica de 37 años dejó su ciudad natal, Trelew, Chubut, para estudiar. Eligió la UBA, la carrera de Diseñadora de Indumentaria y una vez recibida comenzó a dar clases en la universidad. «Me gusta transmitir, comunicar, por eso me dedico a la docencia y también me gusta crear, como modo artístico y expresivo, por eso hago prendas personalizadas», dice a iProfesional. «Soy humanamente imperfecta, pero intento siempre ser mi mejor versión».

En Argentina, trabajaba hacía cinco años en su taller, en donde daba clases de moldería, corte y confección; también realizaba prendas a pedido, pequeñas producciones/colecciones de prendas, y moldería para terceros.

«Todo esto lo había iniciado en el 2017, en mi departamento en Buenos Aires. Después, en el 2018 había podido alquilar un local, el cual sostuve hasta que llegó la pandemia. Mantuve unos meses el alquiler esperando ver si la situación cambiaba, y justo se vencía el contrato, así que finalmente decidí no renovarlo. Empecé a dar clases virtuales y volví, cuando se pudo, con la presencialidad, pero nuevamente en mi departamento», cuenta. «Creo que la pandemia fue un parate al automatismo, para todxs. A mí me hizo pensar qué quiero hacer con mi profesión, cómo quiero seguir y ahí decidí ir a estudiar a Barcelona», cuenta.

Luego de su paso por Barcelona, estuvo un tiempo recorriendo España, después fue a Portugal y hoy está en Francia

En 1 año logró triunfar en París

Cecilia se fue de Argentina hace casi un año. Empezó su viaje a fines de junio de 2021. El primer destino fue Barcelona, para estudiar moda sostenible. «Eso realmente me marcó, me hizo tener más conocimientos teóricos para seguir profundizando cada vez más en mi búsqueda personal», narra.

«Trato de llevar una vida sostenible en todo lo que puedo, siendo responsable de mis decisiones de consumo. Y en ese sentido, este viaje que estoy haciendo, me hace darme cuenta cada vez más de la importancia de ser conscientes. De realmente detenerme a pensar si es que compro algo porque realmente lo necesito o si es por ese impulso que tenemos incorporado de consumir por consumir. También soy consciente de mi alimentación: soy vegetariana hace nueve años y voy poco a poco transitando el camino hacia el veganismo», agrega.

La diseñadora cree que estamos en un momento de transición hacia un nuevo tiempo de conciencia social y ambiental. «En el cual me siento mucho más identificada por mis valores. Porque nunca encajé, porque nunca entendí ni acepté el sistema de explotación que hay en las fábricas textiles, porque viví en primera persona las desigualdades laborales por ser mujer, el abuso de poder, porque trabajé en fábricas que contrataban talleres de confección en condiciones insalubres», manifiesta.

«Para ‘eso’ había estudiado 6 años, a eso me tenía que adaptar, eso era lo que había que hacer, entrar en el sistema. Y lo intenté, pero no, no era para mí. Cuando me recibí en el 2011, empecé a dar clases en la universidad y ahí sí encontré, en la docencia, en el transmitir y comunicar, un lugar que me era propio».

Cambio de planes: cuáles fueron los siguientes pasos

Luego de su paso por Barcelona, estuvo un tiempo recorriendo España, después fue a Portugal y hoy está en Francia, país que sin pensarlo, se convirtió en el destino de esta emprendedora, como de otros tantos. «El destino en que estoy actualmente fue un poco azaroso, mi idea en principio era volver a Buenos Aires, pero cancelaron mi pasaje de regreso a la Argentina tres veces, por la situación del Covid en aquel momento. En ese entonces, me parecía una locura que no me permitieran volver a mi país, pero, por otro lado, ese hecho insólito me dio la posibilidad de decidir quedarme un tiempo acá».

Finalmente, Cecilia decidió estar en París porque viajando fue conociendo personas y una de ellas la contactó con un atelier de ropa de mujer en el cual empezó a trabajar. «Soy muy consciente de que las puertas se me abrieron rápido por tener el pasaporte europeo y por tener este contacto. Sé que no es así de fácil. He hablado con muchas personas que han emigrado y tienen muchas dificultades para tramitar sus papeles si no tienen el pasaporte europeo, que pasan situaciones muy complejas, que están ilegales».

Actualmente, Cecilia está creando pequeñas producciones de prendas bajo el concepto de la sostenibilidad

En cuanto a las barreras, el idioma fue el principal. «Yo no hablaba francés, y la realidad es que hoy hablo lo básico. Entiendo que lleva tiempo y dedicación aprender un idioma de cero».

