BAFWEEK 2021: un viaje a la pasarela más creativa y fantástica de la moda argentina

Fuente: Infobae ~ BAFWEEK 2021, el evento fashionista que marca agenda en la moda argentina

El pasado miércoles 7 de abril por la noche, la pista central de La Rural deslumbró con una puesta en escena única. Los más de 500 metros cuadrados de escenografía permitieron entrelazar la moda y la música en un extraordinario fashion show que reunió a los mejores diseñadores y marcas de todo el país. Al final, el rostro exhausto y feliz de los creadores de este evento lo decía todo: el icónico BAFWEEK se llevó a cabo contra viento y pandemia.

El Buenos Aires Fashion Week sorprendió una vez más con un único fashion show que deslumbró por una hora y media a todos los espectadores. Este año tan particular, la industria de la moda volvió a apostar a presentar colecciones a pesar de haber sido una de las industrias más golpeadas por el COVID-19, y quienes fueron además de sus prendas los protagonistas del invierno 2021, fueron Cazzu, Duki y Bhavi, tres artistas revolucionarios de la escena musical, quienes eligieron el escenario de BAFWEEK para hacer sus primeros shows de 2021.

Entre los creativos y marcas que estuvieron en el escenario de La Rural fueron Ay Not Dead, Raimondi, JT, Kosiuko, Elemental x Nous Etudions, FILA, Garcia Bello + Natura, Ginebra, ML, Daels, Mishka, Valentina Karnoubi, Anushka Elliot y Roberto Sanchez, y todos presentaron lo último en tendencias de otoño-invierno.

Como en New York, París, Milán y Londres, donde las semanas de la moda se llevaron a cabo de manera híbrida, transmitiéndose de manera online y presencial con pocos invitados, BAFWEEK, lo hizo de la misma manera. El evento se desarrolló respetando de forma estricta los protocolos y medidas sanitarias vigentes. Se planteó en tres bloques compuestos por marcas y diseñadores, y un artista musical fue el encargado del cierre de cada uno.

Los looks románticos con estampados florales también se dejaron ver en la pasarela de 2021

Los looks románticos con estampados florales también se dejaron ver en la pasarela de 2021

Ay Not Dead dio comienzo al show con una colección que reveló un antagonismo entre lo duro/elegante versus lo suave y femenino. Presentó “Birds, Beasts and Flowers”, una propuesta inspirada en el libro de poesía homónimo de D.H Lawrence. Como su título lo indica, hace referencia en semejanza a los pájaros y flores. Los modelos desfilaron al ritmo de las canciones de Charly García, amigo de la marca.

“Fue muy emocionante para nosotros hacer un show, un desfile en medio de esta situación pandémica, como con un momento de fantasía y creatividad para nosotros y para la gente. El soundtrack fue muy importante para nosotros porque fue de Charly García, pusimos varios temas de él con su aprobación por supuesto y fue como hacerle un homenaje al maestro del rock. Aunque era un evento con muchos traperos, nosotros quisimos poner nuestra semilla del rock, que tiene que ver mucho con nuestra marca”, detalló Noel Romero, diseñadora y fundadora de Ay not dead.

Fila celebró sus 110 años y se presentó por primera vez en el marco de la BAFWEEK

Fila celebró sus 110 años y se presentó por primera vez en el marco de la BAFWEEK

Luego llegó el momento de Daels, que homenajeó las tradiciones argentinas vistiendo a las modelos con materiales y atuendos típicos de la cultura gaucha y pampeana. Su colección se llamó “sincrético” y parte del concepto de la doble herencia cultural antagonista belga/argentina que define el ADN de la marca, usando esta tensión como objetivo para deconstruir, repensar y dar valor a sus raíces.

Mishka por su parte, inspiró su presentación en la revolución fashion de los años 60 y la locura de los fotógrafos por capturar las nuevas tendencias. “Significa para nosotros todo el camino recorrido, la madurez de tantos años de mucho trabajo pudiendo presentar hoy un Mishka como propuesta integral más allá de su inicio el zapato. Además estar presentando colección de indumentaria, carteras, anteojos, accesorios y todo un universo que nos representa como etiqueta aún de autor es un orgullo”, comenta a Infobae, Marcelo Cantón, fundador de Mishka.

Y agrega: “Este desfile fue muy emotivo por varias razones, el contexto de pandemia y lo difícil que es seguir adelante. A su vez la alegría de poder mostrar que hoy, 20 años después, la marca arrancamos junto al primer BAF”.

La propuesta sin género que siempre marca tendencia de Raimondi

La propuesta sin género que siempre marca tendencia de Raimondi

Luego, fue el momento de Valentina Karnoubi con una colección que festejó la pluralidad de lo femenino con prendas sutilmente románticas y, por primera vez, presentó una serie de looks masculinos. Esta fue su cuarta colección y la llamó “viaje al centro de la tierra”, impulsada por la resignificación de la belleza desde una perspectiva diversa y effortless chic.

Y el último momento del bloque fue de la mano de la diseñadora Juliana García Bello y la marca de maquillaje Natura, con una performance en pasarela para mostrar su alianza que busca resignificar el concepto de belleza. Para el cierre, el trapero Bhavi hizo su aparición con los temas más populares de su reciente disco Cinema. Él vestido por Levi’s, una marca que se destaca por acompañar la escena musical a través de los años y lo hizo para seguir al joven artista que rompe el esquema de trapero tradicional.

Bhavi hizo el cierre del primer bloque vestido por Levi's

Bhavi hizo el cierre del primer bloque vestido por Levi’s

El segundo bloque, Elemental x Nous Etudions abrió la pasarela con una coreografía en línea con los mensajes de sustentabilidad y responsabilidad ambiental de la colección.

También deslumbró -un año más- Raimondi, que mostró su colección a través de una performance artística, destacando la lógica de diversidad y alta calidad de sus prendas. Enfocado en el diseño, la producción de baja escala y el no género de sus prendas, Sebastián, su diseñador, cree que el futuro de la moda está en la diversidad, la personalidad y la calidad de sus diseños.

Lo siguió JT, que por primera vez en su historia adaptó su presentación a un evento de naturaleza colaborativa. “Realeza aumentada”, fue el nombre de su nueva temporada, una colección que nació pensada de adentro hacia fuera reflexionando en cómo se construye lo externo a partir de lo interno.

Duki, el trapero del momento fue uno de los protagonistas de la pasarela de bafweek

Duki, el trapero del momento fue uno de los protagonistas de la pasarela de bafweek

Y cerró Roberto Sanchez, que fue otra nueva incorporación del ciclo, que presentó su nueva colección Kisses from Rober de la mano de Duki. La marca creada por Andrés Baglivo. DUKI, es el referente indiscutido del trap que lleva la bandera argentina del movimiento por el mundo gracias a su importante rol en la escena Argentina. Allí interpretó algunos de sus hits como Piensa en mí y Wacha.

Ginebra inauguró el último bloque con modelos y bailarines envueltos en diseños inspirados en el cosmos. La marca de Micaela Tinelli presentó “Supernova” su colección Otoño/Invierno 2021, inspirada en un mundo onírico como una nueva forma de ver y percibir la realidad, siendo el universo: estrellas y planetas, el diseño más preponderante en nuestra colección.

Azul, negro y verde, los colores protagonistas del invierno 2021 de Mishka

Azul, negro y verde, los colores protagonistas del invierno 2021 de Mishka

Anushka Elliot presentó una colección impulsada por los viajes alrededor del mundo. “Grito Sagrado” la llamó y expresa una voz que manifiesta una Latinoamérica multicultural en donde las prendas son creadas para mujeres únicas que no se rigen por las tendencias. “Es una colección que nos invita a viajar y a la vez nos conecta con lo local y, por supuesto, con la naturaleza. Les comparto mi universo de paisajes exóticos, de mi influencia gauchesca y la belleza de lo artesanal. Creo que esta colección es una manera de transmitir el amor y la pasión en todo lo que hago”, dijo Anushka a Infobae.

“Participar en el BAFWEEK fue una gran experiencia. Una gran oportunidad para mí y mi equipo. Más en este año que se generó este show híbrido que fue muy dinámico, es un formato que suma mucho para estos tiempos que los shows necesitan algo más que una pasada. Yo generé ese movimiento con un skater donde quería mostrar esa libertad de fluir”, agregó la diseñadora.

