“La Argentina fue una gran escuela”. Llegó a París sin saber hablar francés y hoy triunfa como un exótico diseñador de moda

Fuente: La Nación – Oriundo de Berazategui, Matías Cristino vive desde hace una década en “la ciudad de la luz” y habla de sus comienzos en el mundo del diseño y cómo logró encontrar su lugar en el extranjero.

Matías Cristino emigró sin querer. Luego de compartir con su familia su elección sexual y de crear una marca de moda, llegó a París sin hablar francés y se convirtió en el diseñador fetiche de Sacre Coeur.

“No me encuentro a mí mismo cuando más me busco. Me encuentro por sorpresa cuando menos lo espero”, dice el filósofo francés Michel De Montaigne y podría aplicarse a la historia de Matías. Él es el hijo menor de tres hermanos que fueron criados por su madre, su padre falleció cuando él era muy pequeño. Oriundo de Quilmes, vivió la gran parte de su infancia en Berazategui. Entre los recuerdos más preciados de su infancia están las tardes junto a sus amigos del barrio y la casita del árbol. Sin embargo, su adolescencia no fue tan alegre. En su interior, Matías sabía que no pertenecía allí. Intuía que no era el lugar para él.

Matías Cristino es oriundo de Berazategui
Matías Cristino es oriundo de Berazategui

“Siempre tuve gustos muy particulares, pero mi familia me aceptó así. Desde muy chico me gustaba la ropa. Mi mamá me cuenta que aún siendo pequeño, no quería que nadie eligiera mi ropa. Tenía un gusto definido, aún sin tener tantas herramientas como para llevarlo adelante. Mi familia era sencilla, de clase media a la que no le interesaban demasiado esas cosas”, cuenta.

Un momento bisagra en su vida fue cuando su hermana lo eligió para ser padrino de su primera sobrina. Tenía 18 años. Matías sintió que ese era el momento de compartir con su familia sus preferencias sexuales. “Creía que era importante que supiera exactamente a quien estaba eligiendo para su hija. A la par, saber quién era y que es lo que deseaba, me ayudó a cumplir un montón de metas en mi vida”, explica.

El buen gusto de la niñez, maduró con sofisticación. Reconoce que siempre se sintió atraído por “las cosas lindas”. El arte, el teatro, el vestuario, la arquitectura, los bellos objetos. “Creo que tener cosas lindas a mi lado me alimenta, me sanan, me ayuda, me hace sentir bien”, sostiene.

Matías primero quiso estudiar arquitectura, pero desistió al pensar que la carrera sería demasiado costosa. Por eso, se inclinó por la carrera de diseño de indumentaria. Allí una de sus profesoras vio su talento y le dijo que era “perfecto” para esa disciplina. “Fue un poco el azar. Aunque no llegué a ser arquitecto, me acerqué a algo parecido. Hago patronajes, que es algo cercano a hacer planos, pero del cuerpo. También aprendí a interpretar el deseo de la otra persona: qué le agrada y cómo desea verse”, cuenta.

Matías es el menor de tres hermanos
Matías es el menor de tres hermanos

En el 2010, Matías fue seleccionado para la segunda edición del reality Project Runway, un importante concurso televisivo de moda, viajó a Miami y se instaló allí por unos meses. “Fue el desafío perfecto para medir mis capacidades, mi tolerancia, mi facilidad para trabajar en equipo. Luego de esa especie de posgrado, me mudé a Recoleta, donde más tarde abrí mi primera tienda”, cuenta. En el concurso Matías obtuvo el segundo puesto.

“Las riendas de mi vida”

Antes abrir su propia tienda en Buenos Aires, Matías trabajó en las ferias de diseño de Palermo Soho, en Plaza Serrano hasta que dos socias que tenían una tienda lo descubrieron y lo contrataron para trabajar para ellas en la colección de su marca. Luego, otra marca también lo contrató para diseñar su colección.

Todo parecía marchar sobre ruedas, pero una tragedia familiar, el fallecimiento de su sobrina, lo impulsó a cambiar de rumbo. “Fue algo que me marcó a fuego. Un dolor muy fuerte que hizo que me replanteara muchas cosas y me impulsó a tomar las riendas de mi vida. Ahí sentí que quería dejar de trabajar para alguien y comenzar a hacerlo para mí”, explica.

Matías abrió su primera tienda en Juncal y Azcuénaga, en Recoleta.
Matías abrió su primera tienda en Juncal y Azcuénaga, en Recoleta.

Fue así que, apenas pasados sus 20, Matías abrió su primera tienda en Juncal y Azcuénaga, en Recoleta. Al comienzo era una multimarca de diseñadores. Luego, cuando obtuvo el segundo puesto en Proyect Runway, decidió reconvertir el local con su propio sello: Cristino by Matías Cristino. Llegó a tener cinco locales.