Y sigue: «La sociedad es más bien conservadora, tanto para lo bueno y lo no tan bueno. Son muy respetuosos, mantienen la cordialidad y las buenas formas, la ciudad es ordenada, limpia, pero falta un poco de esa calidez que tenemos allá en Argentina; la cercanía, ciertos modos más afectuosos de ser con lxs otrxs».

¿Cómo es emprender en el extranjero?

Actualmente, Cecilia está emprendiendo acá como diseñadora, creando pequeñas producciones de prendas que deja en tiendas que trabajan con diseñadores independientes, bajo el concepto de la sostenibilidad. «No hago por hacer, ni busco cualquier lugar para vender. Entiendo que lo que hago es específico, que busco un público que conecte con eso, que valore el trabajo real que tiene esa prenda. Sé que lleva tiempo insertar nuevas maneras de pensar, pero no dudo que es el camino», expresa.

«La industria de la moda es la segunda más contaminante del planeta. De eso hay que hablar. De que la manera en que se viene produciendo, no va más. Y no solo eso, sino también de la manera en que nosotros como consumidores nos plantamos frente al tema. Porque si pagás una remera 3 euros, hay algo que está mal. Si avalamos eso, estamos siendo cómplices de la explotación, del trabajo esclavo, de las injusticias del sistema», sentencia.

«El fast fashion está mal, la idea de comprar ropa porque este año se usa tal color y al año siguiente ‘tenés que’ comprar otra cosa porque ya ‘no está de moda’ está mal. Crecimos dentro de un sistema que nos hizo creer en falsas necesidades. Y llegó el tiempo de cambiar de paradigma, para mí no hay vuelta atrás».

Para Cecilia, un modelo de negocio que se basa en la explotación de los recursos naturales y humanos, que se basa en el consumismo vehemente, en el usar y tirar, en lo descartable, que sostiene su funcionamiento a costa de la vida, es inadmisible. «Muchas personas dicen que lo sostenible es caro y no es así. Lo sostenible muestra cuál es el precio justo, muestra realmente cuánto vale un producto si todo el proceso productivo es realizado de la manera justa. Usando buenos materiales, pagando bien a tus empleados, siendo ético y responsable. Hay que crear conciencia sobre esto», enfatiza.

Para la joven, que además da clases de manera virtual, tanto para personas que están en Argentina, como en España y Francia, su mayor desafío «es seguir dando pasos en este camino de la sostenibilidad, ir contactando más gente que resuene con esta nueva manera de pensar y poder llegar a más personas para generar una nueva conciencia».

Para la joven, su mayor desafío «es seguir dando pasos en este camino de la sostenibilidad»

Cómo pararse ante la vida siendo argentina

«Creo que uno se va haciendo, construyendo en cuanto a las experiencias y vivencias personales», reflexiona la diseñadora. «Una de ellas es haber crecido en un país económicamente poco estable, dentro de tantas otras. Creo que lo que más importa es cómo te parás vos ante la vida. Podés haber tenido una vida con mil problemas, experiencias traumáticas y sentirte frustrado con eso y quedarte ahí, sufriendo o lamentándote. O, por el contrario, querer resignificar tu historia y salir adelante con voluntad y mucho esfuerzo. Creo que lo que más juega siempre es la cabeza».

«Lo que sí creo – sigue – es que en Argentina hay mucho espíritu emprendedor y eso puede estar más relacionado a las distintas situaciones de crisis que hemos pasado, que hace que la mente se vuelva más creativa y busque otras opciones para salir adelante».

Cecilia dice siempre ver el lado positivo de las cosas. «Pienso que la vida son experiencias que nos hacen crecer, madurar. Emigrar es un proceso complejo. Dejás muchas cosas, familia, amigxs, lugares, pero a la vez, en lo personal, creo que te encontrás más vos con vos. Con eso que te hizo mover, con eso que te hizo salir de tu zona de confort, con eso que te hace elegir y sostener la experiencia de ‘estar afuera’».

Y, si bien aún no sabe si va a quedarse en Francia, de lo que sí está segura es que va a ir «a donde sus ideales se vean representados, donde encuentre crecimiento profesional dentro de mi propósito».

Gustavo Cadile: «Mi gusto por las telas y las texturas viene en mi sangre»

Fuente: Perfil ~ Habitué de la red carpet y figura de la nueva alta costura, saltó de Junín al mundo de las celebridades a puro color y diseño.

