España: estudio sobre moda revela la nueva tendencia para comprar ropa

Fuente: Ambito – La recuperación del sector de la moda y la venta de indumentaria se consolida en gran parte gracias al empuje de la moda rápida o fast-fashion. ¿De qué se trata?

Tras la crisis causada por la pandemia, la recuperación del sector de la moda se consolida en gran parte gracias al empuje de la moda rápida o fast-fashion, que registra un crecimiento de casi el 300%.

Esta es una de las principales conclusiones de un estudio elaborado por el banco online N26, que analizó datos anonimizados de los gastos de sus clientes en comercios de moda para determinar si el consumo en este sector cambió durante y tras la crisis sanitaria, y de qué manera lo hizo.

La gente compra más, pero gasta menos; y, cuando hace, suele ser online

El estudio concluye que el comercio online se ha recuperado antes que el físico. Según los datos registrados por el banco, en todo el periodo analizado por N26 (entre enero de 2021 y junio de 2022, ambos incluidos) la inmensa mayoría de las operaciones de pago se realizaron en línea.

Todas las categorías analizadas (fast-fashion, lujo, deportes y segunda mano) han mostrado cierta recuperación en 2022 con respecto a 2021. Pero el crecimiento no ha sido similar en todos los casos: los comercios de moda rápida vieron aumentar en un 291,86% el número de adquisiciones en junio de 2022 (mes en el que se produjeron el mayor número de compras registradas por el banco móvil) en relación con el mismo mes del año anterior.

Sin embargo, aunque los españoles vayan de compras en más ocasiones, invierten una cantidad menor. Así, mientras que el gasto medio en estos negocios era de 64,5€ en 2021, en junio de este año fue de 56€. Con todo, la moda rápida es la reina de las categorías: casi un 80% (79,59%) del total de las operaciones de pago en moda analizadas por N26 son en este tipo de compañías.

También cabe destacar el auge de la moda de ocasión. Vivió su pico en mayo de 2022, mes en el que dobló el número de compras en negocios de ropa de segunda mano (un crecimiento del 107,37%) respecto a mayo de 2021. Además, el importe medio desembolsado también es mayor: ha aumentado un 13,13% hasta situarse en los 48€.

La moda deportiva alcanzó su pico también en mayo de 2022, mes en el que las operaciones de pago fueron un 41% superior a las registradas en mayo de 2021. La media de gasto también ha aumentado un 10,4% en este periodo hasta situarse en los 71€.

Por su parte, la industria de la moda de lujo tocó techo en abril, con un 47,5% más de pagos que durante el mismo mes del año anterior. En abril de 2022, el gasto medio en comercios de lujo fue de 688,23€, un 6% superior.

La diseñadora de moda y estilista de celebrities española, Victoria Nogales, no apoya el consumo de moda fast-fashion, y se alegra de ver que la ropa de ocasión está en auge: «Me parece super bien que tiendas de segunda mano como Vinted estén creciendo, ya que le están dando una segunda vida a las prendas con otra persona”.

La experta en moda reivindicó el uso de moda vintage en el último festival de cine de Venecia: “Utilicé un vestido de Dior de los años 90 diseñado por Galliano que me prestó un usuario de Vestier Collective, que es una tienda de segunda mano de lujo. A mi esto me pareció maravilloso porque conseguimos apoyar la moda sostenible en una alfombra roja, donde se suelen llevar vestidos de alta costura para la ocasión que nunca se vuelven a utilizar».

[1] El estudio se basa en el análisis de N26 de los datos de gasto agregados y anónimos de más de 70.000 españoles de N26 en el período comprendido entre enero de 2021 y junio de 2022. Los «datos de gasto» se definen como las operaciones de pago que salen de las cuentas bancarias principales de los clientes analizados hacia los comercios que se clasifican como comercios de moda. Esto incluye las compras online y en comercios físicos. Los comerciantes se clasifican en «Moda rápida», «Moda de lujo», «Moda deportiva», así como «Segunda mano y vintage», según el tipo de ropa que venden.

Después de Milán, arranca la semana de la moda en París

Fuente: TN ~ Además de los desfiles de las grandes marcas como Dior, Chanel y Vuitton, habrá un honenaje a Issey Miyake.

La Semana de la Moda de París que se inicia este lunes será el escenario de presentaciones de un centenar de marcas, que mostrarán sus colecciones durante nueve días, con el estreno de Victoria Beckham en la pasarela parisina y el homenaje a Issey Miyake como momentos estrella. A las novedades de esta edición se suma la llegada de la marca inglesa A.W.A.K.E. Mode, que mostrará su colección el 4 de octubre, último día de la pasarela, después de Chanel y antes de Louis Vuitton.

Victoria Beckham debuta en París

Victoria Beckham, que por primera vez elige París como escenario para revelar su colección primavera-verano 2023 dejando atrás su Londres natal y Nueva York, donde desfiló los últimos diez años, revelará sus creaciones en París el viernes 30 de septiembre.

La firma australiana Zimemermann también se instala en la Semana de la Moda parisina, de la que salen esta temporada VTMNTS, que decidió desfilar en junio durante la moda hombre, al igual que la promesa emergente de la moda más irreverente francesa, Marine Serre, y Nina Ricci, que acaba de anunciar su nuevo director artístico, Harris Reed.

Vuitton vuelve a desfilar en París. (Foto: REUTERS/Benoit Tessier)
Vuitton vuelve a desfilar en París. (Foto: REUTERS/Benoit Tessier)

La diseñadora española Paula Cánovas del Vas, que estuvo este año entre los nominados al premio de talentos emergentes LVMH, el más prestigioso del sector, enseñará su colección el jueves en una presentación a puerta cerrada pero también en un formato digital, difundido a través de las redes sociales de la Federación de Alta Costura y Moda.

Después de Milán, arranca la semana de la moda en París

Teran Conde, de la española Esperanza Teran Conde, ha elegido París para mostrar sus colecciones aunque al margen del calendario oficial de la Federación, un paso obligado para muchos creadores emergentes que pueden llegar así a un público más selecto y a un mayor número de compradores.

70 desfiles en París

Desde que irrumpió el coronavirus en marzo de 2020 y todas las marcas se vieron obligadas a organizar presentaciones virtuales durante meses, la moda parisina parece haberse adaptado bien a un nuevo formato híbrido, donde las grandes marcas desfilan y las más pequeñas se decantan por pasarelas virtuales y presentaciones por cita.Así, de las 105 empresas registradas en esta Semana de la Moda, tan solo unas sesenta desfilan.

Junto a las novedades, están los emperadores de la pasarela como Dior y Saint Laurent, que marcarán el ritmo desde el martes, seguidos en los días sucesivos por los desfiles de otras grandes firmas como Chloé, con la uruguaya Gabriela Hearst al frente, la española Loewe, Elie Saab, Stella McCartney o Lanvin.