“Mi vida entonces se volvió un huracán. De repente me vi envuelto en un montón de cosas que no imaginaba. Yo era un diseñador, pero estaba pensando todo el día en cuestiones económicas: pagar sueldos, gestionar empleados, cancelar alquileres. Argentina entraba en crisis”, cuenta.

La situación del país no ayudaba. Desde que preparaba una colección hasta que salía a la venta los costos se multiplicaban y el valor de las prendas se encarecía demasiado. Para entonces, Matías se había casado y a su pareja le surgió la oportunidad de hacer un máster en Francia.

Fue una decisión difícil. Para los dos implicaba dejar muchas cosas. Habíamos viajado varias veces a París y nos gustaba mucho, aunque nunca fue mi sueño instalarme allí. Pero decidimos arriesgarnos. A finales de 2014 vendí todo y nos mudamos a París para empezar de nuevo″, cuenta.

“Aprovecho el lado latino de mi personalidad

Matías llegó a “la ciudad de la luz” sin hablar francés. Al principio no fue fácil, pero gracias a la ayuda de una clienta que vivía en París, lentamente, logró adaptarse. “Empecé a coser en un pequeño departamento de dieciocho metros cuadrados en el barrio de Montmartre. Una clienta me recomendó a otra, cada una que venía hablaba un poquito de español o venían con alguien que traducía. Era muy gracioso. Empecé a tener mucho trabajo. Hasta tuvimos que mudarnos a un departamento más grande, con una habitación extra para que yo pudiera poner mi taller”, cuenta.

En el nuevo departamento su profesión explotó más, lo que lo llevó a abrir su primera pequeña tienda cerca de Moulin Rouge. Hace todo allí, donde ahora diseña y produce todo a medida. Cuando mira en perspectiva, Matías asegura que “es emocionante” adaptarse a una nueva cultura.

Matías considera que París es una ciudad "hostil" que "no todo el mundo resiste".
Matías considera que París es una ciudad «hostil» que «no todo el mundo resiste».

Para Matías París es una ciudad muy competitiva. Todo el mundo quiere ir a triunfar allí. “Pero es una ciudad hostil. Hasta el clima es distinto: es gris, lluvioso. También hay que prepararse a eso. No todo el mundo resiste, no es para la gente blanda”, dice.

Reconoce que su mayor desafío fue adaptarse al modo de vida y a la cultura comercial. “Las cosas aquí son por barrios, cada uno tiene su propio centrito. Lo bueno es que la gente te busca. Cuando a alguien le gusta lo que haces, te sigue a donde vayas. Son muy fieles para el consumo de algo que les gusta. Aunque el reto más grande fue aprender la lengua e instalar un negocio acá, que no es nada fácil. Los impuestos son altísimos. Cuando llegué de la Argentina con muchos años de experiencia creía que me las sabía todas y acá me di cuenta que no era así. Aquí se consume de un modo completamente diferente. En París volví a encontrarme como diseñador. Hoy puedo decir que mi personalidad está plasmada en el diseño”, agrega.

"En París volví a encontrarme como diseñador", dice Matías
«En París volví a encontrarme como diseñador», dice Matías

Ahora, cada vez que Matías viene de visita a la Argentina se siente un turista. Es en París, es hoy donde se siente cómodo, con la puerta de su tienda abierta todo el día sin llave. También le agrada contar con más tiempo libre y no trabajar seis días a la semana. Piensa que ser extranjero, le dio un plus extra: “Soy un poco exótico en el buen sentido, con mi acento, cuando hablo francés, hace que tenga cierta sensualidad. Yo no lo escucho, pero ellos me lo marcaron. Así que aprovecho el lado latino de mi personalidad que para ellos es algo llamativo. La Argentina fue una gran escuela, me ayudó a enfrentarlo todo sin miedo, a estar preparado para lo que venga”, concluye.

El make up se renueva: los estilos que estarán de moda este invierno

Fuente: Clarín – El maquillaje es un recurso que permite expresarnos y comunicarnos a través de los colores, texturas y estilos. Y como todo lenguaje, está en constante evolución. Por eso, la nueva estación llega con muchas novedades en la materia.

La búsqueda de la naturalidad, por ejemplo, continúa afianzándose como uno de los acabados de maquillaje más buscados. Del look no-makeup pasamos al grunge de los años ‘90. Todo lo que se viene, en adelante.

Menos es más

“Para el otoño-invierno 2024, una de las tendencias más fuertes es el maquillaje natural, ese que se vale de la técnica make up no makeup para ofrecer un rostro que no parezca maquillado, pero que sí lo está”, adelanta Dai González, MAC National Artist.