Tranquilo, de modos amables y elegantes, Gustavo Cadile soñaba con la moda desde su Junín natal, cuando devoraba las revistas de moda que traía una amiga de su mamá de Europa o cuando Paula, su vecina, le mostraba las fotos de los lujosos trajes de Christian Dior que lucía Eva Duarte. Con la genética adquirida de un bisabuelo italiano, que fue un empresario textil con un don y sensibilidad exquisita para distinguir las texturas y las telas, fue su constancia y su garra, las que llevaron su mundo de creatividad y elegancia a otras tierras. “Fue de esa sangre milanesa que adquirí un buen ojo para detectar la calidad de las buenas telas”, asegura. Estudió en Buenos Aires con Manuel Lamarca y en el Instituto de Diseño de Miami. Trabajo para grandes almacenes de la talla de Neiman Marcus y Bergdorf, y etiquetas como las de Perry Ellis y Oleg Casinni, hasta que a pura réplica del tan destacado “sueño americano”, lanzó su propia etiqueta de alta costura con una paleta colorida que se transformó en su marca registrada. Radicado en Nueva York, y con una pata en Miami y otra, inevitablemente en su Argentina, el estilista seduce a las celebrities con modelos que enmarcan las tapas de revistas y que brillaron en las alfombras rojas de los Emmy, los Golden Globe y los Oscar. El repertorio de vestidos con etiqueta Cadile, dueño de ese estilo extemporáneo que refleja el glamour europeo con la sensibilidad argentina, cosecha entre sus siluetas las de Susana Giménez, Cristina Pérez, Taina Lauro en nuestro país, así como las internacionales de Catherine Zeta-Jones, Eva Longoria, Anjelica Hustonl, Gloria Estefan, Reese Witherspoon, January Jones, Sofia Vergara y Michelle Joy. 

Noticias: ¿Cómo fueron sus primeros pasos en la moda? ¿De dónde viene su gen de diseñador?
Gustavo Cadile:
En Junín, con mi abuela que se sentaba a mi lado con un block de hojas y lápices para que yo dibujara. Mi gen de diseñador viene de mi bisabuelo materno, Enrico Dell ‘Acqua, pionero de la industria algodonera textil de Milán, que vivía entre Milán y Buenos Aires, llegó a tener más de 200 casas matrices algodoneras en Sudamérica. Fue un personaje importante, el que fue presidente de Italia, Luigi Eunadi escribió un libro sobre él llamado “Un Príncipe mercante”. Un orgullo. Creo que mi gusto por las telas y las texturas viene en mi sangre. 

Noticias: ¿Es cierto que Evita fue parte de su inspiración?
Cadile: No ella directamente, sino un vestido de Christian Dior que llevó en una gala.
Una vecina de Junín, me mostró una foto donde Evita llevaba un vestido que me encandiló. Era un vestido de fiesta dorado con un bustier de lamé trabajado con cinturón, y con la falda plisada en degradé. Una locura. Yo era chiquito, pero ver esa obra de arte fue mi mayor inspiración. 

Noticias: ¿Quiénes o quién lo inspira ahora? 
Cadile: Me inspira todo lo que me rodea.
A veces veo una forma en algo que otro no percibe y lo llevo a una inspiración para un vestido. Mi inspiración siempre nace en las divas de Hollywood de esa era, de los cincuenta. Pero hoy en día, me gusta modernizar esa silueta con algo más actual, más pop. 

Noticias: ¿Por qué decidió irse a Miami? 
Cadile:
Fue una decisión fugaz. En realidad, quería que fuera el escalón para aterrizar en Europa. Fue difícil llegar solo sin conocer nada ni hablar el idioma, pero nunca me di por vencido, elegí Miami porque mucha gente hablaba español y podían traducirme en los trabajos o la escuela de modas cuando no entendía algo.

Noticias: ¿Le costó más por ser extranjero y latino? 
Cadile:
 Sí. En 2007, cuando lancé mi marca por primera vez, las tiendas me miraban raro, porque yo usaba mucho color, y a ellos les parecía demasiado festivo y “latino”. Tardé casi 8 años para entrar en las principales tiendas, y fue porque a las mujeres de Texas y del sur de la Florida les encantaba lo colorido.

Noticias: Tiene una anécdota sobre sus inicios muy al estilo “El Diablo viste a la moda”. 
Cadile:
Cuando llegué a Miami en los 90 no tenía plata ni hablaba inglés. Conseguí trabajo en un restaurante, una modelo que trabajaba como camarera que sabía que yo quería ser diseñador, me dijo que fuera a trabajar a Bal Harbour, donde están las mejores tiendas. Me enamoré de ese lugar, y finalmente conseguí un puesto en un área donde recibíamos todas las cajas que llegaban de Europa con las colecciones de moda. Pero al mediodía me iba a la tienda de Neiman Marcus donde estaba la alta costura y miraba todo. La manager era una mujer francesa bravísima. Un día me descubrió mirando las colecciones y me preguntó porqué estaba ahí. Le dije que quería ser diseñador y aprender todo de alta costura. Ella me empezó a hacer un cuestionario sobre las telas de los vestidos y se fue. Al día siguiente mi jefe me dijo que ya no trabajaba más con él y pensé que me habían echado. Pero no. La francesa me había pedido para trabajar con ella, para que la ayudase con los desfiles y con las mejores clientas. Atendí a mujeres que gastaban 300.000 dólares en una compra y aprendí todo de los gustos de la alta costura. Un día ella me llevó con mis dibujos al Instituto de Diseño en Miami, donde me becaron. 