Para celebrar su 110 aniversario FILA debutó por primera vez en el evento de moda más importante del país con su colección titulada ¨White Rock’. La icónica marca sporty marcó su debut con una colección que rememora los inicios de la marca en los 70s, con guiños al streetstyle, los avances de las tecnologías y los recursos constructivos del montañismo.

Mery del Cerro con un vestido de paillettes multicolor by Kosiuko

Mery del Cerro con un vestido de paillettes multicolor by Kosiuko

Y finalmente, el cierre de pasarela estuvo a cargo de Kosiuko. Entre colores vibrantes y prints lúdicos, la marca presentó su propuesta con un show de moda y patinaje artístico.̈ Con su colección llamada “Point Of View” donde estuvieron presentes las mejores modelos del país e it girls.

Sin dudas, todas las miradas se las llevó Cazzu, que impactó con un total look de Jazmín Chebar. En diálogo con Infobae dijeron sobre su diseño y participación: “Nuestra participación este año en BAFWEEK fue diferente, lo que hicimos fue trabajar junto a Cazzu, la gran referente del trap latinoamericano, para armar un look inédito para su show. Su look estaba compuesto por un corset, mangas y una mini confeccionada en un jacquard de flores que es único y lo que buscamos fue crear un cruce entre el universo de Jazmín Chebar y la estética urbana de Cazzu. Nos parece que fue una forma de participar distinta y que acompañaba la propuesta musical que hubo para esta edición”, detalló María Waissman, coordinadora de Imagen de Jazmin Chebar.

Cazzu con un diseño exclusivo para el show by Jazmín Chebar

Cazzu con un diseño exclusivo para el show by Jazmín Chebar

Por último, el maquillaje también jugó un papel importante en la pasarela de BAFWEEK. Verónica Mendoza, makeup artist de Natura, cuenta que los delineados siguen siendo una tendencia infalible para este otoño-invierno 2021. “No importa si decidís llevarlos en formato gráfico o aplicado solo en el párpado superior o inferior; este invierno los ojos llevan un protagonismo especial. La originalidad de estas propuestas está en presentar un delineado retro creando una mirada actual”.

Asimismo, las pieles se volvieron protagonistas absolutas, y ya no sólo importa aplicar productos para enaltecer los propios rasgos sino también protegerla de todo tipo de agentes exógenos. “En esta temporada veremos por un lado bases cubritivas y de efecto mate y por el otro pieles traslúcidas y luminosas priorizando la doble funcionalidad, proteger la piel y resaltar nuestra belleza”, detalla la maquilladora.

Otra tendencia que dominó el make up de las pasarelas esta temporada fue la diversidad de colores a la hora de plasmar las propuestas. Por un lado, se observaron como las paletas predominantes para esta época invernal se centraron en los tonos terrosos y naturales, exaltando una idea de belleza más universal y menos hegemónica. Para aquellas que disfrutan del maquillaje en tonos fuertes y metálicos también podrán hacerlo optando por acabados luminosos con texturas fluidas y sedosas.

Con concepto de comunidad e inclusión: García Bello se presentó en Bafweek

Fuente: Marie Claire ~ García Bello presentó “Encuentro”, su nueva colección en Bafweek 2021. La diseñadora oriunda de Tierra del Fuego impactó esta temporada con una propuesta inclusiva y despojada de los estereotipos sociales. 

Bajo el concepto de Upcycling (suprareciclaje), Juliana García Bello intentó rescatar aquellas prendas que estaban sin uso para deconstruirlas en sus formas y unirlas para volverlas a poner en valor con otro sentido, reimprimiendo así una nueva belleza a la idea de la indumentaria. 

García Bello presentación en Bafweek

“Para esta presentación seleccionamos un grupo de mujeres de diferentes estilos, cuerpos y rasgos porque es necesario expresar la personalidad de cada una. Creemos que la belleza radica en la diversidad. Las prendas de esta colección se adaptan a diferentes siluetas y  los conjuntos hacen hincapié en mostrar diferentes formas de vestir el cuerpo, prendas superpuestas, ajustes y transparencias”, señaló la fueguina en un mano a mano con el sitio Crónicas de moda. 

García Bello presentación en Bafweek

Juliana para esta temporada se inspiró en los límites y los bordes, además de historias propias. A lo largo de la pasarela se pudo ver como fueron apareciendo los colores oscuros, tejidos de punto y tejeduría. También algo para resaltar, es la inclusión de cuerpos que la marca incorporó. 

El objetivo para esta temporada de dicha firma es que sus prendas estén presente en el uso diario con detalles confortables y atemporales. 

García Bello presentación en Bafweek

Otro punto a tener en cuenta, es que en la pasarela del Bafweek, García Bello se sumó a Natura para experimentar la moda y tendencias desde otra perspectiva. Esta alianza buscó resignificar el concepto de belleza, despojándola de estereotipos para impulsar una belleza que realce lo auténtico de cada mujer y que promueva el fortalecimiento de la autoestima femenina para inspirar a cada mujer a encontrar su propio poder.

Jorge Rey, el niño terrible de la moda: ‘Me han dado vuelta la cara, pero yo me río’

Fuente: Clarín ~ Jorge Rey, el diseñador de 22 años al que ni una pandemia puede detener, continúa creando y creciendo en el mundo de la moda. Nació en Rufino, Santa Fe. Allí hizo su primer desfile en 2016, al cual asistieron 500 personas. Vino a estudiar a Buenos Aires y luego de un año y medio dejó la facultad para diseñar. En 2018 participó del evento Six O’Clock Tea y desde esa pasarela nunca se detuvo.

Durante la cuarentena presentó una colección cápsula desde Rufino, Futuro alado, inspirada en la pandemia y hecha con materiales diversos y accesorios representativos del aislamiento: barbijos, guantes, trajes de PVC. Vistió a Juana Viale y a Lali Espósito, y en enero lanzó su más reciente colección, Obsessionality, que también fue presentada en un fashion film en Paris Fashion Week.

A fines de marzo participó de la pasarela virtual de Argentina Fashion Week con una colección de vestidos de novia, con mucho volumen y bordados abundantes, su sello característico.
El diseñador Jorge Rey en acción, en pleno diseño. Foto: Andrés D’Elía.

El diseñador Jorge Rey en acción, en pleno diseño. Foto: Andrés D’Elía.

-¿Cuál fue tu inspiración al crear Obsessionality, una de tus últimas colecciones?

-Una de las cosas más locas es que la diseñé en noviembre de 2019. Obsessionality tiene que ver con la obsesión misma, las enfermedades. Al ver de cerca los diseños, hay pequeños virus bordados, “Covids”, como les digo yo, pero todos fueron pensados y diseñados antes de la pandemia. Para crear esta colección también me inspiré en las cartas de tarot. Muchas veces tomo conceptos para crear, que después no terminan apareciendo o no se terminan comunicando. Y creo que lo que uno no comunica, no existe. A veces elijo no contarlo porque me gusta que cada uno saque sus conclusiones sobre lo que está viendo. Pero las cartas, su estética, sus figuras están plasmadas muy sutilmente. Todo tiene un porqué. Diseño pensando en un “qué” y en un “por qué”, en qué es lo que debe decir cada prenda.

-¿Elegís expresarte a través de la moda?

-Lo que más me gusta de la moda es la capacidad de comunicar a través de ella, de mostrar algo, de hacer arte. Uno no se viste solo para abrigarse. Siempre estamos comunicando: desde el color que usamos, los zapatos que elegimos, todo expresa. Uno se comunica constantemente y también recibe del otro, e indirectamente se construye con el otro. Somos seres sociales. Por eso, para mí es muy importante ver qué es lo que quiere la persona. Esto me permite crear un diseño a medida que hable de quién es, que la represente. Eso es lo que quiere una clienta cuando me pide que la vista.

Muchas veces tomo conceptos para crear, que después no terminan apareciendo o no se terminan comunicando. Y creo que lo que uno no comunica, no existe.
Jorge Rey, diseñador de moda.

-¿Y qué busca la mujer hoy?

-Comodidad. Hoy en día se pone en juego estar cómoda, linda, sofisticada, joven y fresca. Pero lo más importante es estar cómoda, con prendas de ajuste relajados. Si te vas a vestir para una fiesta, querés brillo, estar elegante: ya no se sufre para estar linda. Si te sentís cómoda con lo que tenés puesto, te comés el mundo.