Su máxima es el “menos es más” y busca entregar una piel saludable e iluminada con focos de color en ojos y labios. “Para conseguir estos looks se emplean texturas ligeras y mates y pequeños toques de glow que actúan como puntos de luz. En esta apuesta, sobresalen además las mejillas sonrojadas, donde los tonos durazno son protagonistas. Esta gama es ideal para darle frescura y juventud al rostro, ya que también se puede usar como sombra o labial y, encima, se adapta muy bien a la mayoría de los tonos de piel. En síntesis, es el turno de los maquillajes neutros, clásicos y súper cuidados”, amplía Dai González.Look “No makeup” con piel glowy en la pasarela de la marca Blue Sheep, en BAFWeek, by Avon. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.Look “No makeup” con piel glowy en la pasarela de la marca Blue Sheep, en BAFWeek, by Avon. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.

El marrón como nuevo negro

En esa línea se encuadra el Latte Look, un estilo muy de moda para usar todos los días. Esta nueva técnica se caracteriza por imitar los tonos y texturas de una taza de café con leche, buscando lograr un aspecto cálido y cómodo en el rostro. Para eso se emplean colores suaves y cremosos en la gama de los beige, marrones, crema y caramelo.

La clave de este maquillaje son los ojos, que lucen sombras esfumadas en tonos marrones y dorados. Sí, el marrón en una tonalidad chocolate es el nuevo negro”, agrega Carolina Calabria, Brand Manager Idraet Pro Make Up.

Por otro lado, la piel debe estar perfectamente hidratada para obtener el tan deseado efecto de cara saludable y sin signos de cansancio. “A juego con estos pasos, los labios tienen que ir en colores nude acompañados de un perfilador de un tono similar. En el maquillaje espresso no existe el rubor, por lo que basta con aplicar un poco de bronceador en polvo en el pómulo y en la nariz para que estas zonas ofrezcan el tono tostado característico del café cortado”, dice Calabria.

Heavy make up

Por su parte, Guadalupe Barreto, Key Make Up Artist de Avon en BAFWeek, sostiene que si bien las tendencias siguen apostando a pieles naturales, el look del momento es el que remite al grunge de los años ‘90.

“Es bien Rock & Glam porque los labios ostentan tonos intensos y oscuros y los ojos aparecen bien definidos por máscara de pestañas, sombras y/o delineadores negros o de tonalidades marrones oscuras. En esta propuesta, el rostro acompaña de manera sutil, con una piel no muy cargada y labios pincelados con gloss transparente o rosa”, relata Barreto.Sombras gráficas y estilo grunge en el desfile de Lovely Denim. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.Sombras gráficas y estilo grunge en el desfile de Lovely Denim. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.

Delineados de moda

Desde la marca Natura sostienen que esta temporada el delineado se consagra como el aliado esencial para cualquier look. Tanto que las últimas tendencias a nivel mundial lo posicionan como un recurso que invita a explorar la creatividad, puesto que da la posibilidad de experimentar con colores, texturas y trazos disruptivos.

Es una opción muy elegida por el público joven a la hora de asistir a festivales de música como Lollapalooza, por ejemplo, donde muchos aprovechan para dibujarse distintas figuras y formas alrededor de los ojos, siempre en tonos estridentes, con un estilo gráfico que aporta un impacto visual en la mirada.

El regreso del gloss

En cuanto a los labiales, vienen mucho en la gama de los rosas, dorados y rojos. Tanto es así que marcas especializadas como Lidherma lanzaron una cápsula de labios con cuatro lipglosses de textura fluida y fácil aplicación, en tonos rosé y champagne, nude y clear. “En los párpados, las sombras metálicas serán las estrellas del 2024. Se recomienda aplicarla en un solo color y con varias capas de máscara de pestañas”, aseguran desde la firma.

Por otra parte, el look nocturno de tendencia admite ojos escarchados que se trabajan con sombras satinadas y shimmer en distintas variantes de azules, plateados y peltre: aportan gran protagonismo y luminosidad a la mirada.Detalles debajo del ojo en sombra rosa y base natural en Kosiuko. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.Detalles debajo del ojo en sombra rosa y base natural en Kosiuko. Foto: Gentileza Avon, BAFWeek y Bang Comunicación.

Sin reglas fijas

Existe una norma no escrita en el mundo del maquillaje que muchos dan por válida desde hace tiempo: que si se recarga un ojo con un ahumado, por ejemplo, no se debe maquillar la boca de rojo. “Hoy esta máxima quedó en el recuerdo ya que no hay una verdad por la que no se deban sobrecargar ambas zonas. De hecho, esta última opción admite la posibilidad de lucir unos labios en color fríos como el rojo, borgoña o borravino”, confirma Calabria.