Noticias: En el mundo de la moda, ¿existe la suerte?
Cadile: Más que suerte, creo que todo llega a su debido momento, y cada uno tiene que crear su propia realidad.
Costó demasiado tiempo verlo así, pero ahora es la manera en que lo trabajo.

Noticias: Dijo que en las grandes tiendas y en su paso por las marcas aprendió lo que les gusta a las mujeres. ¿Qué les gusta? 
Cadile: Aprendí que la mujer se quiere ver elegante, juvenil y lo suficientemente sexy para ser elogiada y no criticada. ¡Un mix complicado!
Trabajo con mujeres desde los veinte hasta sus abuelas de setenta, en cada una se aprende algo diferente. Siempre lo tradicional y elegante, gana.

Noticias: Se convirtió en un diseñador de celebridades. ¿Cuál fue la primera que vistió y cuál la que más le sorprendió?
Cadile: La primera celebrity que vestí fue Susana Giménez en 1998.
Ella estaba grabando sus programas en Miami y un amigo me convenció para que fuera a mostrarle lo que hacía. Me fui hasta su hotel, me acerqué y le di los vestidos a Miguel Romano, que me llevó al camarín de Susana. Ella los vio y me dijo que le encantaba uno negro de corte sirena con piedras en el corsé y me pidió que se lo llevara al día siguiente. La vestí a ella y a Mecha varias veces. Siempre le queda todo perfecto. La que más me sorprendió fue Catherine Zeta Jones, porque fue un desafío. Un día me llamó su asistente y me dijo que Catherine había visto a Eva Longoria con un vestido mío y quería que la vistiera. Le diseñé un vestido color púrpura para una gala en Nueva York solo con sus medidas. Ella llegaba desde Bermudas directo a ponerse el vestido e ir la gala sin ninguna prueba. Le quedó perfecto. La volví a vestir muchas veces; para la tapa de la revista Elle cuando la nombró Mujer del Año y para el opening de su musical de Broadway.

Noticias: ¿La más desafiante?
Cadile: Reese Witherspoon
, eligió mi vestido para usar en un comercial de una famosa crema.

Noticias: ¿A qué personalidad que no ha usado sus diseños le gustaría vestir?
Cadile: Angelina Jolie. Estuve a punto de hacerlo. Tenía una premiere en París, eligió mi vestido y le quedó perfecto. Cuando llegó a Europa, se lo probó, pero era muy escotada la espalda. Salieron a buscar un sujetador, pero no lo encontraron.  Ese es mi sueño pendiente. 

Noticias: ¿Cuál sería su firma registrada?
Cadile:
El azul royal está en cada colección, lo llamo Cadile Blue.

Noticias: ¿Sigue con su pasión “latina” por los colores?
Cadile:
Me encanta el color, sobre todo los colores satinados, porque siempre quedan bien, y te hacen brillar, solo hay que saber combinarlos con los accesorios. Ahora en esta colección incorporé el negro, que es sobrio y clásico. 

Noticias: ¿Algún pendiente?
Cadile: Lo mío son las bodas y las fiestas, pero me encantaría hacer un pret a porter
diferente y cápsulas de sastrería que es algo en lo que estoy trabajando ahora.

Noticias: ¿Cómo imagina el futuro de la moda? ¿Y el suyo?
Cadile:
Cada uno se crea su propia realidad. La mía fue que a partir de la pandemia la mayoría de mis clientas migraron de New York a Miami, y entonces se me ocurrió abrir un showroom allí. Hago una temporada en New York, otra en Miami y también vengo a la Argentina por pedidos. Me tomo la vida tranquila, haciendo lo que me gusta. Sé que a mi edad no voy a ser Alexander McQueen, pero sigo la moda de lo que me hace feliz. El futuro está en cada uno en lo que cada diseñador o marca quiere conseguir. Aún con los altibajos de esta profesión, lo más importante es sin intentar competir, hacer con pasión lo que uno ama.

Concurso internacional para diseños de moda

Fuente: El Día ~ La ciudad de La Plata será sede del primer concurso de moda en Argentina inspirado en las raíces italianas y con diseños sustentables de autor.

El concurso de alcance nacional e internacional tendrá 3 etapas: primero (4 de julio) se realizará una pre-selección de 20 proyectos, luego (22 de agosto) una segunda ronda de 10 seleccionados y la gran final que será con el desfile de moda “ Italia Moda in Festival” a realizarse el 18 de septiembre y tendrá como premio mayor un viaje a Italia.