-¿Cómo es ser joven en esta industria? ¿Sentís algún prejuicio?

-Trato de ni preguntármelo, hago mi trabajo y me divierto. Sé lo que tengo que hacer, cuáles son mis responsabilidades y qué tengo que cumplir; y me manejo en base a eso. A veces no es tan fácil, han dejado de saludarme, me han dado vuelta la cara, pero yo me río. Ya fue. ¿Qué tanto?

-¿Qué es lo que más te gusta de diseñar?

-Crear. Dibujar, pensar, tener ideas. A veces creo por crear, y creo solo porque me divierte. Cuando creo, estoy insoportable, es mi tema del momento y todos lo saben. Eso pasó cuando hicimos los clips de las cápsulas de White, Caprichosa y Prólogo, algunas de mis colecciones, que de hecho ahí no terminaron. Los tres están muy pensados: “Rey es insoportable”, dicen. Pero hay cosas que no están dichas que después se van a ir develando.
Una de las creaciones del diseñador Jorge Rey.

Una de las creaciones del diseñador Jorge Rey.

-¿Y antes de diseñar que hacías?

-A los 6 años vendía bijouterie. Cuando tuve un accidente, me puse a hacer tarjetas. Las diseñaba, las imprimía y las vendía en mi pueblo. A los 13 años hice un curso de organización de eventos y viajaba hasta Buenos Aires para asistir. Después empecé a estudiar corte y confección, aunque no terminé. Pero ahí empezó todo. En ese verano, después de lastimarme, con la pierna enyesada aprendí a diseñar con Photoshop e Illustrator, mientras escuchaba el álbum de Adele a repetición.

Lo que más me gusta de diseñar es dibujar, pensar, tener ideas. A veces creo por crear, y creo solo porque me divierte. Cuando creo, estoy insoportable, es mi tema del momento y todos lo saben.
Jorge Rey, diseñador de moda.

-¿Cómo fue el accidente?

-Una noche de Año Nuevo, con trece años, fui a comprar una cañita voladora nueva. Salí corriendo a una avenida a probarla y un auto que venía a 70, me chocó. Volé 7 metros, pegué contra un árbol, estuve inconsciente y 15 días internado, pero solo me quebré la cabeza del fémur. Fue un caos, pero del caos siempre sale algo lindo, algo nuevo, del caos siempre sale la luz. El caos es el primer paso, sin eso no hay nada.

-¿Qué es lo próximo que vamos a ver tuyo?

-Una cápsula y una colección que siguen en proceso creativo. Ahora estoy trabajando con una obra de arte que me encanta, siempre me gustó mucho, es mi fuente de inspiración para mi próxima colección. No puedo contar demasiado. También estoy haciendo vestuario y algún que otro proyecto en la televisión.

-¿Y qué es lo que más te gusta hacer?

-Yo hago lo que sea: creo que es algo que me identifica como diseñador. Soy un apasionado de lo que hago y me gusta ver eso reflejado en mi trabajo, que se note que hay pasión. No me cierro a nada, me divierto. Lo que mande el universo, acá estará Rey para recibirlo. Yo después de un accidente entendí que la vida es hoy, lo que estás haciendo hoy y mañana no sabés qué pasa. Tomarme la vida así es lo que creo que me ha hecho llegar a ser quién soy y gran parte de lo que me hace ser Jorge Rey. Que la pregunta nunca sea ¿se puede hacer?, sino ¿cómo lo hacemos?
Otro diseño de Jorge Rey, el nuevo niño terrible de la moda.

Otro diseño de Jorge Rey, el nuevo niño terrible de la moda.

Se describe como alguien inquieto, que tiene que estar todo el tiempo en movimiento, siempre con ideas nuevas, pensando, soñando, planeando un nuevo proyecto.

“Lo último que puedo decir es que para mí soñar es muy importante. Hoy estoy acá porque soy muy afortunado: hay muchos jóvenes que también sueñan y yo llegué. Pero sin trabajo no hay nada, uno puede soñar pero hay que trabajar para que esos sueños se cumplan, hay que mantenerse en movimiento. Cuando miro para atrás veo todo esto con lo que yo soñaba y el Universo, Dios, Alá, I don’t know, me lo hicieron posible. Yo mismo lo hice posible.”

Entrevista a la referente de la moda sustentable en el mundo

Fuente: La Portada ~ Lucía Chain es una de las diseñadoras más vanguardistas de su generación. Usa tintes extraídos de plantas y textiles orgánicos. Cuestiona el sistema de la moda por no ser eco friendl y busca nuevas formas para comunicar de manera amable cómo es posible modificar hábitos indumentarios.

¿Cómo es hacer diseño sustentable en Argentina?

Diseñar de una manera sustentable es primero comprender el contexto en el que uno vive. No existe una definición de lo que es sustentable, se construye de acuerdo al contexto en el que crea y vende el producto. Eso significa tener bien presente nuestras raíces y entender cómo son nuestros modos de producción que difieren un montón con respecto a otros sitios, conocer quiénes pueden ser nuestros proveedores dentro del país. Es un desafío porque no hay información, entonces los diseñadores debemos investigar constantemente sobre nuestras materias primas.

¿Cuáles son tus raíces?

Me crie con mi abuela y mi mamá. Ellas me enseñaron a bordar, a tejer y a coser. Teníamos un mantel que comenzó a bordar mi abuela cuando mi mamá era chiquita, lo siguió bordando ella cuando yo era chiquitita y después lo seguí bordando yo. Y sigue la pieza incompleta, pero me parecía que era como el símbolo de esta generación tras generación de mujeres, como un legado femenino que forma lo que es el espíritu familiar en sí y que está también tan oculto y con tan poco valor a nivel mundial, o al menos antes que no se hablaba para nada de la artesanía.

Entonces, ahí empecé a indagar un montón sobre el tiempo que lleva elaborar una prenda, sobre qué procesos se pueden llevar a cabo para hacerla más artesanal y para hacerla más amigable con el ambiente. También conocer la historia de las mujeres que están detrás de la confección de estas prendas, que son personas invisibles.

¿Qué características debe tener una prenda para que sea sustentable?

Tienen que estar realizadas con materiales nobles, biodegradables, que no afecten al medio ambiente en su proceso de producción y que por supuesto no dañen la piel. Por ejemplo, el polyester hace transpirar por demás y nuestro cuerpo tiene que activar de otra manera las glándulas, algunas pelusas que largan ese tipo de telas pueden afectar la piel. Es fundamental saber cómo están hechas esas prendas, evitar los talleres que ejercen la esclavitud. Por eso brindo capacitaciones gratuitas para poder dar nuevas herramientas a aquellos que quieran producir de una manera sana, mostrarles cómo es el proceso y ver que con pocas herramientas puedan independizarse. Debemos utilizar nuestro trabajo como herramienta transformadora.

¿Qué materias primas utilizás?

Mis diseños están producidos con algodones crudos realizados en Chaco, sin agrotóxicos, en campos trabajados por cooperativas de trabajadores, cooperativas pequeñas, pero que trabajan con mucho corazón y con mucho esfuerzo para generar un textil de calidad y de origen puro y nacional. No tienen ningún tipo de proceso químico, entonces el textil es completamente crudo .Les agrego valor con pigmentos naturales que surgen de condimentos, alimentos y plantas. Y estos tintes salen de, quizá, rezagos de la producción de flores de mi papá y de campos que estén alrededor, pero también de los rezagos de la cocina, por ejemplo, de la piel de la cebolla. A la hora de producir, trabajo solamente con máquina recta para simplificar recursos, energía y para facilitar trabajo a personas que puedan disponer de esta maquinaria simple. Además produzco por pedido, entonces no genero un stock innecesario y produzco avíos (como botones) con madera recuperada. Como mis colecciones son biodegradables, cuando estas prendas terminen su ciclo de vida volverán a la tierra.

¿Cuáles son los conceptos creativos que definen tu marca?

Primero, el tema de lo natural, de cómo lo trato y cómo lo comercializo después. Lo segundo, es lo universal, que es esto de contemplar absolutamente a todos sin tener un estereotipo o un modelo de persona que pueda ser usar lo nuestro. No hay límites ni de edad, ni de género, ni de intelectualidad, ni racial, ni nada. Es para todos.