Ahora bien, para quienes prefieren solo pintarse la boca tras colocarse la base de maquillaje, lo ideal es que inviertan en un labial en la gama de los rojos mate, nude, rosados cremosos, amarronados o que ofrezcan acabados brillantes. Los expertos subrayan que para lograr unos labios ultra voluminosos conviene delinear los bordes de la boca con un tono más oscuro que el labial. Esta es una de las tendencias que más se viralizó en las redes, por cierto.Chanel. La firma apostó a los tonos neutros y labios “latte”, en su campaña de belleza otoño-invierno 2024. Foto: Gentileza Chanel.Chanel. La firma apostó a los tonos neutros y labios “latte”, en su campaña de belleza otoño-invierno 2024. Foto: Gentileza Chanel.

“Y si la idea es solo maquillarse los ojos, conviene elegir los tonos tierra, perlados y hasta los delineados esfumados en color. Eso sí, todo acompañado con mucha máscara de pestañas. Para los pómulos, además de los tonos duraznos, se llevan los rosados, las texturas translúcidas y los tonos dorados que son perfectos para enmarcar contornos y afinar el rostro pero de una manera natural y sin exagerar”, explica González.

Si bien siempre se puede duplicar la apuesta y aventurarse con tonos más vibrantes, las tendencias actuales se ajustan a un estilo más conservador. “Lo que importa es escuchar las necesidades de cada piel para utilizar los productos que sean más adecuados para cada tipo.Siempre se recomienda invertir en productos de cuidado que ayuden a mantener el cutis en las mejores condiciones. Está comprobado que una dermis bien cuidada proporciona la base perfecta para cualquier maquillaje, permite que los productos se apliquen de manera más uniforme y que el acabado final sea más natural y duradero.Y como la naturalidad es protagonista este año, es tiempo de despedirse de los contornos muy marcados así como de las cejas oscuras y las bases de alta cobertura”, explican desde Lidherma.

“En conclusión, en los últimos años las tendencias de make up ya no proponen de manera estructurada tonos y looks que se deban replicar tal cual se muestran en las pasarelas, si no que da la posibilidad de que cada uno pueda adaptarlo a su personalidad. Sin embargo, existen looks que van acorde a la ocasión que se presente, sobre todo si es un evento de día o de noche. La clave está en la forma en que se combinan los productos para crear un estilo que se ajuste al momento”, advierte Dai González.

Los diseñadores de Iara, elegidos de Mirtha Legrand: «Ya hicimos todo»

Fuente: Clarín – Mario Vidal y Edgardo Coton son los diseñadores de la marca Iara, con más de 43 años en el mundo de la alta costura. Con varias Tijeras en su haber -merecedores de la primera “Tijera de Oro” otorgada por la Cámara Argentina de la Moda, una “Tijera de Plata a la Mejor Colección” y el galardón “A la Trayectoria”- los Iara, como los bautizó Mirtha Legrand (una de sus emblemáticas clientas), dieron en 1989 un paso relevante al inaugurar su propia maison en la calle Peña. En este espacio continuaron haciendo alta costura, con vestidos de novia y de fiesta.

Encuentro sobre el agua

Empezaron en Galería del Sol, al frente de la tienda Harrod’s. ¿Por qué se llaman Iara? El nombre les pareció lindo, corto y de un significado interesante: Iara o Uiara viene del portugués y significa Madre del agua o Sirena, de acuerdo al folclore brasileño.

Tenían el sueño de poner una boutique y eran dos veintiañeros que se encontraron a bordo del vapor de la carrera, que navegaba entre Buenos Aires y Montevideo.

Nos cocimos hace 45 años. Yo viajaba para filmar una película de Olmedo y Porcel, y el bolo era en ese barco -dice Mario-. Edgardo iba como pasajero y era bailarín de danza moderna, actuaba en el teatro Solís, el Colón montevideano. Nos pasamos los teléfonos y cuando volvimos a Buenos Aires nos hablamos. Y aquí estamos. Juntos desde entonces.”

La de Mario y Edgardo es una historia de amor y de trabajo compartido. “Es algo muy fuerte. Se mezclan un poco las cosas, vamos a casa -agrega Edgardo- y discutimos por cuestiones laborales. Pero hay cosas más fuertes que las discusiones de trabajo.”Desfile. Presentaron su colección otoño-invierno 2024 en el Hipódromo de Palermo. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PRDesfile. Presentaron su colección otoño-invierno 2024 en el Hipódromo de Palermo. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PR

Roles compatibles

Mario es el artista que cose desde niño, desde el jardín de infantes. “Mi abuela me daba botones, aguja e hilo y los cosía en las cortinas de la casa. Tenía 6 años cuando mi tía se casó y usó ese vestido (muestra una foto, con una bella mujer y un traje despampanante) que me hizo estallar la cabeza. Se lo hizo una modista de San Justo y era descomunal. Mi aprendizaje fue la experiencia, la prueba y el error; siempre como autodidacta. Cuando me di cuenta, estaba haciendo colecciones y desfiles ¡Y vistiendo a Mirtha Legrand! En 1981 nos dieron la primera Tijera y eso nos hizo caer en la cuenta de lo que habíamos logrado. Pero fue en el año 1989 -un hito iniciático- cuando pusimos la casa de moda que queríamos, ésta en la que estamos.”