Las inscripciones finalizan el 2 de julio. Informes e inscripciones: http://www.corredorproductivo.net/

El evento se da en el marco del desarrollo del Corredor Productivo Turístico Cultural Italia Argentina. Esta auspiciado por la Asociación Latinoamericana de Diseño (ALADI), la Confederación Panamericana de Alta Costura (CONPANAC), espacio de diseño MODELBA, la Cámara Argentina de Innovación Textil y Afines (CAITA), Comité Italianos al Exterior (COMITES) y la Municipalidad de La Plata. Se realizará en el Pasaje Dardo Rocha.

Con enfoque de un Festival de la moda, “Italia en la Piel–Moda di Autore” busca ser un puente de relaciones económicas y culturales para el desarrollo de diseño de Moda entre Italia y Argentina.

Está dirigido a diseñadores de indumentaria, accesorios, calzados y marroquinería (mayores de 18 años) y pretende fortalecer la comunidad de diseñadores de la región para internacionalizarlos, se informó.

Clara Pinto: la diseñadora argentina que se hizo pasar por cocinera para pagar las cuentas en Londres y hoy revoluciona la moda

Fuente: La Nación ~ ( @laclarapinto ) Esta diseñadora de 32 años, que nació en San Isidro, ya se codeó con gente del staff de las marcas más conocidas y eligió alejarse de la industria por considerarla un tanto efímera y frívola; ahora presentó sus diseños en la London Craft Week, con más de 250 creadores del mundo.

Clara Pinto aún se acuerda del día que lloró de felicidad, sola, tirada en la escalera de su casa en Londres. Todavía no tenía amigos en la capital inglesa a la que llegó para insertarse en el mundo de la moda hace casi siete años y en la que, tantas otras veces, había llorado de dolor.

Se le caían las lágrimas porque por primera vez, a los 25 años, conseguía que una página local publicara su trabajo, después de mandar cientos de mails y de googlear casas fashion cada vez que salía de la carnicería que vendía comida thai, donde trabajaba porque le mintió al dueño y le aseguró que era cocinera. En realidad, solo sabía preparar las recetas porque las leía a escondidas en el baño del local y porque recordaba las veces que le había hecho comida tailandesa a sus amigas en la Argentina. No le importaba el pequeño engaño. Necesitaba el dinero sí o sí para quedarse hasta que llegara ese correo que le abriera las puertas a un mercado laboral exclusivo.

Ahora que ya se codeó con gente del staff de las marcas más conocidas del mundo y que eligió alejarse de la industria por considerarla un tanto efímera y frívola, esta diseñadora de moda de 32 años, que nació en San Isidro y a la que le importa más el textil que la forma, hace mella en la moda europea.

Clara Pinto tiene 32 años y nació en San Isidro
Clara Pinto tiene 32 años y nació en San IsidroSebastián Kapfhammer

En un estilo que define “entre fashion y craft [artesanal]”, su sello son las técnicas artesanales de fabricación a mano de esos materiales que decantan en originales y coloridas prendas. Esa cosa propia y distintiva que para ella no es un talento porque no cree en eso de ser talentosa. “Para mí, el talento es trabajo”, afirma.

En su versatilidad se conjugan las risas por la anécdota de la carnicería y por la época en la que trabajó como administrativa en un taller mecánico para pagar sus estudios con la sofisticación de la única argentina que participó de la London Craft Week, una reconocida iniciativa que terminó el domingo y que desde hace ocho años reúne en mayo a más de 250 creadores, diseñadores, marcas y galerías de todo el mundo en distintas ubicaciones de Londres.

Clara Pinto dice que su “pequeño nicho” es el de los fashion-forward
Clara Pinto dice que su “pequeño nicho” es el de los fashion-forwardSebastian Kapfhammer

Pinto utiliza el agua para describir dos situaciones. Dice que su paso por el Instituto de Educación Superior en Diseño ABM, en Buenos Aires, después de abandonar la Facultad de Diseño de la UBA, fue susmaller point, su “lago pequeño”, donde pudo potenciar las técnicas de creación manual y conocer a su mentora: la artista y diseñadora Delia Cancela. En cambio Londres, adonde llegó apenas se graduó, fue en un principio un “baldazo de agua”, pese a que ahora agradece ese trance y todo lo que la ciudad le dio.

A través de una red que tendió luego de sus primeras publicaciones, llegó a trabajar de asistente en London Fashion Week, la semana de la moda que junto a la de Nueva York, Milán y París crea el circuito de las pasarelas que nuclean a diseñadores y modelos más reconocidos, a los aficionados y a la prensa.