Finalmente, el tercer concepto es la rebeldía que hay detrás de la marca, una que nació imponiéndose a un montón de cosas que estaban impuestas justamente dentro del sistema de la moda. Lo que intenté yo fue ir poniendo como mi semillita y sembrando algo que inspire a otros a generar un cambio.

¿Cuáles son tus retos a futuro?

El principal es algo que me sigue pasando: tener que explicar lo que uno hace como si fuese algo extraordinario cuando en realidad tendría que ser lo común para todos los procesos productivos. Ese es el reto principal, el comunicarlo y explicarlo constantemente todo el tiempo.

En la etiqueta de uso y cuidados hay una frase que para mí es fundamental y dice: Usá mucho la prenda, cuidala con cariño y si con el tiempo se rompe, remendala. Es mi manera de decir que mis prendas no son descartables. Si en un tiempo la dejas de usar y se convierte en un trapo, la prenda es biodegradable. Eso es importante, vuelve a la tierra.

Artículo elaborado para diario La Portada por Pablo Bauman Obredor, Juliana de Oro y Cristian Larrañaga, equipo de “El Bicho Reactor”, programa radial que se emite por FM del Valle de Trevelin.

BAFWEEK 2021: quiénes serán los protagonistas de los shows exclusivos

Fuente: Marie Claire ~ BAFWEEK develó la grilla de su edición otoño inverno 2021. El 8 de abril, en la pista central de La Rural, sobre una majestuosa escenografía diseñada especialmente para la ocasión, Cazzu, Duki y Bhavi -tres de los artistas más innovadores y disruptivos de su generación- darán shows en colaboración con Jazmín Chebar, Roberto Sanchez y Levi’s respectivamente, en lo que será su primera presentación en vivo del año.

A través de performances y desfiles, Ay Not Dead, Raimondi, JT, Kosiuko, eLEMENTAL X NOUS ETUDIONS, FILA, Garcia Bello + Natura, Ginebra, ML, Daels, Mishka, Valentina Karnoubi, Anushka Elliot y Roberto Sanchez serán los encargados de presentar lo mejor de sus colecciones. A diferencia de las ediciones pasadas, esta será la primera vez en la que las marcas y diseñadores potenciarán sus fuerzas creativas en un único evento. 

BAFWEEK 2021

Una vez más, BAFWEEK marca la agenda cultural nacional con un suceso multidimensional e interdisciplinario, fusionando a los principales referentes de la moda con los mayores exponentes de la música argentina. El evento será presencial con capacidad reducida bajo el cumplimiento de los protocolos vigentes. El público podrá acceder a los tickets a través de los diseñadores y sponsors. Flow transmitirá en vivo el Fashion Show vía streaming a través del canal 605.

Sobre los músicos

CAZZU es reconocida en la industria musical como “La Jefa Del Trap”, posicionándose como uno de los exponentes más grandes de la música urbana en su país. Se ha convertido en una de las más grandes del género urbano en Argentina, abriéndose campo cada vez más en el exterior. Sus canciones pasean libremente por cualquier rama del género urbano y experimentos musicales que llevan su sello en cada una de sus obras. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente a través de distintas nominaciones a premiaciones como Premios Heat, Premios Juventud, Premios Tu Música, MTV European Music Awards, Premio Lo Nuestro y, más reciente, Spotify Awards.

BAFWEEK2021
Las canciones de Cazzu pasean libremente por cualquier rama del género urbano y experimentos musicales que llevan su sello en cada una de sus obras.

DUKI, es el referente indiscutido del trap que lleva la bandera argentina del movimiento por el mundo gracias a su importante rol en la escena del trap en Argentina. Duki fue clave para popularizar el subgénero musical del trap en Latinoamérica y Argentina, lanzando varios singles que lograron ser éxitos como “Hello Cotto”, “She Don’t Give A Fo” o “Goteo”. Es el primer artista del género en agotar localidades en el Estadio Luna Park, logrando tres nominaciones a los Premios Latin Grammys 2020 y consagrándose como uno de los 10 artistas argentinos más escuchados del mundo en Spotify. 

BAFWEEK 2021
DUKI es uno de los artistas más importante rol en la escena del trap en Argentina.

BHAVI es un joven artista belga que, con solo 23 años, se ha convertido en una de las revelaciones de la escena urbana a fuerza de canciones que combinan trap, rock, funk y van desde lo melódico y sentimental hasta lo más enérgico. Bhavi se destaca por ser un artista que rompe el esquema de trapero tradicional al no provenir de las batallas de freestyle. Sus videos han superado los 150 millones de reproducciones y más de 1.5 millones de oyentes mensuales en Spotify.

BAFWEEK 2021
BHAVI es un joven artista belga de 23 años.

Sobre las marcas/diseñadores y músicos

CAZZU x Jazmin Chebar: La reconocida firma reinterpreta el espíritu de Cazzu, la principal referente del trap latinoamericano, para su show en la edición aniversario del BAFWEEK. Estampas, colores y volados que crean un cruce entre el universo de la marca y su estética urbana.

DUKI x Roberto Sánchez: La marca creada por Andrés Baglivo quien presentará su nueva colección ¨Kisses from Rober¨, un homenaje a toda la gente que sigue a la marca hace años junto al referente indiscutido del trap, DUKI.

BHAVI x Levi’s: La marca que se destaca por acompañar la escena musical a través de los años, en esta oportunidad lo hace de la mano de BHAVI, un joven artista que rompe el esquema de trapero tradicional.

Sobre las marcas/diseñadores

AY NOT DEAD presenta ¨Birds, Beasts and Flowers ̈  una propuesta inspirada en el libro de poesía homónimo de D.H Lawrence. Como su título, la colección revela un antagonismo entre lo duro/elegante haciendo referencia a la bestia versus lo suave y femenino en semejanza a los pájaros y flores. 

RAIMONDI mostrará una performance artística, experimentando con una deconstrucción de su estética desde lo sensorial, haciendo de sus prendas una mezcla fuera de la lógica establecida y rompiendo con lo mostrado hasta el momento por la marca. Enfocado en el diseño, la producción de baja escala y el no género de sus prendas, RAIMONDI cree que el futuro de la moda está en la diversidad, la personalidad y la calidad de sus diseños.

JT, ¨realeza aumentada¨, una colección que nació pensada de adentro hacia fuera reflexionando en cómo se construye lo externo a partir de lo interno. Todo surge a partir de los elementos que formaban los vestuarios de la realeza en el 1700, de las piezas que conformaban el interior de las prendas y hacían posible las siluetas. En esta edición especial JT tendrá sus ocho reinas, cada una de ellas representada por un color de la colección y estarán acompañadas por dos guardias reales.

KOSIUKO revela su colección AW 21 titulada ̈ Point Of View ̈ con una propuesta llena de colores vibrantes y prints lúdicos deslumbrando con toda su potencia. Para esta ocasión la marca creará un show diferencial en el que mostrará los hits de la temporada.

Para celebrar su 110 aniversario FILA  debuta por primera vez en el evento de moda más importante del país con su colección titulada ¨White Rock’‘. La misma parte de los archivos de la marca, resignificando con guiños del streetstyle las tecnologías y los recursos constructivos del montañismo, donde pisó fuerte en los ‘70s cuando acompañó al atleta número 1 de esta disciplina a la cima del mundo.

NATURA realizará una performance en pasarela junto a García Bello, la diseñadora de Tierra del Fuego que consolidó su trabajo bajo el concepto de Upcicling (reciclado), rescatando aquellas prendas que estaban sin uso para deconstruirlas en sus formas y unirlas para volverlas a poner en valor con otro sentido, reimprimiendo así una nueva belleza a la idea de la indumentaria. “En Natura reconocemos que la belleza es viva, imperfecta y abrazamos la diversidad que hay en cada persona. Es por eso que quisimos hacer esta alianza con Garcia Bello, que busca resignificar el concepto de belleza, despojándola de estereotipos para impulsar una belleza que realce lo auténtico de cada mujer y que promueva el fortalecimiento de la autoestima femenina para inspirar a cada mujer a encontrar su propio poder”

GINEBRA adelanta ¨Supernova¨ su colección Otoño/Invierno 2021, inspirada en un mundo onírico como una nueva forma de ver y percibir la realidad. El ‘estilo cosmos’ se plasma en todos los rubros, siendo el universo: estrellas y planetas, el diseño más preponderante en nuestra colección. 