Edgardo cuenta que tras su paso por la danza moderna, fue profesor de danzas griegas durante un largo tiempo. “Al conocer a Mario me propuso lo de la moda y me encantó la idea. Era seguir en el arte con otro formato. Él hace todo lo que se ve y yo hago todo lo que no se ve. Atiendo la gente, hago también asesoría de imagen y llevo la empresa en cuanto a administración y compras, importación, ventas, pitos y flautas… aunque también diseño.”

Sobre cambios en la moda

A lo largo del tiempo ¿qué es lo que cambió y qué permanece en los vestidos de novia de Iara? “Lo que permanece es el estilo, porque tenemos un estilo propio -responde Edgardo-. Nos buscan por eso. Y aunque el rubro novias cambió, nosotros seguimos manteniendo la impronta de Iara. Es el vestido que toda mujer sueña desde chica, de alto impacto. Amplio, principesco, lánguido, sensual y de línea sirena. Que le dé protagonismo pero que la novia conserve su identidad. Que la novia no esté disfrazada de novia. Nos ocupamos de proponer desde los zapatos hasta el velo.”

¿Cómo interactúan con la novia que sabe lo que quiere y ustedes no están totalmente de acuerdo? Mario y Edgardo se miran y sonríen. “¡Se lo decimos directamente!”, responden. Cuentan con un perchero con diferentes propuestas y siempre va a haber algo para probarse y que se vea. Eso le abre la cabeza. Pero lo que no negociamos es nuestro sello. Hemos dejado de hacer vestidos por no gustarnos lo que pedía la clienta. Un vestido tiene que ser hermoso para la clienta, pero primero por nosotros.”Vestidos con tul, transparencias y encaje, todo en negro. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PRVestidos con tul, transparencias y encaje, todo en negro. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PR

El proceso de hacer un vestido

Dado que son piezas únicas -hacen alta costura- ¿cuál es el camino que conecta a la clienta que llega, hasta el momento en que sale con el vestido en la caja? “Tenemos una primera entrevista de un par de horas, hablamos del vestido que vamos a realizar y le tomamos las medidas. De esa entrevista, la novia se va con la fecha de su próxima prueba. Para ese momento ya habrá una toile del vestido. Se prueba y aquí pueden surgir o no cambios. Estos son ajustes de moldería para que el vestido resulte anatómico. Si todo está ok -dice Edgardo- corto el vestido y a partir de este momento hay cuatro pruebas más. Diez o quince días antes de la boda tiene su vestido terminado.”

Los Iara cuentan con un plantel estable de ayudantes. “Pero el vestido no lo delego -comenta Edgardo; lo hago yo con mis asistentes. Hay un tema con los oficios. La gente grande, experta, dejó de trabajar con la pandemia. La joven quiere ser diseñadora, y no hay quien cosa o borde. Por eso, contar con un equipo propio es importante. Aunque en pandemia hice los vestidos yo solo, de la primera a la última puntada. Puedo, tengo la capacidad de hacerlo; puedo realizar cada paso.”

Creatividad

¿Dónde se inspiran? La Inspiración para diseñar les viene de ver el mundo. “Todo el tiempo surgen ideas nuevas, pero siempre va a haber algo que ya hicimos, a lo largo de tanto tiempo transcurrido ¡Ya hicimos todo!”, dicen ambos riendo satisfechos. Al tener un estilo definido, recrean en torno a ese eje. “Nosotros dibujamos, resolvemos el diseño, a veces trabajamos con la tela sobre el maniquí, después se rectifica. “Nuestra inspiración constante es la mujer -dice Mario-, una mujer que quiere estar vestida a la moda y no quiere pasar inadvertida. Usamos géneros importados, no hay industria textil nacional. Para vestidos de fiesta, telas bordadas, algunas que bordamos a mano… También compramos telas bordadas pero las intervenimos. De ese modo logramos algo único. Nos gustan las muselinas, las gasas, las sedas naturales…”

¿Y de precios? Convengamos que los vestidos son de alta costura, tanto los de novia como los de fiesta. Los Iara no están dispuestos a dar cifras, pero dicen que lo que siempre los ha salvado -en momentos de crisis económicas- es no delirarse con los precios.Una propuesta total black. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PRUna propuesta total black. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PR

Alta costura y sustentabilidad

En Europa la impulsan los mismos clientes que ya no ven tan lógica la cultura de usar y tirar. ¿Ven factible hacer alta costura sostenible? “En ocasiones se puede. Hay vestidos que nos traen algunas clientas y los reversionamos. También están los que deshacemos y reutilizamos el género” dicen.