Los desfiles de Dior son los más esperados en París. (Foto: REUTERS/Johanna Geron)
Los desfiles de Dior son los más esperados en París. (Foto: REUTERS/Johanna Geron)

Issey Miyake, homenajeado

Uno de los momentos más emocionantes promete ser el desfile de la firma japonesa Issey Miyake, cuyo creador falleció el pasado mes de agosto a los 84 años en Tokio.

Issey Miyake, cuya carrera global abarcó más de medio siglo, murió en agosto a los 84 años (foto Archivo 2016/TORU YAMANAKA / AFP)
Issey Miyake, cuya carrera global abarcó más de medio siglo, murió en agosto a los 84 años (foto Archivo 2016/TORU YAMANAKA / AFP)

La firma, que tiene acostumbrados a sus seguidores a desfiles muy emotivos donde el espectáculo, la danza y el arte se mezclan con la moda, dará a conocer su colección primavera-verano 2023 y en esa ocasión el director artístico, Satoshi Kondo, rendirá homenaje a la memoria de Miyake.

También desfilarán en París, entre otras, la firma The Row, de las hermanas Mary-Kate y Ashley Olsen, que repiten por segunda vez; así como Off-White con la primera colección de su director artístico Ibrahim Kamara, que sustituye al estadounidense Virgil Abloh, fallecido en 2021 a los 41 años, en la cima de su carrera.

La familia que impulsó la «moda descartable» y se volvió la más rica de su país: la historia de H&M

Fuente: Cronista ~ Erling Persson fundó la compañía y su hijo Stefan la expandió a nivel internacional. Hitos y controversias de uno de los grupos textiles más grandes del mundo.

La marca de indumentaria de origen sueco H&M se convirtió en una de las favoritas de los turistas cuando viajan. Junto a Zara fue una de las precursoras de la moda «chic descartable». Y convirtió a la familia fundadora en uno de los clanes más ricos de Suecia.

Erling Persson nació en 1917 en la ciudad de Borlange, situada en el centro de Suecia, pero poco después se mudó a la capital, Estocolmo. Ahí empezó a trabajar en una papelera, luego se convirtió en copropietario y la transformó en una tienda de regalos. Sin embargo, un viaje a los Estados Unidos en 1946 cambiaría su visión. En ese mercado quedó fascinado por las grandes tiendas de ropa, en particular en Nueva York, y regresó con una idea en al cabeza.

En 1947 abrió su propia tienda para vender ropa de mujer en la ciudad sueca Västerås. La llamó Hennes, que en sueco es el pronombre posesivo femenino, y él mismo diseñó el logotipo.

En 1947 Hennes debutó en Suecia. Recién en 1968 adoptó el nombre H&M.

Su modelo de negocios se centraba en contar con grandes volúmenes de prendas a bajo precio. Artículos que no estaban pensados para tener una larga vida útil, sino que pudieran tener un recambio frecuente. Así se transformó en uno de los referentes del fast fashion. Hennes creció en el mercado sueco y recién en 1964 se expandió por fuera de su país natal con su primera tienda en Noruega.

La M de su nombre llegó en 1968 cuando Persson adquirió la cadena de artículos para caza, pesca y outdoor Mauritz Widforss y así pasó a llamarse Hennes & Mauritz. El empresario decidió eliminar casi todas las líneas de su reciente compra excepto la de indumentaria de hombre y niño. En 1976 llegó el momento de salir de la zona escandinava y la marca abrió un local en Londres. A partir de ese momento llegó la expansión europea.

Una nueva generación

En los 80 y 90 planta bandera en Alemania, Países Bajos, Bélgica, Austria, Luxemburgo, Finlandia y Francia. Durante esa época también se produce el traspaso de mando a la segunda generación. En 1982 Erling le cedió el control a su hijo, Stefan, que ejerció como director ejecutivo durante seis años y se mantuvo como presidente del directorio por más de dos décadas.

Durante el mandato de Stefan Persson se produjo el lanzamiento de la marca en Estados Unidos (2000). A su vez, el ejecutivo promovió la colaboración con diseñadores y marcas de lujo para crear colecciones puntuales, como la que hicieron con Karl Lagerfeld en 2004.

Erling y Stefan Persson, padre e hijo manejaron las riendas del grupo.

Karl Johan Persson, hijo de Stefan, asumió como CEO de H&M en 2009 y desde 2020 reemplazó a su padre como presidente del directorio. La compañía es, detrás de Inditex, el segundo mayor grupo textil del mundo y Stefan Persson es la persona más rica de Suecia con más de u$s 12.100 millones, según el ranking de multimillonarios de Bloomberg

Un pie en el sur

La firma sueca llegó a Sudamérica en 2013 con una tienda física en Chile. Luego ampliaron su presencia con locales y servicio online en Perú, Colombia y Uruguay. Recientemente anunció que planeaba también plantar bandera en Ecuador.

Según su último reporte de resultados, hasta mediados de 2022 contaba con 4702 tiendas en el mundo, de las cuales 4157 pertenecen a su marca insignia. El resto corresponden a otras etiquetas del grupo, como COS, Arket, Monki, Weekday y H&M Home. Asimismo, a lo largo de los años incursionaron en otras categorías con H&M Beauty o su línea deportiva H&M Move.

Controversia

La promoción de la «moda rápida» atrajo detractores por el factor sustentable. En 2010 New York Times reportó que la marca destruía y tiraba ropa sin uso. Ese mismo año H&M lanzó una colección con algodón orgánico y poliéster reciclado. Unos años después el canal danés TV2 aseguró que la compañía quemaba varias toneladas de prendas sin vender. Desde la empresa indicaron que se trataba de artículos que no eran seguros para comercializar.

La compañía maneja más de 4700 tiendas en el mundo. La mayoría de su marca H&M.

Pero no fue la única controversia que tuvo a la marca sueca como protagonista, ya que también la acusaron de racista y por apropiación cultural. En 2013 su filial canadiense recibió quejas por una vincha con plumas que, señalaron, ofendía la cultura de los pueblos originarios. En tanto, en 2018 retiró un anuncio con un niño afroamericano que lucía un buzo con la frase «el mono más genial de la jungla».

Los mercados más exitosos

En los últimos años la compañía encaró una reducción en su cantidad de locales. Cerraron 217 en 2021 y para este año planean ponerle candado a otras 272. Más allá de la venta de ropa también buscó otros verticales de negocio. por caso, en 2019 lanzó una prueba piloto de alquiler de prendas en Suecia para sus clientes leales.