La colección “sincrético” de DAELS parte del concepto de la doble herencia cultural antagonista belga/argentina que define el ADN de la marca, usando esta tensión como objetivo para deconstruir, repensar y dar valor a sus raíces. Esta dualidad se logra homenajeando las tradiciones argentinas como los materiales y atuendos típicos de la cultura gaucha y pampeana, pero con un espíritu satírico, no solemne o costumbrista, urbano y juvenil que viene nada menos que de la academia de Amberes. 

Iluminada por la aurora boreal, los bosques nórdicos y la practicidad del vestir alpino, MISHKA exhibe ¨Boreal¨, una colección protagonizada por la mutación hacia lo salvaje, reinterpretándolo con delicadeza. Es la versión cosmopolita del todoterreno, cuyos disparadores estéticos admiten tanto paisajes nevados como arquitectura finlandesa, mobiliario dinamarqués o arte expresionista. 

Valentina Karnoubi en su cuarta colección titulada ¨viaje al centro de la tierra¨ impulsada por la resignificación de la belleza desde una perspectiva diversa y effortless chic. El espíritu de esta colección festeja la pluralidad de lo femenino, siendo sutilmente romántico y como siempre, soñador. La fortaleza de la marca es encontrar el equilibrio entre el maximalismo y el minimalismo, entre la estructura y el caos, entre el romanticismo y la simpleza. 

Para esta temporada Anushka Elliot presenta Grito Sagrado, una colección impulsada por los viajes de la fundadora a Afganistán, Japón, India, el norte y el sur Argentino plasmando sus culturas fusionadas para lograr un estilo ecléctico, descontracturado y atemporal.

Con una impronta ligada al mundo del música, las artes visuales, el deporte y la moda nace ROBERTO SÁNCHEZ, la marca creada por Andrés Baglivo quien presentará su nueva colección ¨Kisses from Rober¨, un homenaje a toda la gente que sigue a la marca hace años junto al referente indiscutido del trap, DUKI. Ambos, fieles a sus estilos transgresores han pisado fuerte dentro de sus métiers: Baglivo dentro de su marca rehusandose a seguir fechas y temporadas pactadas por el calendario de la moda (así creando prendas, accesorios y objetos únicos e irrepetibles). 

Invita: VISA

Auspician:  FILA, Johnnie Walker, Tanqueray y Smirnoff

Colabora: Budweiser

Maquillaje Oficial: Natura

Media Partners: Infobae y Billboard

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Milagros Pereda, la diseñadora sustentable que ganó el premio “Yo, joven creador de moda”

Fuente: TN ~ Con cada uno de sus diseños busca promover una industria más consciente, sostenible y amigable con el planeta.

Milagros Pereda se consagró como la ganadora del concurso “Yo, joven creador de moda” en el marco de Argentina Fashion Week. Con tan solo 22 años, ya perfila como una promesa de la moda consciente en nuestro país y pionera en lo que refiere a la fusión de lo artesanal con lo textil.

En diálogo con TN Estilo, la joven diseñadora se sinceró respecto de su trayectoria, las particularidades de su proceso creativo y la influencia que tuvo la pandemia en su despegue comercial. “A la hora de introducirme en esta industria, me propuse el desafío de intentar contaminar lo menos posible. La industria textil es la segunda industria más contaminante, por lo que al sumergirme en ese mundo tuve que ser más consciente de lo que iba a generar yo”, explicó.

Milagros apuesta al consumo de moda sustentable.Por: Gentileza de Milagros Pereda

También se refirió a la naturaleza de cada una de sus piezas: “Toda mi marca gira en torno a fibras naturales. Es una elección mía, me parece que hay muchísimos ángulos en cuanto a qué es lo más amigable con el medio ambiente, y yo lo elijo por su nobleza y por lo que yo puedo hacer con sus desechos: los puedo plantar o los convierto en papel”.

Y aunque dicha faceta sostenible constituya un rasgo sumamente destacable, Milagros admitió que queda mucho trabajo por hacer. “Yo hoy no soy 100% sustentable, pero es algo a lo que apunto. Es lo que va a guiar todas las decisiones que yo tome, implica cambiar un montón de actitudes y conocimientos que tenemos muy incorporados y son muy difíciles de evitar en el día a día”.

Uno de los diseños de su nueva colección.Por: Gentileza de Milagros Pereda

Su marca comenzó mientras cursaba los primeros años de la carrera Diseño de Indumentaria, con una impronta muy comercial, ready-to-wear y fácil de vender. Su incursión en el concurso fue lo que le brindó la oportunidad de desarrollar su lado más creativo y espontáneo, siempre siguiendo la misma línea vinculada al cuidado medioambiental.

Milagros trabaja con fibras naturales de origen local. “Soy mucho más del trabajo desde los textiles. Me gusta intervenirlos, jugar con ellos y una vez que tengo algo desarrollado es cuando lo vuelco en mi propio cuerpo. Como proceso creativo, es muy divertido y muy personal, ya que cada prenda está muy tocada por mí. No hay dibujos por computadora ni nada parecido. Es un juego con las manos. Ese es mi punto disparador para diseñar”, detalló.

El blanco y el negro fueron protagonistas.Por: Gentileza de Milagros Pereda

Planes a futuro

“Primero, quiero recibirme. Me queda un solo año de facultad así que esa es mi gran prioridad ahora. Me gustaría ir creciendo de a poco sin perder lo artesanal que tengo hoy por ser yo la que hago todo e intervengo en cada prenda”.

Con respecto a la pandemia y sus consecuentes efectos en su rutina cotidiana, la diseñadora mostró una visión sumamente optimista. “Los que trabajamos mucho con las manos fuimos beneficiados por la pandemia porque el encierro te hace sentarte a trabajar y a descubrir nuevas cosas. A mí personalmente, me dio mucho tiempo libre y un lugar enorme para investigar y experimentar cosas nuevas. En parte, fue lo que me llevó a este concurso, en el que probablemente no me hubiese anotado porque era en plena época de parciales”.

La línea incluye zapatos coordinados con los estilismos.Por: Gentileza de Milagros Pereda

Hace unos días, presentó su primera colección inspirada en materiales amigables con el ambiente, una propuesta que se opone a la producción en serie y hace oda al trabajo artesanal. Se trata de un mix de técnicas de estampación que usaba en la facultad, con dibujos de su autoría y materia prima como fieltro hecho a mano, terciopelo de tapicería y bioplásticos hechos de carbón y agar agar.

“Mi intención es brindar una cercanía matérica con la naturaleza y una lejanía estética de la tosquedad natural, desafiando nuestra visión de los materiales posibles para construir prendas especiales para quien las viste y que, a su vez, sean amigables con el planeta”, afirmó.

Los 4 mejores looks que Juana Viale llevó el año pasado de Gino Bogani dan indicios de cómo se vestirá hoy

Fuente: Para Ti ~ Juana Viale eligió a Gino Bogani para el debut de la nueva temporada de “La Noche de Mirtha”. Se podría decir que es uno de sus diseñadores favoritos, como también es el de su abuela. Ella compartió en redes un video en el atelier de Gino cuando estaba por probarse el look que va a llevar hoy, pero no adelantó nada de cómo será el diseño.

Gino Bogani dice que “hay que esperar para ver el look de Juana”

Volume 90%

Sin embargo, a partir del estilo de Bogani y los 4 mejores looks que ella llevó al programa, podemos tener alguna idea de cómo podía ser.

Estampas, volados y diferentes largos

Uno de los looks que más llamó la atención del año pasado fue este vestido. Así que el de esta noche podría tener estampa, diferentes largos -corte adelante y con cola detrás- y volados, como éste.

Look nupcial y bordados

A Juana le gustan los looks nupciales, muy de tendencia en la alta costura, y no es precisamente para novias que están por caminar al altar. Detalles bordados como este diseño, podría tener lo que hoy lleve puesto la nieta de Mirtha.

Gino Bogani: “Ya saben que soy medio loco”

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Transparencias y puntillas

La opción podría ser un vestido súper elegante como éste. Con algunos detalles de transparencias y puntillas.