“Trabajé un tiempo en Fashion Week y me cansé. No entendía la cultura, veía la poca importancia que le daban a la vida personal, cómo se relacionaban con sus familias. Yo, muy argentina. Fue un choque cultural. Me pasaba de trabajar hasta las 3 de la mañana, hacer la presentación de la colección y después, al otro día a todos se les borraba la memoria al otro día. Nadie sabía qué pasaba, si se vendía o no [la colección]”, asegura Pinto en diálogo con LA NACION y agrega: “Para mí es importante el trabajo que se le pone a la textura y a la materialidad. Entonces dije: ‘Chau, me voy a hacer lo mío. No quiero esto para mi vida’.

"La gente quiere vestir a la persona que es cool, pero hay que vestir a la gente que hace las cosas bien", dice Clara Pinto
«La gente quiere vestir a la persona que es cool, pero hay que vestir a la gente que hace las cosas bien», dice Clara Pinto Ezequiel Velazques

En un intento por volver al barro, al arte que su madre -que ahora vive en Hawái y es su soporte emocional- le inculcó de pequeña, y que ella estudió en cursos y museos pero decidió aplicar a la moda, viajó a buscar materiales a Islandia e hizo base en una escuela textil de mujeres. “Estuve unos meses. Recolecté lana islandesa, pelo de caballo, fui al matadero y pedí que me trajeran las colas… Me las traían llenas de carne y de sangre, y me la banqué. Aprendí un montón”, relata Pinto.

Lana y pelo de caballo de Islandia, dos materiales que utilizó Clara Pinto en sus textiles
Lana y pelo de caballo de Islandia, dos materiales que utilizó Clara Pinto en sus textiles Clara Pinto

Ya en Londres de vuelta, con todos esos materiales recolectados y sus técnicas artesanales en el centro de la escena, aplicó y quedó en Sarabande, la fundación creada por el fallecido Lee Alexander McQueen quien, además de tener su propia marca, ofició de director creativo de Givenchy. “Fue increíble, te presentan a todo el mundo, el director creativo de Dior te abre la puerta, fue un flash”, cuenta Pinto. Esa pertenencia le dio visibilidad para ser seleccionada y tener un lugar gratis en London Craft Week.

“Nada se iba a interponer entre el desfile y yo”, pensó cuando trabajó “a pulmón” con otras 15 personas que colaboraron con ella “por amor al arte y al proyecto”. Parte de la colección Bioplastics and Wool,que presentó en la casa del embajador de este país en Londres, la creó en la Argentina con la ayuda de “los Gabys”: el zapatero Gabriel González y la costurera Gabriela Sánchez.

El zapatero Gabriel González y la costurera Gabriela Sánchez trabajaron con Clara Pinto en la Argentina para crear su colección de la London Fashion Craft
El zapatero Gabriel González y la costurera Gabriela Sánchez trabajaron con Clara Pinto en la Argentina para crear su colección de la London Fashion CraftClara Pinto

“Está todo bien con vivir en otro país, pero cuando estás con el mismo idioma y te manejás igual a la hora de trabajar… Tenía que hacer lo imposible para esa presentación y se logró con ese amor de la Argentina”, reflexiona la diseñadora sobre su puesta en London Craft Week, donde la lana orgánica británica, la sastrería tradicional y los bioplásticos se conjugaron para confeccionar “formas simples y urbanas”, como tapados y puffer jackets, algo que Pinto nunca había creado.

“Quise introducir formas más simples. Antes hacía cosas bellas, pero la gente no podía comprarlas o no sabía para qué usarlas. Entonces pensé en simplificar. Me inspiré en un videojuego que tenía de chica y que me encantaba por sus colores. Pensé: ‘Estoy en un buen momento, ¿por qué no me inspiro en eso?’. Y funcionó perfecto”, dice.

Su puesta en la London Craft Week tuvo como protagonistas a la lana orgánica británica, la sastrería tradicional y los bioplásticos
Su puesta en la London Craft Week tuvo como protagonistas a la lana orgánica británica, la sastrería tradicional y los bioplásticosVicky Polack

En un contraste con el mundo de la industria, asegura que a ella sí le interesa forjar un vínculo entre los compradores y sus prendas. “Capaz hago una o dos colecciones por año, pero con tranquilidad. Todos estos materiales llevan un montón de tiempo de trabajo. Me interesa que duren las prendas y que la gente sepa la historia detrás, no que sea solo algo de moda. No seguí ningún trend en esta colección. No me copio de nadie, lo inserto en el mercado de alguna forma, pero no sigo modas”, explica.

Pinto además acota que cada ciudad tiene lo suyo y que en Londres hay mercado para los “pequeños nichos”. El suyo, cuenta, es el de los fashion-forward: “Gente de todas las edades, hombres y mujeres, porque no está pensado con género. Gente que se divierte y forma su propia personalidad a través de la vestimenta. Distinguir un cliente es muy fácil, es gente muy curiosa. Para querer tener una prenda así, tenés que relacionarte con la prenda, es gente que es un poco arriesgada”.