No obstante, el mercado sueco no es el más prolífero para la firma. Según su reporte de 2021, el mercado con mejores ventas para H&M es Alemania, seguido por los Estados Unidos y el Reino Unido. El ranking lo continúan Francia, Suecia y Rusia. 

La Semana de la Moda de Londres comienza con homenajes a la Reina Isabel

Fuente: Ambito – La Semana de la Moda de Londres comenzó con homenajes a la difunta monarca, desde un look de apertura totalmente negro hasta modelos que sostenían una foto de la reina Isabel, mientras los fashionistas presentaban sus respetos durante el periodo de luto nacional.

La Semana de la Moda de Londres comenzó con homenajes a la difunta monarca, desde un look de apertura totalmente negro hasta modelos que sostenían una foto de la reina Isabel, mientras los fashionistas presentaban sus respetos durante el periodo de luto nacional.

Los organizadores anunciaron la semana pasada que la Semana de la Moda de Londres seguiría adelante como un «evento entre empresas», aunque respetando el protocolo real y celebrando homenajes a la reina de 96 años, fallecida el 8 de septiembre.

Las fiestas se han pospuesto y los desfiles del lunes, día del funeral de Estado de la reina, se han reprogramado.

Grandes marcas como Burberry y Raf Simons, entre las más esperadas de esta temporada, se retiraron del evento del 16 al 20 de septiembre, pero para las más pequeñas es complicado.

«Los desfiles y las presentaciones, que son la parte comercial, en la que los diseñadores muestran sus colecciones a los medios de comunicación internacionales, a los minoristas, a los estilistas(…), forman parte del calendario de la moda mundial. No se puede desplazar», declaró a Reuters Caroline Rush, directora ejecutiva del British Fashion Council.

«Londres es una plataforma para increíbles empresas creativas, muchas empresas independientes y ya han comprometido el gasto. Así que tenemos que asegurarnos de que les apoyamos para que puedan continuar».

Entre los homenajes previstos se encuentra un libro de condolencias de la industria de la moda, que una vez vio a Isabel sentada en primera fila en un desfile en Londres, y los fashionistas se unirán en un momento nacional de reflexión -un minuto de silencio- el domingo por la noche a las 20:00 (1900 GMT) antes del desfile de Christopher Kane.

El jueves por la noche, el diseñador Daniel W. Fletcher guardó un minuto de silencio antes de enviar a su primera modelo con un traje negro y un brazalete negro.

«Pensé que, al abrir el evento, era importante marcar ese momento», declaró Fletcher al periódico londinense Evening Standard.

La marca española de ropa sostenible Sohuman terminó su desfile del viernes con modelos, con los ojos maquillados como si lloraran, sosteniendo una foto de Isabel y con dibujos de la corona o «RIP» escritos en sus manos.

La colorida colección del diseñador Javier Aparici consistió en vestidos en tonos llamativos o con estampados florales.

«Después de la pandemia, la situación en todo el mundo es muy complicada», dijo a Reuters. «Y creemos que es importante empoderar a la mujer con un montón de flores de colores, actitud y energía».

El diseñador turco Bora Aksu también guardó un minuto de silencio antes de su desfile, en el que presentó su habitual gama de vestidos femeninos con volantes, así como chaquetas y sombreros de estilo militar.

El dueño de la marca de ropa Patagonia sacude el mundo de los negocios con una decisión sorprendente

Fuente: Cronista ~ Yvon Chouinard, el multimillonario fundador de la marca de ropa para deportes al aire libre Patagonia, anunció hoy que entregará la compañía a un fideicomiso que utilizará sus ganancias para combatir la crisis del cambio climático.

Yvon Chouinard, el multimillonario fundador de la marca de ropa para deportes al aire libre Patagonia, anunció hoy que entregará la compañía a un fideicomiso que utilizará sus ganancias para combatir la crisis del cambio climático.

En lugar de vender la empresa o sacarla a bolsa, Chouinard, que se hizo famoso por sus excursiones en el Parque Nacional Yosemite y tiene un patrimonio neto de 1.200 millones de dólares, transferirá la propiedad familiar de Patagonia a un fideicomiso y una organización sin fines de lucro.

«Cada año, el dinero que ganamos después de reinvertir en el negocio se distribuirá como dividendo para ayudar a combatir la crisis», escribió el miércoles Chouinard en una carta divulgada en el sitio web de la compañía.

«En lugar de extraer valor de la naturaleza y transformarlo en utilidad para los inversores, utilizaremos la ganancia que crea Patagonia para proteger la fuente de toda riqueza», agregó.

Patagonia continuará operando como una corporación privada con fines de lucro, pero la familia Chouinard, que controlaba la compañía hasta el mes pasado, ya no es propietaria de la empresa, según el New York Times, que informó sobre la decisión el miércoles.

Las acciones con derecho a voto de la compañía se transfieren a Patagonia Purpose Trust, mientras que los papeles sin derecho a voto se entregaron a Holdfast Collective, una entidad sin fines de lucro dedicada a combatir la crisis ambiental y defender la naturaleza. El fideicomiso será supervisado por miembros de la familia.

Si bien las personas ricas a menudo hacen contribuciones financieras a causas, el New York Times dijo que la estructura de la acción del fundador de Patagonia implica que él y su familia no obtendrían ningún beneficio financiero y, de hecho, asumirían una factura de impuestos por la donación.

El estadounidense Yvon Chouinard se enamoró de la Patagonia tras escalar el monte Fitz Roy y decidió bautizar así a su emprendimiento de equipos de montañismo.

Pero todo el universo de Patagonia, la compañía que fundó inspirada en la región, gira en torno a la sustentabilidad. Su firma se erigió como pionera del movimiento de empresas B con un ojo puesto en reducir su impacto ambiental. Todo comenzó en un basurero.

Quién es Yvon Chouinard

Yvon Chouinard nació en Maine, Nueva Inglaterra, pero al poco tiempo su familia se mudó a Ventura, California. A los 14 años se unió al Club de Cetrería de California del Sur donde aprendió todo sobre el montañismo. Poco a poco fue desarrollando esta pasión y durante su adolescencia le gustaba pasar el tiempo con sus amigos escalando Stoney Point, en Oklahoma, o el pico Tahquitz, en California.

Pero Chouinard era inquieto y creía que podía mejorar algunas herramientas que utilizaba para ascensos y descensos. En 1957 fue a un depósito de chatarra y trajo consigo una fragua de carbón usada, un yunque, unas pinzas y un martillo. Con estos elementos se volvió un autodidacta de la herrería y fabricó sus propios pitones – elemento clave en el montañismo – a partir de una vieja cuchilla cosechadora.