Sin duda, son las clientas las que toman conciencia y no se compran un vestido para usar una única vez. La realeza -Letizia de España y nuestra Máxima de los Países Bajos- dan prueba elocuente de esto. Si se trata de aplicar la filosofía de residuo cero, es decir que los sobrantes de tela, al cortarla, no sean enormes, los Iara dicen: “Cuidamos ese detalle. Cuando se puede trabajar con los moldes, cuidando el hilo o la caída de la tela, lo hacemos”.

Mirtha Legrand, una leyenda

Acaba de cumplir 97 años y los Iara hicieron los vestidos que lució en su programa y en la fiesta, a la que fueron invitados. “Ella estuvo ausente diez años de la tele; cuando volvió en 1990 a ATC, con escenografía de su marido Daniel Tinayre, nosotros soñábamos con hacer un desfile en su programa, Mirta para todos. Sonó el teléfono y era Héctor Vidal Rivas (responsable de su vestuario) que decía que la señora nos invitaba a hacer un desfile en su programa. ¡No lo podíamos creer! Tocamos el cielo con las manos. Ella nos había visto desde nuestros comienzos. Es nuestra clienta número uno y nuestra hada madrina. También fuimos al programa de Susana. Nos dieron un gran espaldarazo. Vestimos a muchas protagonistas de telenovelas de aquel momento, como Grecia Colmenares, Araceli González o Luisa Kuliok”, comenta Mario. Como diseñadores, admiran a Valentino, Lagerfeld y Chanel.Mario Vidal y Edgardo Coton en su desfile de la última edición de Argentina Fashion Week. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PRMario Vidal y Edgardo Coton en su desfile de la última edición de Argentina Fashion Week. Foto: Gentileza Argentina Fashion Week / Koifman PR

El buen y mal gusto

¿Existen objetivamente? “Sí. No tiene que ver con el dinero o las marcas. Es un criterio estético equivocado que te lleva a usar lo que no queda bien. El estilo libre, usar lo que uno quiere en vez de usar lo que queda bien, es desacertado. El gusto, bueno o malo, también está en quien diseña la prenda. La hechura, el color elegido o una costura impecable, eso es buen gusto. Un ruedo mal hecho es mal gusto”, agregan.

Edgardo y Mario prepararon vestidos negros para la pasada de su desfile en Argentina Fashion Week, en el Hipódromo de Palermo, y sus próximas presentaciones en Córdoba. Y siguen creando para sus nuevas clientas, porque la gente se sigue casando y festejando. Excelente noticia.

Pablo Ramírez diseñó los 400 trajes del vestuario de la ópera “Carmen” que se estrena en San Pablo

Fuente: TN – El 3 de mayo se conocerán las creaciones del talentoso modisto: la obra está ambientada en un taller de alta costura.

El famoso diseñador de moda Pablo Ramírezfue elegido para diseñar el vestuario de la ópera “Carmen”, que tendrá su gran estreno el 3 de mayo en el Theatro Municipal de San Pablo, Brasil.

Los bocetos del vestuario de Carmen by Pablo Ramírez. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)
Los bocetos del vestuario de Carmen by Pablo Ramírez. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)

El director escénico brasilero Jorge Takla propuso un nuevo entorno para la trama inspirado en la colección 2012 de Ramírez en honor a “Carmen”. De esta manera, esta versión del clásico de la lírica se desarrollará en un taller de alta costura en el contexto de la dictadura franquista española.

“Conocí a Takla a través de Nicolas Boni, escenógrafo rosarino, cuando hice en Rosario mi muestra Magia Negra. Hace años que Boni hace las escenografías para Takla y todo el mundo: hizo “Madame Butterfly“ en el Colón, la escenografía de “La novicia rebelde“ en Río de Janeiro y ahora está en Madrid haciendo “La vervena de la paloma“ en el Teatro de la Zarzuela. Con él hicimos Tosca y cuando en el 2012 vio mi desfile Carmen en el Teatro Colón pensó que tenía que hacer el vestuario de la ópera“, dice Pablo Ramírez para TN Estilo desde San Pablo, donde se queda hasta el gran estreno.

Video Placeholder

Pablo Ramírez desde Brasil en Nuestra Tarde.

“Es el vestuario más grande que hice en mi vida, 400 trajes y es una experiencia maravillosa“, agrega Ramírez, agregando que se ocupa de “absoluramente todo, desde elegir las telas hasta de ultimar todos los detalles“. “La verdad es que esto es maravilloso, lo estoy disfrurando muchísimo“, expresa contento.

La colección Carmen de Ramírez de presentó en el Teatro Colón. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)
La colección Carmen de Ramírez de presentó en el Teatro Colón. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)

Reconocido por su innovadora creatividad y su capacidad para fusionar lo clásico con lo contemporáneo, Ramírez aportará su estilo a esta obra de Georges Bizet.