Clara Pinto es una artista de Sarabande, la fundación que ayuda a talentos, creada por el fallecido Lee Alexander McQueen
Clara Pinto es una artista de Sarabande, la fundación que ayuda a talentos, creada por el fallecido Lee Alexander McQueen Demian Dupuis

Ahora que todos la aplauden y tiene la atención, dice que es un momento importante para “dar luz a las cosas buenas del ser humano”. Para potenciar el trabajo en equipo y lo artesanal. Para dejar atrás lo superficial y apuntar a lo colaborativo.

Mientras, revela a quiénes le gustaría vestir en la Argentina y ya tiene a su elegida: la artista y conductora Flor de la V, además militante por la inclusión. También piensa en Moria Casán, afirma que ambas la inspiran.

“La gente no se da cuenta de lo que hizo Flor de la V, es revolucionario. La gente quiere vestir a la persona que es cool, pero hay que vestir a la gente que hace las cosas bien”.

La diseñadora argentina Clara Pinto brilla con sus creaciones en el London Craft Week

Fuente: Télam ~ Con un estilo que celebra las técnicas artesanales de fabricación a mano, logró destacarse en Londres y hoy tiene una propia marca con su nombre en la que presenta su colección en homenaje a la lana orgánica británica, la sastrería tradicional y los bioplásticos degradables.

Con un estilo que celebra las técnicas artesanales de fabricación a mano, Clara Pinto, la diseñadora argentina que logró destacarse en Londres y hoy tiene una propia marca que lleva su nombre, presenta su colección en el London Craft Week que inaugura hoy en la capital britanica rindiendo homenaje a la lana orgánica británica, la sastrería tradicional y los innovadores bioplásticos degradables.

Invitada por el London Craft Week, Pinto es la única diseñadora argentina que participa en la edición 2022. Por estos días presenta su colección en la residencia del embajador argentino en Londres, que abrió sus puertas una vez más a los artistas y emprendedores argentinos.

Este año el festival de diseño se lleva a cabo desde hoy y hasta el 15 de mayo en alrededor de 200 ubicaciones de Londres e incluye un programa de 300 eventos que exhiben el trabajo de más de 400 creadores independientes de 25 países diferentes.

Nacida en una familia de bordadores y comerciantes textiles, Pinto se introdujo desde muy temprana edad en el mundo de las lentejuelas, los abalorios y los colores. Luego se formó en diseño textil y bellas artes en Buenos Aires y trabajó durante varios años en casas de moda de lujo antes de crear su propia marca de prêt-à-porter en 2019, a la vez que se convirtió en artista residente de Sarabande, la fundación que creó el fallecido diseñador Lee Alexander McQueen para ayudar a talentos sin recursos

La diseñadora llegó hace seis años a Londres, donde presentó su trabajo a un grupo de curadores y fue seleccionada como una de las diseñadoras innovadoras del año.

Para crear esta colección que presenta en el marco del London Craft Week fusionó junto a su equipo mundos antagonistas y diseñó una exposición inspirada en los gráficos de videojuegos de bloques de colores de principios de la década de 2000 y en los procesos orgánicos que implica trabajar con lana cruda.

«La responsabilidad social también es algo en lo que yo creo, que es el no consumo. Lo que hago es hacer siempre algo extra para que la gente ame su prenda y la cuide y la use durante mucho tiempo»

Clara Pinto

«No me gusta teorizar tanto sobre la procedencia, pero está inspirada más que nada en un videojuego y también en mi progreso textil y en las lanas y los textiles de cada región. Me interesa el vestir que tiene que ver con ropas que te empoderan, te hacen sentir bien, te divierten, que son más utilizables y duraderas, no tanto la alta costura», dice en una entrevista con Télam.

«Me inspiré en la primera versión de un videojuego que se llama Spyro, el dragón, de la Play Station. Fui en búsqueda del primer juego que me remitió y me trasladó a ese espacio de fantasía, donde hay cristales, colores muy fuertes, mágicos. Me trasmite alegría», detalla.

Según la diseñadora, es la primera vez en su vida que está creando «desde un lugar de felicidad», investigando y reinterpretando las tradiciones en el uso sobre la lana con un toque artesanal y auténtico, visto desde sus ojos como «algo divertido y bello».

En su colección, Pinto incluyó abrigos y chaquetas a medida con intervenciones de lana orgánica teñida de forma natural, bioplásticos de almidón de maíz y sus característicos vestidos bordados de fieltro con colores brillantes y formas decontracturadas.