SU PRIMER EMPRENDIMIENTO

El boca a boca entre sus amigos volvió su trabajo artesanal en un negocio. En una hora podía hacer dos clavijas recicladas y las vendía por u$s 1,50 cada una. Así montó un pequeño emprendimiento en el patio trasero de la casa de sus padres. Luego empezó a venderlas en el baúl de su auto. Chouinard viajó con su camioneta desde Ventura hasta Punta Arenas para probar y comercializar sus creaciones. Durante su escalada al monte Fitz Roy se enamoró del paisaje patagónico y decidió que su empresa llevaría este nombre.

En 1965 junto a su socio Tom Frost lanzaron oficialmente Chouinard Equipment. Ambos rediseñaron otras herramientas de escalada para hacerlas más resistentes, livianas y funcionales. Con el tiempo también introdujeron otros cambios a sus propios inventos. El empresario se dio cuenta que sus pitones dañaban las rocas, entonces en 1972 lanzó una variante de cuñas de aluminio.

DEL EQUIPO A LA ROPA

El negocio de gear vendía bien, pero las ganancias eran escasas y Chouinard encontró el segmento que haría explotar a su marca casi por casualidad. Para un viaje a Escocia se compró una camiseta de rugby porque el cuello que esta tenía le permitía colgarse las herramientas de montañismo sin lastimarse el cuello. Cuando volvió a los Estados Unidos sus amigos quisieron también tener una, entonces empezó a importarlas. Pronto sumó pasamontañas, bolsas para refugio temporal, guantes, mitones y gorros reversibles.

Patagonia trabaja para extender la vida útil de sus prendas y que sean lo más funcionales posibles para outdoor

Hoy la empresa ronda los u$s 800 millones en facturación por año y continua siendo una empresa privada bajo el mando de Chouinard, de 83 años. Además, de la unidad de equipos e indumentaria en 2012 creó Patagonia Provisions, dedicada al rubro de alimentos con un enfoque sustentable.

Con los años Chouinard y Patagonia se convirtieron en referentes de los negocios con consciencia. Su compañía invierte en prácticas sustentables y dona el 1% de sus ganancias a organizaciones ambientales. Entre 2002 y 2019 ya recaudó más de u$s 200 millones.

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 

Fuente: Perfil ~ La diseñadora venezolana presentó la colección “Printemps-Été 2023” en la Gan Manzana, inspirada en un libro de la infancia de su director creativo. 

En 1984 Carolina Herrera presentó, en el Salón de Baile del Hotel Plaza, su primera colección de moda homónima. El actual director creativo de la firma, Wes Gordon, recreó este significativo enclave casi cuatro décadas después, para presentar “Printemps-Été” la colección primavera-verano 2023, en el marco de la Semana de la Moda de Nueva York. 

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 
Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera

“The Secret Garden” de Frances Hodgson Burnett, es un querido libro de la infancia de Wes Gordon. Este fue el punto de partida para que el actual director creativo de Carolina Herrera se inspire en esta colección que representa la belleza y la naturaleza, de manera romántica.

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 
Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera

El desfile de Carolina Herrera en Nueva York abrió con una blusa de algodón a rayas, combinada con una falda de gala de tafetán con estampado de urdimbre, evocando el glamour natural y espontáneo de la estadounidense Bunny Mellon, con su elegante jardinero. Otro de los looks que más aplausos se llevó fue un vestido de columna arquitectónica en rojo amapola y una chaqueta de lana negra, que representan las flores que florecen desde las costuras. La icónica camisa de algodón Herrera es ahora imaginada con rosetas florales de gran tamaño, encaramadas sobre el hombro. 

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 
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El aplaudido desfile evidenció que el motivo fetiche de la nueva propuesta 2023 de Carolina Herrera, son las flores. La diseñadora de moda hispana más reconocida a nivel mundial, se destaca por sus colecciones llenas de sofisticación, motivo por el cual Wes Gordon no dudó a la hora de combinar los diseños florales con rayas, estampados, detalles de tul y colores potentes. Una de las consignas más exploradas fue la combinación de los tonos blancos y negros, además del amarillo, color que marca tendencia. 

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 
Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera

“La clave es aceptar hacer ropa hermosa y alegre, y no disculparse por ello. Nuestros clientes vienen a nosotros en busca de esa sensación” destacó el director creativo de la firma en el backstage, acompañado por la propia Carolina Herrera y su hija, Carolina Adriana. 

Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera 
Semana de la Moda de Nueva York: toda la intimidad del espectacular desfile de Carolina Herrera

Estos son los 4 nuevos talentos que impulsan la moda

Fuente: Clarín ~Las nuevas generaciones se muestran creativas y logran impactar con sus ideas. Acá los nuevos talentos para que tengas en el radar.

Cuando Sohee Park vio un programa de alta costura de Chanel en la televisión desde su casa en Seúl, cambió el curso de su vida. “La escenografía, los modelos, la música, la iluminación, todo”, dice entusiasmada. “La ropa, obviamente, me enamoró”. Ese momento la envió a una madriguera de YouTube de videos de desfiles y entrevistas con diseñadores (incluso con Marc Jacobs, para quien trabajó). Se volvió, dice, «poseída», estudiando al detalle bocetos de moda y solicitando ingreso a Central Saint Martins. “Tuve que esforzarme mucho para convencer a mis padres coreanos de por qué, de repente, quería ir a Londres y estudiar moda”, dice, “pero ellos confiaban en mí”. En CSM, «los tutores me alentaron a ser la versión más extrema de mí misma», una directiva que resultó en creaciones de alta costura exageradas que imitaban las flores de invernadero. Cardi B y Miley Cyrus terminaron vistiendo piezas de su colección de posgrado.

Ahora con 26 años, Park creó dos colecciones de alta costura (el otoño de 2022 fue apoyado por Dolce & Gabbana y presentó materiales reciclados). “El mundo cambió de una manera en la que todo es muy rápido”, observa. “En las redes sociales, todas estas tendencias suceden constantemente, pero luego mueren cada segundo. La tradición es algo que puede vivir para siempre”.

PIONEROS EN DIVERSIDAD CORPORAL: Ester Manas

“El 2018, no fue tan genial”, dice Ester Manas sobre la inclusión del cuerpo en la moda. Ese fue el año en que ella y el codiseñador y cofundador de su marca, Balthazar Delepierre, ambos alumnos de la escuela de artes visuales La Cambre en Bruselas, presentaron una colección titulada Big Again en el festival de moda de Hyères. Inspirados en una mesa extensible de IKEA, incluyeron looks flexibles y de talla única que se adaptan a todos los tamaños, desde XS hasta 3XL.

Para su colección de otoño de 2022, titulada Come As You Are, los dos presentaron sus productos en una variedad de tipos de cuerpo, algo muy raro en la Semana de la Moda de París, donde la mayoría de las colecciones se mostraron en modelos delgados. “Siempre es conmovedor ver a las modelos después del desfile”, dice Delepierre. “Muchas de ellas están llorando porque es súper emotivo”. Manas agrega que en un desfile del que formaba parte, las modelos se quitaron el look en el momento en que terminó el desfile. No así en su pasarela. “Con nosotros”, dice ella, “ellos se quedan con la ropa puesta”.