Drapeado y hombreras

Gino Bogani sabe cómo mezclar las tendencias en sus diseños de alta costura, como en éste que tenía detalles drapeados y hombreras. El diseño que lleve Juana hoy seguramente tendrá ítems de moda que marcan la tendencia del momento.

Gino Bogani: “Ya lo verán el sábado”

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Habrá que esperar unas horas para ver la sorpresa que nos preparó esta vez Bogani.

El legado de Sofía Sarkany en la moda: carteras, zapatos y arte innovador

Fuente: Infobae ~ Los Sarkany son el nombre del zapato argentino. Sofía, de 31 años, claramente, llevó siempre en su ADN la moda y el estilo heredados de Ricky, su padre. Elegante y glamorosa, la artista y diseñadora se independizó hace varios años y creó su propia marca, con sólo 25 años.

Se especializó en la pintura y dibujo clásico en la Central Saint Martin de Londres, en donde adquirió la inspiración suficiente para sus creaciones posteriores. Desde el 2012 desarrolló cada temporada en la empresa familiar Ricky Sarkany y contaba con su propia colección de ropa, Sofía Sarkany.

Sofía siempre llevó la moda en sus genes, en una familia que se dedicó al rubro desde que nació en 1989, y sus modelos de zapatos son una revelación en el mercado.

Sofía Sarkany, reconocida artista y diseñadora, tenía 31 años

Sofía Sarkany, reconocida artista y diseñadora, tenía 31 años

Estudió dibujo en el taller de Daniela Bertol, pintura en el taller de Silvina Mansilla, dibujo de modelo vivo con Ariel Mlynarsewicz, Ernesto Pesce y Roberto Scafidi, e historia del arte en AAMNBA. También cursó dos años de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad de Palermo, donde fue asistente de cátedra de las materias Morfología y Diseño de Marcas de la profesora Victoria Bartolomei. En el año 2011, continuó perfeccionándose en la Escuela de Arte y Diseño Saint Martins de Londres, donde cursó los programas “Contemporary Art Practice”, a cargo de los artistas Gary Colclough y Kate Terry, y “Exepressive Painting”, a cargo de Ewa Gargulinska.

En 2011 expuso su arte en muestras grupales e individuales de Espacio Madero y Compania Urbana. Además, participó del concurso nacional Curriculum Cero de la Galería Ruth Benzacar, donde su obra quedó seleccionada y fue parte de la muestra colectiva durante diciembre 2011. Más tarde, en 2012, expuso en el Centro Cultural Recoleta la muestra “Sofía for Sarkany”, una instalación de arte y diseño; y durante el mismo período, expuso en la feria Arte Espacio, donde ganó una mención de la Escuela Regina Pacis, para exponer en la escuela en el 2013. En 2016 abrió su propio local de la firma Sofía en el Shopping Paseo Alcorta.

En 1950, sus abuelos paternos Esteban y Catalina llegaron a la Argentina sin saber una palabra de español, escapando del comunismo ruso que había entrado a Hungría. Su abuelo, después de la Segunda Guerra Mundial, se dedicó a ser escultor y actor, era un artista. Su papá y su abuelo se dedicaban a la fabricación de calzado, pero él no había trabajado nunca en el sector. Llegar a un país nuevo lo obligó a dedicarse a la confección de calzados. El abuelo de Sofía, Esteban, abrió su primera fábrica de calzados en la Argentina. El legado lo continuó Ricky y años más adelante, la talentosa diseñadora.

Uno de los locales de Sofía Sarkany, "una marca de indumentaria y calzado femenino inspirada en el lujo y lo original" (Instagram: @sofia.sarkany)

Uno de los locales de Sofía Sarkany, “una marca de indumentaria y calzado femenino inspirada en el lujo y lo original” (Instagram: @sofia.sarkany)

En 2017 llegó con una nueva tienda a Barcelona gracias a un proyecto ideado junto con Antonela Roccuzzo, la primera dama del fútbol por ser la esposa de Lionel Messi, y Sofía Balbi, la pareja del futbolista Luis Suárez. En una alianza increíble, inauguraron el primer local de la prestigiosa marca de calzado en una de las capitales del diseño de Europa.

Plataformas, sandalias, flats, sneakers, carteras, accesorios, impresionantes creaciones de Sofía forman parte de la tienda emplazada en la famosa Avenida Diagonal, una de las zonas comerciales más exclusivas que enloqueció a las clientas españolas.

Los modelos de Ricky y Sofía tuvieron una gran aceptación y ya son requeridos en Mallorca y París. “Introdujimos una pieza clásica del ADN argentino como son las plataformas altas. Les encanta tanto al círculo de Antonela y Sofía como a las it girls e influencers”, detalló Ricky en su momento.

Los diseños de Sofía Sarkany causaron furor en Europa al ser elegidos por Antonella Roccuzzo y Sofía Balbi para desembarcar en España (EFE)

Los diseños de Sofía Sarkany causaron furor en Europa al ser elegidos por Antonella Roccuzzo y Sofía Balbi para desembarcar en España (EFE)

“A diferencia de muchos de mis amigos, cuando éramos chiquitos yo tenía mis cuadernos de Winnie Pooh y de Hello Kitty dibujados con conjuntos de ropa, sombreros, carteras, zapatos, en vez de casitas, árboles y soles”, compartió en una entrevista brindada a Jóvenes Líderes TV, y continuó: “Ya cuando fui adolescente dije ‘es obvio que voy a estudiar la carrera de Diseño e Indumentaria, por un lado por esta pasión que venía de la herencia familiar y por otro lado porque tenía 17 años, mujer, fanática de la moda, todo encajaba perfecto”.

“Así fue como en diciembre del 2007 terminé el colegio, cumplí 18 años, me anoté en la carrera y dije a principios del año que viene empiezo a trabajar en la empresa de mi familia. Sonaba todo bárbaro”, narró. Así hizo su camino en el mundo académico, estudió diseño gráfico, historia del arte, fotografía, maquillaje artístico y sobre todo el dibujo y la pintura. “Haciendo estas actividades me volví a apasionar, volví a tener confianza y seguridad en mí y dije que haga lo que haga en el futuro, no me voy a separar del arte, prometí no separarme”, reflexionó.Sofía Sarkany cuenta cómo desarrolló su propia marca (Jóvenes Líderes TV)

Un referente en el arte que inspiró a Sofía es el artista argentino de bellas artes Eugenio Cuttica, de quien destaca su máxima: “El arte es una actitud, y esa actitud cura”.

De esta forma comenzó a trabajar en construir su propio nombre. Luego de pasar por reconocidos talleres de pintura y estudiar Historia del Arte en la Asociación del Museo Nacional de Bellas Artes, se fue a Londres para seguir capacitándose.

De regreso en Buenos Aires, Sofía empezó a trabajar en la firma Sarkany y fue allí cuando surgió la idea de unir sus dos pasiones: zapatos y arte.Sofía Sarkany presenta su colección en Rosario, 2013

En busca de armar una propuesta con identidad propia, la joven a sus 22 años creó una línea inspirada en sus cuadros y en sus estudios de arte. Así fue como, en medio de una muestra con obras de su autoría, la artista lanzó Sofía para Sarkany.

Tonos neón, maxi plataformas, manchas de colores realizadas artesanalmente en gabardinas, rasos, cueros, telas estampadas y gamuzones son algunas de las tantas propuestas que se pueden ver en la línea de la firma.

Un referente en el arte que inspiró a Sofía es el artista argentino de bellas artes Eugenio Cuttica (Instagram)

Un referente en el arte que inspiró a Sofía es el artista argentino de bellas artes Eugenio Cuttica (Instagram)

Consultada por Infobae al momento del lanzamiento en 2012, contó cómo surgió la idea de crear su línea de zapatos: “empecé a trabajar en la empresa (Sarkany), la verdad que me encanta, aprendí un montón. Pero era como que tenía dos vidas paralelas. Y pensé: ‘Quiero hacer de lo que hago algo más fuerte y lo quiero unir porque creo que va a estar bueno’. Fui, se lo dije (a Ricky, su padre) y obvio que sus consejos y opiniones me las dio pero siempre me dejó con la libertad de hacer lo que yo quería, lo que yo quiero. También lo que hago, lo hago basado en las decisiones que tomo por la educación que me dio él.