La colección abarca además una línea de joyería de perlas irregulares de agua dulce con bio-resina realizada en colaboración con la artista y diseñadora de joyas Sara Chyan.

La diseñadora resaltó el diseño de la pasarela que también se inspiró en la estética de los videojuegos de principios de la misma época, donde la escenógrafa Kamola Askarova y los ingenieros de iluminación Javier Velázquez Traut y Catalina Joy Ansaldi, crearon en la residencia del embajador argentino, un ambiente de fantasía de colores con los materiales naturales que se unen al mundo digital.

Pinto y el equipo que particip de la London Craft Week
Pinto y el equipo que participó de la London Craft Week.

«Esta es mi primera colección prêt-à-porter para insertarme en un mercado más comercial y es mi primera vez en el Festival. Yo no tenía dinero para financiarlo y me contactaron del London Craft Week para ofrecerme un lugar gratis», relata.

A partir de esa invitación, detalla cómo comenzó a escalar un sueño que se está haciendo realidad casi sin inversión. Pinto tampoco escapa a la responsabilidad social actual con el medio ambiente e intenta con mucho esfuerzo e investigación, encontrar materiales que sean sustentables y sobre todo conocer su procedencia y quienes los producen.

Pero más que nada, asegura que su responsabilidad tiene que ver con la durabilidad y el uso de sus prendas. «La responsabilidad social también es algo en lo que yo creo, que es el no consumo. Lo que hago es hacer siempre algo extra para que la gente ame su prenda y la cuide y la use durante mucho tiempo», sostiene.

En ese sentido, considera a la industria de la moda como «avasallantemente» peligrosa. «Todo el comportamiento del consumo debe cambiar para empezar. La verdad es que la gente a veces la gente no tiene dinero para un producto tan caro y eso se tiene que revertir de cómo se compra y cuánto dura», subraya.

En ese sentido, Pinto dice que está tratando de dejar de usar un plástico como el polyester, pero todavía, -se sincera- no tiene los medios para generar ese nivel de calidad sin comprometer su creatividad. «Con cada colección voy dejando cosas atrás. Antes trabajaba con residuos de plásticos, pero ahora trato de no usar algo que impacte tanto. La lana es maravillosa y degradable», resalta.

La diseñadora destaca además la residencia del embajador argentino en Londres como como «un edificio impresionante» y eso es lo que significaba «Spyro» para ella.

La pasarela también incluye un montaje de luces espectacular y la música de un diseñador español. Se trata de Pau Silez Lezcano, que ahora está en Argentina estudiando una maestría en la Universidad Tres de Febrero, quien le diseñó una pieza sonora singular.

Met Gala 2022: Verónica de la Canal es la única diseñadora argentina en el famoso evento de moda

Fuente: VíaPaís ~ Esta noche se realiza uno de los encuentros más importantes en la moda internacional y un diseño argentino hará presencia.

Este lunes 2 de mayo llega la Met Gala 2022, uno de los eventos de moda más importantes a nivel internacional. Argentina tendrá como única representante a Verónica de la Canal, quien creó un diseño especial según el dress code de este año.

Sin embargo, la argentina no será la única latinoamericana en la famosa alfombra roja de Nueva York, también participan con sus creaciones María Ponce de México y Juan Pablo Socarrás de Colombia.

Un diseño de Verónica de la Canal estará en la Met Gala 2022.
Un diseño de Verónica de la Canal estará en la Met Gala 2022.

Cómo es el diseño de Verónica de la Canal para la Met Gala 2022

El diseño producido por Verónica de la Canal fue presentado a través de un video que estuvo acompañado de la música de Kristhyan Benítez, un pianista clásico ganador del Latin Grammy 2021 como “Mejor álbum de Música Clásica”.

Un estilo musical que encajó perfectamente con el look, ya que De la Canal se basó en el estilo barroco dentro de su interpretación del tema de este año.

Cuál es el tema de este año en la Met Gala 2022

El tema elegido para que los invitados de la gala luzcan este año está basado en la consigna “En Estados Unidos: una antología de la moda”. Además, el código de vestimenta será el “Gilded Glamour” o glamour de la Edad Dorada de Estados Unidos, específicamente en Nueva York.

Billie Eilish deslumbró en la Met Gala 2021 con su vestido.
Billie Eilish deslumbró en la Met Gala 2021 con su vestido.

Cómo ver la alfombra roja de la Met Gala 2022

Como ya es costumbre, la alfombra roja puede ser vista desde Latinoamérica a través del canal E!. El evento comenzará a las 19 horas Argentina. Seguramente, el evento sea retransmitido a través de la cuenta de Youtube del mismo canal.

Megan Fox a su entrada a la "Met Gala 2021".
Megan Fox a su entrada a la «Met Gala 2021».