GENIA DE LA CONSTRUCCIÓN: Jade Cropper

Para una joven diseñadora sueca con poco reconocimiento, no hay mayor elogio que tener a un miembro del equipo Kardashian entrando en su bandeja de entrada y preguntando sobre la compra de sus piezas, o casi toda su colección de primavera. Eso le pasó a Jade Cropper.

Nacida y criada en Estocolmo, la mujer de 32 años comenzó su marca homónima en medio del incendio de los basureros en 2020, justo después de graduarse de la prestigiosa Facultad de Diseño Beckmans en su ciudad natal, y enseguida se encontró respondiendo solicitudes de la estilista de Kim K. No está de más que la estética elaborada de Cropper se distinga fácilmente de la de sus pares escandinavos, gracias a las siluetas ajustadas al cuerpo súper sexys, las costuras curvas y los cortes precisos que exponen partes del torso, así como técnicas inventivas que permiten que cada prenda se use de innumerables maneras. Ella le da crédito a su abuela como inspiración: una mujer segura, independiente y extrovertida que vivió la vida en sus propios términos y tenía buen ojo para la sostenibilidad. Este último es otro valor central para Cropper, que hace uso de varias prácticas ecológicas, desde el abastecimiento de telas muertas y materiales reciclados hasta el lanzamiento de colecciones en cantidades limitadas, todo hecho en Suecia. Actualmente, ella es un equipo de uno, pero seguramente no por mucho tiempo.

EL EXPLORADOR DE CONTEXTO: Jawara Alleyne

El diseñador, que creció en Jamaica y las Islas Caimán antes de mudarse a Londres, es un maestro en la recontextualización de prendas, ya sea que eso signifique volver a imaginar material muerto de sus propios archivos o reciclar hallazgos de tiendas de segunda mano. Es una práctica acorde con la cultura que lo crió. En el Caribe, dice, “Todo es circular. Nada es inútil; todo se usa, se reutiliza y se recontextualiza”.

Alleyne se hizo conocido por la moda masculina que desafía las ideas recibidas sobre lo que puede ser la ropa masculina (su trabajo es «fácil, ligero, fluido y sin esfuerzo», dice, en lugar de «construido, reglamentado y rígido») e incluye elementos inesperados. Después de establecer su reputación en la moda en Londres, fue seleccionado para la prestigiosa incubadora Fashion East de la ciudad. Esta temporada marcó su primer desfile en Londres, y trajo de vuelta la ropa de mujer como parte de su línea de piezas cortadas y desgastadas inspiradas en su educación isleña.

“Tengo una historia muy específica que contar”, dice. “Es mi historia, pero no es una historia sobre mí. Es una historia sobre un grupo de personas con las que creo que mucha gente se puede identificar”. Ve su trabajo como la respuesta a siglos de moda de inspiración caribeña hecha por extraños. “Esa idea de multiculturalismo es algo que la moda siempre trató de hacer, pero nunca logró dar en el blanco, porque las personas que cuentan esas historias no eran personas que vinieron de estas experiencias”. No hay dudas de que hará historia.

Dior da un giro folclórico en la semana de la moda de la alta costura en parís

Fuente: La Nación ~ La diseñadora de Dior, Maria Grazia Chiuri, ha dejado de lado las telas jacquard relucientes y las capas de lentejuelas, habituales en los desfiles de París, y se ha centrado en la artesanía de la aguja y el hilo, aplicando elaborados bordados florales a su línea de alta costura para la temporada otoño-invierno.

«Se trata de un proyecto que tiene en su interior la idea de que el arte y la artesanía están al mismo nivel», dijo Chiuri a Reuters.

Las modelos desfilaron el lunes por la pasarela con trenzas sueltas y abrigos de ópera con retazos, chaquetas recortadas y vestidos largos con mangas onduladas. Las prendas sirvieron como lienzos en blanco, en colores suaves y neutros -gabardinas de lana beige, tela de algodón y terciopelo negro- para los estilizados bordados florales que bajaban por los hombros y se enrollaban en las faldas, subiendo desde los dobladillos.

La ucraniana Olesia Trofymenko expuso sus obras el lugar del desfile, en el jardín del Museo Rodin, con imponentes imágenes fotográficas de paisajes superpuestas a flores bordadas, que delineaban las formas de las personas que podrían haber estado allí.

La casa de moda francesa, una de las marcas propiedad de LVMH, dejará la exposición abierta al público, siguiendo una tradición que inició con una muestra de Judy Chicago en 2020.

Las obras de arte y la moda tienen un tema subyacente: el árbol de la vida, un símbolo universal interpretado en diferentes estilos a través de las culturas.

Chiuri describió el concepto como portador de una cualidad mística a la que la gente puede recurrir «en tiempos difíciles».

Los estampados tenían un toque ligeramente retro. Chiuri tuvo en cuenta las tradiciones locales y cómo se interpretan los motivos florales en todo el mundo.

«Creo que todos estos vestidos tienen algún aspecto en común. Muy a menudo están bordados, muy a menudo están adornados con flores. Realmente hay una conexión con la vida», dijo.

Sigourney Weaver y Naomi Watts se encontraban entre los invitados de la primera fila.

(Reporte de Mimosa Spencer; Editado en español por Vicente Valdivia)

El inventor del prêt-à-porter. Revolucionó la moda, forjó una de las fortunas más grandes de Francia y vivió un amor “de película”

Fuente: La Nación ~ El 2 de julio de 1922, hace exactamente 100 años, nació Pierre Cardin, un creador imprescindible en la historia de la moda que fue expulsado de la Cámara Sindical de la Alta Costura por su audacia.

Era un tipo espléndido, bello, talentoso, elegante, excéntrico, ocurrente… Vivió hasta los 98 y trabajó hasta el último minuto como lo que era: un señor mayor, rico y divo que hacía lo que le daba la gana.

Fue el inventor del prêt-à-porter y la moda unisex,y el primer diseñador de Occidente que hizo negocios con Oriente. Llegó a ser uno de los hombres más ricos de Francia, creó un imperio de la moda y fue dueño de fabulosos castillos y lujosas cadenas de restaurantes. Vistió a los Beatles y a Salvador Dalí, se codeó con lo más excelso del jet set internacional y organizó desfiles en la Gran Muralla China, la Plaza Roja de Moscú y el desierto de Gobi.

Pierre Cardin nació el 2 de julio de 1922, hace exactamente 100 años. “He vivido la dolce vita, pero la de verdad”, bromeaba. Y tenía razón.