En relación a qué fue lo más difícil a la hora de crear su línea, reflexionó: ” Lo más difícil es el tema de la producción de zapatos, todo lo que tiene que ver con moda, ropa, talleres y toda la parte tercerizada, era de lo que siempre me quejaba. Y decía: “¡Ay no! ¡Qué fácil es estar en mi taller con mi lienzo y mis oleos yo sola!” En vez de llamar al de la tela, al de los tacos, y a no sé quién… hablás con mucha gente. Pero la verdad me llevé bien con todos y estuvo bueno, pero es cansador”.

El local de la marca se encuentra en el Alcorta Shopping (Instagram: @sofia.sarkany)

El local de la marca se encuentra en el Alcorta Shopping (Instagram: @sofia.sarkany)

Los diseñadores que siempre la inspiraron y están reflejados en su legado son Alexander Wang, Diane Von Furstenberg, Alexander McQueen, entre otros. “La mujer argentina para mí es re moderna y nosotras, las chicas de mi edad, mis primas, mis amigas, mis hermanas, nos gusta mucho fijarnos en lo que se usa afuera y en cómo se viste la gente acá. La moda es algo que va cambiando todo el tiempo, es más una cosa de encontrar un estilo que creo que es lo que yo hice ahora, un estilo para gente con personalidad, algo original, innovador”, opinaba sobre la moda.

Y en particular en la Argentina afirmaba: “Hay mucho hambre de diseño y de arte. Está buenísimo y la realidad es que últimamente hay muchas más posibilidades para desarrollarse, para trabajar y capacitarse en eso. El año pasado estuve estudiando en Londres, volví acá y dije: “No tenemos nada que envidiar”. Vi cosas igual de increíbles y hasta mucho mejores también”.

Sofía siempre trabajó cada producto especialmente generando valor en la tipología y calidad. Estos se destacan por la elección de materiales como cuero, lino, algodones, combinados con procesos de bordados, apliques y estampas (Instagram: @sofia.sarkany)

Sofía siempre trabajó cada producto especialmente generando valor en la tipología y calidad. Estos se destacan por la elección de materiales como cuero, lino, algodones, combinados con procesos de bordados, apliques y estampas (Instagram: @sofia.sarkany)

La artista brillaba con la marca Sofía Sarkany, definida en su sitio web como “una marca de indumentaria y calzado femenino inspirada en el lujo y lo original, creada para una mujer única, fresca y sensual. Reinventamos el concepto de ‘lujo’ convirtiéndolo en una actitud canchera y relajada”.

“Estamos en cambio constante, todo tiene movimiento, se renueva y crea su ritmo. Somos testigos de la tendencia mundial pero la llevamos más allá en diseños y estampas diferenciadas, creando nuestra identidad singular”, señaló Sofía, al mismo tiempo que añadió: “Los diseños no buscan uniformar desde las propuestas de la moda, sino generar opciones para que cada mujer manifieste su forma de ser. Dentro de la unidad de las colecciones, trabajamos cada producto especialmente generando valor en la tipología y calidad. Estos se destacan por la elección de materiales como cuero, lino, algodones, combinados con procesos de bordados, apliques y estampas. Eso somos, lo hacemos con espero, dedicación y pasión”.

Amistad, telas, trabajo y rock & roll: la fórmula creativa de Trosman y Churba

Fuente: La Nación ~ La pareja de amigos vuelve a unirse en un proyecto de creación textil que llegará a “vestir” los espacios comunes del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde ambos realizaron en 2001 un desfile en homenaje a Kenneth Kemble

Se conocieron un sábado; se asociaron dos días después. “Fue amor a primera vista”, asegura Jessica Trosman al recordar aquel fin de semana de 1997 en que una amiga le presentó a Martín Churba. Ese mismo año la pareja de amigos lanzaba la marca de indumentaria que unió sus apellidos, y pronto representó a la Argentina en la Semana de la Alta Costura en Roma.

Aquellas telas con múltiples pliegues que desfilaron por la Piazza del Popolo inspiran ahora piezas concebidas como arte: liberadas de su función original, que dependía de un cuerpo, adoptaron nuevos volúmenes y escalas. Y en los próximos meses llegarán a “vestir” los espacios comunes del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde realizaron en 2001 un desfile en homenaje a Kenneth Kemble.

Una de las creaciones textiles de Jessica Trosman y Martín Churba
Una de las creaciones textiles de Jessica Trosman y Martín ChurbaGentileza Jessica Trosman y Martín Churba

Algo de las obras informalistas realizadas con trapos por este último a mediados del siglo pasado, al igual que las célebres esculturas blandas de Marta Minujín, revive en estas formas que se arropan sobre sí mismas o desbordan el marco y se lanzan a ocupar el espacio. Las arrugas evocan una textura similar a la de la lechuga, nombre que identificó la primera técnica creada por ambos hace casi un cuarto de siglo.

"Nos estamos poniendo en los zapatos y en los cascos de los obreros textiles, denunciando esto que nos hace la sociedad un poco a todos: nos va aplastando, no nos ayuda a volar", dice Churba
“Nos estamos poniendo en los zapatos y en los cascos de los obreros textiles, denunciando esto que nos hace la sociedad un poco a todos: nos va aplastando, no nos ayuda a volar”, dice ChurbaGentileza Jessica Trosman/Martín Churba

“Con estas prendas estampadas contra el piso denunciamos lo que nos hace la sociedad un poco a todos: nos va aplastando, no nos ayuda a volar”, dice Churba, autodefinido como un “materialista” y dispuesto a jugar con la ambigüedad de la palabra. “Amamos la materia -explica-: de ahí salen nuestras formas. Somos materialistas en el sentido de que fuimos formados en los ’90 con el desafío de hacer de la creatividad un negocio, y desarrollamos una disciplina para materializar proyectos”.

Claro que no siempre lo hicieron juntos. En 2003 decidieron emprender caminos separados en el mundo de la moda -ella con marcas que llevaron su nombre, él con Tramando y colaboraciones con artistas-, aunque aseguran que la admiración mutua nunca decayó.

Esta nueva etapa nació en cuarentena, cuando los creadores textiles retomaron el proceso creativo donde lo había dejado. Con ropa de trabajo rescatada de un taller abandonado crearon la colección cápsula Jaramillo -con Bob Honors, director creativo de Tramando-, y luego llevaron elupcycling más lejos: hasta las obras que acaban de presentar en un open studio. Una “revisita” a su pasado para ponerlo en valor que puede seguirse en Instagram (@jessicatrosmanymartinchurba). “Pienso en nosotros como rockeros que volvieron a juntarse”, dice él. Y ella promete: “No lo largo más”.

Tejido, un oficio ancestral que exige mecanismos modernos de comercialización

Fuente: Página12 ~ Catamarca posee una fuerte tradición textil que se remonta a las culturas prehispánicas. Durante siglos se han ido transmitiendo técnicas de hilado y de producción de lana de vicuñas y llamas que sostienen hasta nuestros días una relación estrecha y de cuidado con el ambiente natural.

Actualmente la provincia cuenta con más de 800 artesanas y artesanos textiles, según un censo del Registro Nacional de Artesanos Textiles de la República Argentina (RENATRA), pero no es difícil pensar que en un territorio de remota cultura artesanal, esta cifra es sólo una muestra de quienes han buscado una formalización para la comercializar sus productos, pero en la práctica son muchos más quienes ejercen estos oficios.

Teleras e hilanderas, en su mayoría mujeres, pero un oficio donde interviene toda la familia desde la infancia, han sido el sustento de muchos grupos de hogares durante siglos. Con altos y bajos según las épocas, la actividad artesanal, agrupada en asociaciones y cooperativas con ferias en los territorios, ha sufrido durante la pandemia un golpe económico importante, ya que su principal aliado es el turismo.

Tejedora en la Feria del Poncho.

Ante esta realidad, una de las salidas ha sido la venta a través de internet, aunque no todos tienen dominio de la tecnología digital, y en algunos casos, carecen de conectividad, debido a las regiones puneñas en las que se encuentran. Catamarca/12, conversó con hilanderas y artesanos que pertenecen a distintas comunidades. Y esta es la realidad que plasmaron sobre un oficio que es patrimonio cultural y que se debate entre la tradición y la necesidad de nuevas formas de sustentabilidad.