“Jorge (Takla) es un director y productor con tantos años de experiencia en el mundo del teatro que para mi es un honor y un lujo haber sido convocado por alguien como él, para tener esta hermosa posibilidad, de que esta puesta está inspirada en mi colección”, confesó el hombre de negro de la moda argentina.

Otro vistazo a los figurines de los trajes de Carmen (Foto: Pablo Ramírez)
Otro vistazo a los figurines de los trajes de Carmen (Foto: Pablo Ramírez)

En ese sentido, el diseñador agregó: “El proceso fue muy intenso ya que se trata de una ópera muy grande donde hay, desde una puesta de escenografía muy espectacular, hasta más de 400 trajes diseñados y realizados especialmente para esto. El proceso fue muy intenso y rico, porque exploramos todas las posibilidades para llegar a este resultado final, donde cada acto tiene su propia paleta de color, sus texturas, las siluetas, y además hay pequeñas historias dentro de la historia principal”.

Boceto de Pablo Ramírez para la ópera Carmen. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)
Boceto de Pablo Ramírez para la ópera Carmen. (Foto: gentileza Pablo Ramírez)

Con una carrera que abarca más de tres décadas y un portafolio impresionante que incluye desde la moda hasta el teatro y el cine, Pablo Ramírez es ampliamente aclamado por su habilidad para capturar la esencia de cada personaje a través de sus diseños. Su participación en la producción de “Carmen” promete ofrecer una visión emocionante a esta obra atemporal, elevando aún más la experiencia para el público del Teatro Municipal de San Pablo.

Pablo Ramírez trabajando en el back del teatro en San Pablo. (Foto: @ramirezdenegro)
Pablo Ramírez trabajando en el back del teatro en San Pablo. (Foto: @ramirezdenegro)

Pablo Ramírez: biografía de un éxito

Desde sus inicios, Ramírez ha dejado su impronta en la moda, desafiando los paradigmas convencionales con su estilo marcado por una elegancia que evoca la estética del cine de las décadas de 1930, 1940 y 1950, con el color negro como su sello distintivo.

Ramírez ha presentado sus creaciones en las principales pasarelas del mundo, desde Buenos Aires hasta Nueva York, pasando por Estocolmo, Berlín, Madrid y Medellín.

Como vestuarista teatral, una de sus grandes pasiones, en 2017 creó los trajes para la ópera Tosca en el Teatro Solís de Montevideo, Uruguay, y colaboró con renombrados directores como Alfredo Arias en diversas producciones teatrales.

En 2022, fue aclamado por su trabajo en la versión de Bodas de sangre en el Teatro San Martín, con una escenografía a cargo de Guillermo Kuitca.

Pablo Ramírez diseñó el vestuario de "Bodas de Sangre" del Teatro San Martín (Foto: prensa del Teatro)
Pablo Ramírez diseñó el vestuario de «Bodas de Sangre» del Teatro San Martín (Foto: prensa del Teatro)

Pero su impacto no se limita al diseño; ha participado en proyectos multidisciplinarios que fusionan moda, literatura y arte, como la reinterpretación del vestuario de Eva Duarte de Perón para acompañar la presentación del libro “Evita frente al espejo” en 2023.

Además, ha colaborado estrechamente con músicos icónicos, creando vestuarios memorables para artistas como Gustavo Cerati y Fito Páez en conciertos y giras emblemáticas.

El icónico traje de Principito sanmartiniano que Ramírez diseñó para Cerati (Foto: Sony)
El icónico traje de Principito sanmartiniano que Ramírez diseñó para Cerati (Foto: Sony)

Los reconocimientos nacionales e internacionales completan su extenso curriculum: en 2005, la prestigiosa editorial británica Phaidon lo incluyó en su libro “Sample-100 Fashion Designers-010 Curators”, donde seleccionó a los 100 diseñadores más influyentes a nivel mundial.

Diseñadora jujeña expondrá en la Semana del Diseño en Milán

Fuente: Todo Jujuy – Illari Puna se llama la colección de textiles que será mostrado en Italia y está encabezada por la jujeña Magdalena Sánchez de Bustamante.

Del 16 al 21 de abril se llevará a cabo la Semana del Diseño en Milán y por primera vez, Illari Puna presentará Willka Hilos Sagrados, una colección de textiles que se exhibirá en el Espacio de Mosca Partners “Design Variations 2024”, un garaje ubicado en la zona de la Dársena.

Illari Puna es un proyecto que nació hace veinte años en el norte argentino, que combina el desarrollo rural con identidad cultural y una mirada empresarial, y está encabezado por la jujeña Magdalena Sánchez de Bustamante. Presentará sus nuevas alfombras, ponchos, almohadones, todas piezas únicas hechas a mano.