Pierre Cardin
Pierre CardinGentileza House of Cardin

Pietro de Venecia

Nació 100 años atrás en Venecia, en una finca rodeada de viñedos trabajada palmo a palmo por su propio padre, Alexandre, quien además dirigía un emprendimiento de hielo para conservar alimentos. Su madre, María, se dedicaba a criar a sus nueve hijos. Pero la bonanza familiar se hizo polvo cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, el negocio se fundió y sus padres decidieron emigrar a Francia.

Nació el 2 de julio de 1922 en San Biagio de Callalta, municipio de la región de Veneto. Lo bautizaron Pietro Costante Cardin. Cuando cumplió dos años, sus padres se mudaron a Francia
Nació el 2 de julio de 1922 en San Biagio de Callalta, municipio de la región de Veneto. Lo bautizaron Pietro Costante Cardin. Cuando cumplió dos años, sus padres se mudaron a Francia

Se instalaron en Saint-Étienne, donde el pequeño Pietro Cardino se convirtió en Pierre Cardin y con 14 años se inició en el oficio de sastre. A los 17 se subió a una bicicleta para recorrer los 500 kilómetros que lo separaban de su sueño: ser modisto en París. Un control militar lo obligó a pegar la vuelta (era el año 1940 y Francia estaba ocupada por los nazis) y se instaló entonces en Vichy, donde pasó la guerra sirviendo para la Cruz Roja.

Finalmente llegó a París en el invierno de 1945 con un contacto para trabajar, primero, en Chez Paquin y luego con Elsa Schiaparelli, ambas íconos de la moda parisina en ese tiempo. Ya en estos primeros empleos comenzó a demostrar un talento extraordinario, que le valió la posibilidad de recibir tentadoras ofertas, una de ellas de la mano del dramaturgo Jean Cocteau, quien le encargó el vestuario de su película La bella y la bestia.

Pierre Cardin siempre fue un adelantado a su tiempo. Un vanguardista.
Pierre Cardin siempre fue un adelantado a su tiempo. Un vanguardista.Gentileza House of Cardin

En 1947 pasó a trabajar en el atelier de Christian Dior, su gran aprendizaje en el mundo de la alta costura. Pocos años después decidió abrir su propio atelier. Como despedida, Dior no solo le mandó un ramo de rosas rojas sino que lo propuso como diseñador oficial de los disfraces de “El baile del siglo”, una gran fiesta que el magnate mexicano Carlos de Beistegui celebraría en su palazzo de Venecia. Corría 1951 y la idea de Beistegui era recuperar el esplendor europeo que se había perdido en la guerra.

En los pocos años que había pasado trabajando en París, Pierre Cardin se había convertido en el modisto favorito del mundo del cine y el arte (ya era íntimo de Luis Buñuel y Salvador Dalí) y esta fiesta le permitió codearse con todo el jet set internacional, desde Aga Khan hasta Orson Welles. El diseñador contaba siempre una anécdota muy simpática de ese baile. Después de trabajar casi un año confeccionando gran parte de los disfraces, cuando llegó a Venecia lo recibió Dalí con uno de sus pedidos más delirantes: un puñado de hormigas. Pierre las buscó, las consiguió y Dalí las puso en sus anteojos de doble cristal para que se movieran ante sus ojos toda la noche.

En 1992 fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes
En 1992 fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes

Glamour y masividad

Ya instalado en su propio atelier, Pierre Cardin se convirtió en uno de los grandes artífices de la revolución de la escena parisina en los años 60. Su estilo futurista y sus ideas de ruptura se vieron reflejadas en algunas de sus señales de identidad, que vistieron a más de una generación y dejaron huella hacia el futuro: patrones rectos, estampados geométricos, prendas unisex, materiales como fibra y vinilo…

Ahora sí, Pierre decide conquistar la calle. En paralelo con la alta costura, comienza a abrir tiendas con una filosofía innovadora para la época: el prêt-à-porter. Nunca le había terminado de gustar esa ley tácita de la industria de entonces, que determinaba que la verdadera moda debía ser exclusiva y elitista. Pierre Cardin, en cambio, buscaba desarrollar un modelo que combinara glamour y masividad, una especie de democratización de la moda: “Mi objetivo era que mi nombre y mis creaciones estuvieran en la calle. Las celebrities y las princesas me daban un poco igual. Cenaba con ellas, por supuesto, pero no las imaginaba con mis diseños”, declaraba hace unos años.

Pierre Cardin fue el primer diseñador de Alta Costura en abrir nuevos mercados. en la foto, durante uno de sus viajes a Japón, donde era recibido como rock star
Pierre Cardin fue el primer diseñador de Alta Costura en abrir nuevos mercados. en la foto, durante uno de sus viajes a Japón, donde era recibido como rock star

Así fue que en 1959 hizo una alianza con los almacenes Printemps para lanzar una colección producida en masa, accesible, funcional y adaptada a los nuevos tiempos. La propuesta era audaz y efectivamente fue un escándalo: Pierre Cardin fue expulsado de la Cámara Sindical de la Alta Costura y criticado ferozmente por sus colegas. Muy poco después, sin embargo, todos ellos tuvieron que tragarse sus palabras, ya que el prêt-à-porter se impuso soberanamente en la moda internacional y cambió la historia para siempre.

Con la misma idea en mente de desencorsetar la moda, Pierre creó una revolucionaria línea masculina que incorporaría por primera vez a los hombres en la alta costura, despojándolos de los rígidos códigos de la sastrería tradicional. En 1963 diseñaría los trajes con cuello Mao de los Beatles, que dieron la vuelta al mundo y pronto usarían también las mujeres. Avanzada la década, fue acercándose cada vez más al unisex con colecciones adaptables para ambos géneros.

Pierre Cardin fue el creador de los sacos con cuello redondo que de inmediato adoptaron los Beatles
Pierre Cardin fue el creador de los sacos con cuello redondo que de inmediato adoptaron los Beatles

Eran años de competencia feroz entre los diseñadores, y Pierre participó de varias controversias. Una de ellas fue la de la propia invención del prêt-à-porter, que algunos atribuyen a Yves Saint Laurent y fue motivo de debate. Otra es la minifalda, cuya autoría se disputaron Pierre, Andrè Courreges y Mary Quant y que todavía no está del todo clara. Lo concreto es que, en 1964, Pierre Cardin presentó su icónica colección Cosmocorps, que ya incluía minifaldas, además de trajes y vestidos en clave futurista inspirados en la carrera espacial.