Hilanderas de Vicuña de Belén

La hilandera Juana Moreno insistió durante su comunicación en lo importante que es para ellas ahora la difusión y comercialización de sus productos y que el Estado desarrolle programas para la exportación de sus productos de vicuñas. Juana ha estado representando el país en Cuzco y en Ecuador en encuentros internacionales de tejedoras, donde resalta que son muy valorados los tejidos de Catamarca.

Actualmente la asociación está conformara por 22 mujeres. “Trabajamos en especialidad de tejido único de vicuña que es propio de nuestra ciudad de Belén y data de muchísimos años, porque venimos casi todos de familias que siempre han trabajado en este oficio, somos de la cuarta o quinta generación. Tengo una vaga idea de mi abuela y bisabuela que trabajaban antes mucho más en esos tiempos, donde la base de la economía de la familia era el tejido. El pilar de la economía del hogar”, recuerda Juan con orgullo.

Lo primordial son las manos

Juana cuenta que “el proceso es largo, muchos meses, comenzamos a trabajar el vellón, para la limpieza lleva varios pasos, se extrae el pelo, después una especie de pelotita (mota), de forma muy minuciosa se lo limpia sacándole la dureza que se le forma por el sol o el mismo camuflado del paisaje. Repasamos de la base, cerca de la piel, sacamos el pelo, y luego el pisado, que consiste en abrirla, quitarle palito, espinita, arena, tierra, todo a mano”. Y aquí resalta la exclusividad del trabajo artesanal: “Todavía no se encontró que la vicuña resulte buena para hilar con la máquina, porque se marchita la hebra. Lo primordial es la mano de la persona”.

“Luego separamos en los tonos de colores y luego recién empezamos con el hilar con el huso y la moñona”.

Este proceso manual y minucioso hace que la producción sea muy lenta. Entre las prendas más finas que realizan las Hilanderas de Belén se encuentra la manta de vicuña, generalmente de 2 metros de largo por 1,30 de ancho. “Se la teje en un solo paño entre dos teleras, una de cada costado. Al año hacemos más o menos como 10. Es muy lento todo, y hay que hacer extremadamente cuidadosa en cualquiera de los procesos”, explica Juana.

Juana Moreno.

Al preguntarle sobre el precio, duda: “Con la devaluación no se sabe muy bien, 300 mil pesos. Este año no se vendió, lo mismo hemos seguido trabajando, tenemos los tejidos hechos, como no vino turista no hemos podido participar en feria. Como alternativa hacemos tejido de oveja y de llama, que son más rápidos y tienen más salidas”.

La artesana explica que a través de la Dirección de Artesanía de la provincia comercializan en la feria de la capital. Pero señala: “Nosotros vemos que nos hace falta facilidad para vender, que abran el mercado internacional si se quiere, porque son tejidos de exportación, en esa parte es lo que nosotros no tenemos la posibilidad ni capacidad. Y poder vender y tener mejores ingresos”.

Arañitas Hilanderas

La cooperativa Arañita Hilanderas, también de Belén, está conformada por 35 socios, el 90% mujeres y muestra una mayor organización e inserción en los canales de comercialización y de las redes sociales. Su especialidad son más productos de diseño, alfombras, almohadones, individuales, chales, ponchos, de lana de llama y oveja, a través del proceso de hilado y teñido, con telares de peine y de la zona.

Nora Arredondo, su tesorera, lo primero que dice es que hoy a las 19 realizarán un desfile virtual por el Día del Artesano, a través de Facebook y la cuenta de Instagram (arañitashilanderasok).

Relata que a través de esas páginas lograron “captar clientelas”. “En marzo del 2020 cerramos, íbamos y veníamos, al no entrar turismo. Sí estuvimos produciendo, pero venta muy poco, hicimos alguna online”.

Hilanderas de Arañitas.

Al igual que con la inserción en las redes, la tesorera da cuenta de la gestión ante los organismos estatales. “En general casi todo lo que hemos logrado fue a través de proyecto que hemos presentado en Desarrollo Social, otros como Manos a la Obra, después el INAES también nos dio subsidio para comprar maquinaria, varios proyectos que hemos presentado en distintos organismos de Nación. En pandemia tuvimos la ayuda del Ministerio de Trabajo a través de una línea que lanzó por 6 meses. Desde el Ministerio de Trabajo nos otorgaron una beca, después a través de pedidos de Cultura, y diputados nos han ayudado para solventar los gastos fijos que teníamos”.

Laguna Blanca

Ramón Gutiérrez es el presidente de la Cooperativa Mesa Local de Laguna Blanca, con 60 artesanos, la mayoría jóvenes. “Nuestro principal producto es la elaboración a partir de la vicuña. Nosotros hacemos los chakus (captura de vicuña en quechua). Esquilamos y liberamos a los animales a su hábitat natural. Nuestros artesanos hacen toda la cadena textil del producto desde que sale del animal hasta el producto terminado: chal, corbatín, guantes, mantas”, relata Ramón.

El artesano no solo señaló la baja venta que vienen padeciendo, sino la necesidad de comercializar a través internet. “En esta pandemia algunos artesanos se han dedicado a producir en sus casas. Algunos hemos tenido la oportunidad de vender a través de las redes. Pero se notó mucho la merma de ventas. Ahora estamos tratando de volver a abrir nuestro local, donde tenemos una exposición de ventas, para vender a los pocos turistas que llegan. Y más que todo ver la forma de empezar a vender digitalmente. En la Puna catamarqueña, en el interior profundo esto de vender digitalmente nos faltó, porque no manejábamos la tecnología, pero tenemos que capacitar a nuestros jóvenes y poder venderle al mundo también, ya que nuestro producto es muy codiciado en otras partes del mundo, sobre todo los de vicuñas, y tienen un alto costo que a veces los argentinos lamentablemente no podemos pagar”, comentó.

Tejedor de Laguna Blanca.

Ramón destacó que igualmente en noviembre, “gracias al apoyo de Secretaría del Medio Ambiente y de los artesanos pudimos realizar el chaku, entonces pudimos obtener las fibras para que nuestros artesanos puedan seguir tejiendo. Este año esperamos poder realizar la feria camélida, en este caso de llamas, vamos a ver si para Semana Santa podemos lograrlo para impulsar la producción de llamas. Porque todo es una cadena desde el productor hasta el artesano”, concluyó.

Dirección Provincial de Artesanía

En diálogo con Catamarca/12, el director provincial, Armando Corpacci, subrayó la necesidad de contribuir con una ley provincial a la formalización del trabajo artesanal. La ley fue sancionada en 1999, pero nunca fue aplicada. En este sentido, Corpacci adelantó que para hoy estaba programada una consulta que se pasó para la semana próxima por la visita del Presidente. El debate ser reprogramó para el 26 de marzo en el Cine Teatro Catamarca, y asistirán autoridades nacionales, provinciales, municipales y referentes del sector artesanal.

Entre los puntos más importantes de la ley que se busca implementar, Corpacci destacó la creación de un Fondo especial de Desarrollo y Estímulo Artesanal, que permita la compra directa de artesanía tradicional y representativa de la provincia. Hasta ahora los artesanos dejan sus productos en consignación en el Mercado Artesanal del Estado.

Del mismo modo se impulsa la creación de programas de asistencia socio-económica y capacitaciones (talleres), creación de banco de suministros y materia prima y beneficio y exención impositiva.

El director provincial también explicó que durante la pandemia han trabajado en medidas paliativas, como la generación de protocolo de ferias y la creación de Catamarca Feria Unida, con más de 100 expositores. También se generó una serie de historias de artesanas para las redes y una feria y catálogo virtual, entre otros programas de promociones, como es el convenio provincial con el Banco Nación denominado Día de Ensueño, con descuentos artesanías del 20% y 6 cuotas sin interés.

También se trabaja en la implementación de un nuevo registro provincial de artesanos y carnet único de idoneidad. “Esto permitirá identificar y potenciar los productores primarios y direccionar las herramientas y asistencia de manera correcta”, concluyó Corpacci.

Finalmente, las Artesanas Hilanderas del Abaucán llevan adelante un proyecto de recuperación, puesta en valor y capacitación a nuevas generaciones de hilanderas y tejedoras de la localidad de Fiambalá, en el departamento Tinogasta, que fue distinguido con la beca para proyectos culturales colaborativos del Consejo Federal de Cultura (CFC) y el Ministerio de Cultura de la Nación, para poder concretarse en 2021.