Jugada audaz

El paso siguiente fue la difusión de productos bajo licencia, otra polémica jugada empresarial del diseñador que lo llevó a otorgar licencias de la marca en infinidad de productos. A partir de entonces, el logo Pierre Cardin aparecerá estampado en muebles, sábanas, zapatos, perfumes, corbatas, chocolates, bolígrafos, accesorios varios y hasta latas de conserva: “Una corbata es diseño, una caja de bombones es diseño, una lata de sardinas es diseño. ¿Dónde está la diferencia? ¿Por qué una corbata da prestigio y una caja no?, preguntaba desafiante Pierre frente a la –¡otra vez!– condena unánime de sus colegas, que lo consideraban casi un delincuente por haberse atrevido a poner su nombre en productos chabacanos (”el logo está hasta en el papel higiénico”, exageraban), desvirtuando así su identidad e imagen de marca.

En 2018 celebró "los primeros 40 años de Pierre Cardin en China" con un desfile sobre la Gran Muralla
En 2018 celebró «los primeros 40 años de Pierre Cardin en China» con un desfile sobre la Gran Muralla

Lejos de amilanarse, Pierre siguió avanzando con esta estrategia, que lo convirtió en el fundador de un exitosísimo imperio, con miles de puestos de venta en todo el mundo, y en el tercer hombre más rico de Francia. Hasta poco antes de morir, dirigía personalmente sus negocios, controlaba hasta el último centavo y se mostraba en sus locales, incluso en pandemia y con barbijo.

Su imperio incluía lujosas propiedades dentro y fuera de Francia, restaurantes y galerías de arte. Una de sus joyas más preciadas era el célebre restaurante Maxim’s, que compró en los 80 y que llegaría a tener casi veinte sucursales en ciudades de todo el mundo, incluidas Moscú y Beijing. Casi hasta el final de su vida, cenaba varias noches de la semana en el Maxim’s de París, se sentaba a su mesa, pedía invariablemente pastas y agua mineral, controlaba las cuentas, firmaba los cheques y hasta decidía algunos platos de la carta: “Al primero que le tiene que gustar es a mí, que soy el dueño”, repetía.

Pierre Cardin falleció, a los 98 años, en Francia
Pierre Cardin falleció, a los 98 años, en FranciaLA NACION

Entre sus tantas excentricidades, tenía también en Lacoste, al sur de Francia, un fabuloso castillo que había pertenecido al marqués de Sade, donde se presentaban espectáculos y colecciones de arte. Además de su extraordinaria casa de verano Le Palais Bulles, un palacio construido en forma de burbujas adyacentes, ubicado sobre una colina en Theoule-sur-Mer, en la Riviera francesa, y famoso no solo por su increíble diseño sino también porque allí se celebraron las reuniones más glamorosas con las estrellas de los festivales cinematográficos de Cannes.

Mención aparte merece su exploración de mercados hasta entonces vedados para los diseñadores europeos, que le rindieron pleitesía y aumentaron las ya abultadas arcas de su imperio. Hizo negocios y abrió tiendas en Japón, China, Rusia, India… Homenajeó con sus diseños la gesta espacial rusa, vistió a la bailarina Maya Plisétskaya y a las damas del Politburó y la Perestroika. En India presentó su colección ante Indira Gandhi. Fue furor en Japón y anticipó la fiebre europea por el diseño nipón. Organizó además desfiles espectaculares, históricos, como el de la Gran Muralla China, la Plaza Roja de Moscú y el desierto de Gobi.

El Palais Bulles de Pierre Cardin en Théoule-sur-Mer, Alpes Maritimes, Francia
El Palais Bulles de Pierre Cardin en Théoule-sur-Mer, Alpes Maritimes, FranciaShutterstock
El interior del fantástico Palais Bulles, una creación de Pierre Cardin
El interior del fantástico Palais Bulles, una creación de Pierre CardinFrancois LOCHON – Gamma-Rapho
El Palais Bulles fue sede de las fiestas más glamorosas
El Palais Bulles fue sede de las fiestas más glamorosas Francois LOCHON – Gamma-Rapho
El palacio de Pierre Cardin está ubicado en la localidad de Théoule-sur-Mer, en la Costa Azul, a pocos kilómetros de Cannes
El palacio de Pierre Cardin está ubicado en la localidad de Théoule-sur-Mer, en la Costa Azul, a pocos kilómetros de CannesShutterstock

Un poco de amor francés

Para el final, un amor de película. Pierre Cardin era homosexual declarado (con toda la valentía que había que tener en aquel tiempo para “confesarlo” públicamente), pero un día conoció a la célebre actriz Jeanne Moreau y se enamoró perdidamente.

"Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, con Jeanne Moreau
"Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, con Jeanne Moreau

Se vieron por primera vez una tarde de 1961. Ella estaba por empezar a filmar la película Eva, de Joseph Losey, y llegó hasta la Maison Cardin por recomendación de Coco Chanel, buscando vestuario de femme fatale. Se enamoraron al instante: “Recuerdo un amor a primera vista y una relación apasionada –contaba Pierre–, luego una ruptura que nos separó algún tiempo y después una amistad inquebrantable que mantuvimos para siempre”. Y agregaba: “Yo era homosexual, no había tenido relaciones físicas con mujeres. Jeanne me trastornó. Ella correspondía a mi naturaleza profunda… Si no hubiéramos tenido relaciones físicas, esta relación no habría existido. La atracción física la sentí desde que la conocí”.

La protagonista de Jules y Jim también contó alguna vez los detalles de aquel encuentro: “Cuando llegué a su maison, él no estaba pero sus asistentes me mostraron su colección, que me pareció genial. Y comencé a amar a Pierre de inmediato, sin siquiera conocerlo, a través de su trabajo. Cuando él llegó, al final de la presentación, me dije: ¡Qué atractivo!”. Jeanne se enamoró y apostó fuerte a la relación pese a los comentarios de sus amigos, que le advertían que era un amor imposible. Ella, sin embargo, estaba segura: “No me importaba nada. Lo amaba tal como era… Pierre Cardin es uno de los regalos que me ha dado la vida. Lo quería y fui a buscarlo”.

Jeanne Moreau y Pierre Cardin en la entrega de los premios Cesar, en enero de 2008. (Photo by Julien Hekimian/WireImage)
Jeanne Moreau y Pierre Cardin en la entrega de los premios Cesar, en enero de 2008. (Photo by Julien Hekimian/WireImage) Julien Hekimian – WireImage

El romance duró cuatro años y fue apasionante. Forman parte de una larga lista de parejas francesas de leyenda. Eran jóvenes y exitosos, viajaron juntos por todo el mundo perseguidos por enjambres de paparazzi y hasta trabajaron en algunos proyectos en común, como la película Jeanne, la française, con producción de Pierre, que se rodó en Brasil en 1973. Así lo recordaba Pierre: “Los dos nos amamos realmente. Ambos teníamos el mismo éxito. Nos respetábamos. Nunca interferimos en el trabajo del otro. Ese era el secreto: mantenerse independientes”.

El amor se apagó pero lo sucedió una amistad eterna y una férrea relación profesional: Pierre Cardin fue el artífice del vestuario de Jeanne Moreau durante más de cuatro décadas. La muerte de la diva, el 31 de julio de 2017, fue un duro golpe para él.

En una de sus últimas entrevistas, Pierre Cardin confesó que una de las pocas cosas que lamentaba de su larga y gloriosa vida era no haber tenido un hijo con Jeanne Moreau: “Me habría sentido muy orgulloso. Nuestro hijo no habría sido feo. Tampoco habría sido tonto”.

Moda sustentable: todo lo que hay que saber sobre el algodón orgánico

Fuente: TN ~ Un estudio en Alemania revela que este material no es suficiente para definir una prenda sustentable: hay que ver todo el proceso de producción.

El hecho de que los microplásticos contaminan el planeta ya no es un secreto para nadie, y es justamente por eso que muchos apuestan por el algodón y evitan los pulóveres, camisetas y blusas de material sintético.

Sin embargo, el algodón que se cultiva de modo convencional también daña el medio ambiente. Lo que sí representa una solución para las personas que quieren llevar una moda sustentable son los productos de algodón orgánico. Pero, deteniéndose a pensar… ¿Son realmente tan malas las prendas sintéticas?

Hay dos razones principales para no utilizar fibras sintéticas: mientras que el algodón es un recurso renovable, la ropa sintética se produce utilizando petróleo. Esto libera CO2, que alimenta aún más el cambio climático.

Las plantaciones de algodón requieren de un gran cosumo de agua en los cultivos convencionales. (Foto: Catherine Waibel/dpa)
Las plantaciones de algodón requieren de un gran cosumo de agua en los cultivos convencionales. (Foto: Catherine Waibel/dpa)

Las fibras sintéticas no son biodegradables. “Los sintéticos no se pudren y acaban convirtiéndose en microplásticos”, afirma Heike Hess, de la Federación Internacional de la Industria Textil Natural (IVN).

¿Las fibras artificiales mejor que el algodón?

Naturalmente, la asociación industrial del sector de fibras químicas de Alemania, Austria y Suiza ve las cosas de otra manera. Teniendo en cuenta todos los aspectos ecológicos, las fibras artificiales resultan incluso más favorables que el algodón, sostiene la asociación en respuesta ante una consulta.

Y argumenta, por ejemplo, que las fibras sintéticas alivian la situación de escasez de superficies agrícolas, en las que se pueden cultivar alimentos. También destaca el menor consumo de agua que suponen dichas fibras.

Heike Hess conoce bien estos argumentos y responde: “Somos muy críticos ante el sintético”. Señala que frecuentemente se afirma que el balance de CO2 de la ropa sintética es mejor en su conjunto. “Pero la extracción de la materia prima petróleo es ignorada por completo”, advierte.

Las fibras sintéticas no son biodegradables, terminan convirtiéndose en partículas de microplástico. (Foto: Arne Dedert/dpa)
Las fibras sintéticas no son biodegradables, terminan convirtiéndose en partículas de microplástico. (Foto: Arne Dedert/dpa)

¿Qué tiene de malo el algodón normal?

Uno de los problemas es, efectivamente, el elevado consumo de agua debido a la sobreexplotación de los suelos. En el cultivo convencional del algodón, el suelo suele estar químicamente sobrefertilizado y debilitado, explica Hess.

A esta fundamentación también adhiere Nicole Pälicke, jefa de People Wear Organic, una empresa que comercializa ropa certificada de bioalgodón para bebés y niños. “El cultivo de algodón convencional implica el deterioro del suelo”, puntualiza.

¿Por qué es distinto el algodón orgánico?

“Debido a la mejor calidad del suelo, el algodón orgánico en todo caso ahorra agua”, apunta Heike Hess. Esto se debe a que el suelo puede retener mejor el agua. “Hay plantas acompañantes que se siembran para mantener alejados a los insectos, hay más sombra y la erosión no es tan grave. El suelo se encuentra más sano, alberga más vida”, asevera.

La rotación de cultivos también es típica allí. Además, no se utiliza ingeniería genética en las semillas, ni productos fertilizantes, ni tampoco pesticidas. Suena convincente… pero ¿cómo encontrar ropa de algodón orgánico?

Los consumidores pueden saber si una prenda es de algodón orgánico observando las distintas etiquetas:

El logotipo ecológico de la UE (Hoja compuesta por estrellas, sobre fondo verde): “Esto todavía no dice mucho”, manifiesta Hess, porque para los textiles, el porcentaje mínimo prescrito no está claramente definido. “Si se utiliza un pequeño porcentaje, ya puede llamarse algodón orgánico”.

Organic Content Standard de Textil Exchange: esta etiqueta confirma que un determinado porcentaje de algodón orgánico es identificable desde su origen en el campo hasta llegar la prenda a la percha. “Pero aquí tampoco está definido cuán elevada tiene que ser la proporción”, indica Hess. “Hay productos con un 100 por ciento de algodón orgánico, pero la etiqueta también se concede a partir de un porcentaje del 5 por ciento con el añadido ‘mezcla’”.

Global Organic Textile Standard (GOTS): aquí se certifica toda la cadena de producción, y no solamente la materia prima. Según Hess, se requiere al menos un 70 por ciento de fibras orgánicas para obtener la certificación. Los productos con el agregado “orgánico” en la etiqueta incluso están compuestos por un 95 por ciento de fibras orgánicas.

Naturtextil BEST: esta etiqueta IVN solamente se concede a las prendas que están fabricadas con un 100 por ciento de algodón orgánico. “Pero el sello sigue estando poco presente en el mercado”, acota Hess. Además, esta certificación también evalúa la cadena de producción del producto en su conjunto.

Moda sustentable: todo lo que hay que saber sobre el algodón orgánico

También existen otros sellos para ropa de algodón, pero que no exigen el algodón orgánico.

¿Y cuán sustentable es realmente la ropa de algodón orgánico?

Desde el punto de vista de Heike Hess, se trata de la posibilidad más sustentable para vestirse, si se contempla únicamente la materia prima. Pero existe un gran reparo: “En la producción, por supuesto, todavía pueden producirse muchos pecados medioambientales en el hilado, el tejido, el teñido y la costura. La materia prima tampoco dice nada sobre si los trabajadores reciben un salario justo o no”.

Hess concluye, por lo tanto: “Establecer el algodón orgánico como parámetro es un buen inicio, pero todavía no es suficiente para definir una prenda sustentable”. Esto significa que hay que prestar atención y buscar los sellos que certifiquen como sustentable en lo posible el proceso de producción en su totalidad.