Esta iniciativa busca crear un sistema sostenible que articule a los productores de camélidos y ovejas, y artesanas de los pueblos originarios, con mercados conscientes. Se inspira en el encuentro entre la demanda dinámica contemporánea global y la producción tradicional sostenible hecha a mano, de las culturas andinas.

En ese sentido, Magdalena le comentó a Canal 4 que «el día jueves ya partimos a Milán a esta feria de diseño que se hace todos los años Milán. Este proyecto nace desde que era muy chica, yo soy antropóloga, eso me permitió entender y conocer mucho más la cultura jujeña y principalmente lo que a mí me apasiona es el textil andino».

«Esto es un espacio de diseño de interiorismo. Entonces hemos armado una línea, una colección de alfombras, mantas y almohadones y también vamos a presentar una línea de ponchos», dijo y añadió que «nosotros trabajamos principalmente en llamas y ahora vamos a llevar una pequeña colección muy chiquita de vicuña también. La idea es esa es mostrar nuestra fibra trabajada por los artesanos de la región y sobre todo un producto hecho a mano. Entonces estamos colaborando también con las mujeres para que puedan hacer un producto hecho a mano, que no se pierda ese tejido y que tengan una salida laboral».

«Nosotros hacemos énfasis en el trabajo manual, es todo hecho a mano y lavado a mano. No tenemos ningún tipo de industrialización en el proceso de manufactura», concluyó.

Illari Puna adopta las iniciativas sustentables desde tres perspectivas

Illari Puna en la Semana del Diseño de Milán.

Illari Puna en la Semana del Diseño de Milán.

-Ecológica: con productos ecológicos regenerativos.

-Cultural: manteniendo y recreando cultura ancestral

-Económica: Insertando con precios justos a los artesanos en la globalidad.

Actualmente Illari Puna tiene construida una red de productores, artesanas y diseñadores, allí busca crear una articulación comercial permanentes entre los sectores de mercados globales de altos ingresos con sus productos

El mensaje de Illari Puna a sus consumidores es el siguiente: “Que cada persona sienta que puede colaborar en la disminución de la desigualdad social, la pobreza, la equidad de género, el respeto a la diversidad cultural y el calentamiento global especialmente por la crisis del agua”, comenta Magdalena.

Invierno 2024: estos serán los colores tendencia de la próxima estación

Fuente: Perfil – Cuatro tonalidades que serán tendencia en la época más fría del año, mucho más del blanco y negro.

Estamos entrando en el otoño, y con él todos los colores que van a marcar tendencia este año. Desde alternativas súper power, hasta tonos más clásicos ideales para equilibrar con paletas más fuertes y generar contraste. El invierno se anima a otros tonos y nos da ideas para jugarnos por más y hacer mix and match únicos en esta época de frío. 

Los colores de temporada suelen estar influenciados por una combinación de factores, incluyendo las tendencias de la moda, los cambios estacionales, el estado de ánimo cultural y las preferencias estéticas del momento. Aquí hay algunas razones por las cuales ciertos colores pueden considerarse «colores de temporada»:

  1. Tendencias de la moda: Los diseñadores y las casas de moda a menudo presentan colecciones estacionales que incluyen una paleta de colores específica. Estas tendencias de la moda pueden ser influenciadas por desfiles de moda, diseñadores influyentes, revistas de moda y celebridades.
  2. Cambios estacionales: Los colores de temporada a menudo reflejan los cambios naturales en el entorno durante las diferentes estaciones del año. Por ejemplo, los tonos cálidos y vibrantes pueden ser populares en primavera y verano, mientras que los colores más oscuros y apagados pueden predominar en otoño e invierno.
  3. Estado de ánimo cultural: Los colores de temporada pueden reflejar el estado de ánimo general de la sociedad en un momento dado. Por ejemplo, en tiempos de incertidumbre económica o política, es posible que los colores más sobrios y tranquilos estén de moda, mientras que en momentos de optimismo y celebración, los colores brillantes y alegres pueden ser más populares.
  4. Influencia de eventos y festividades: Las festividades y eventos culturales también pueden influir en los colores de temporada. Por ejemplo, durante las festividades navideñas, los colores rojo, verde y dorado suelen ser prominentes, mientras que durante la temporada de primavera, los tonos pastel y florales pueden estar de moda.
  5. Preferencias estéticas: Finalmente, los colores de temporada también pueden estar influenciados por las preferencias estéticas y emocionales del momento. Los colores que evocan sensaciones de calma, energía o nostalgia pueden ganar popularidad dependiendo de las tendencias culturales y sociales.

Los colores de temporada

Rojo Cherry: lo vamos a ver en tapados, sacones, remeras con estampas e incluso en labios. El Cherry red es un color muy llamativo y con mucho carácter, que a su vez conlleva muchas connotaciones visuales.

Marrón chocolate: ganará protagonismo en pantalones, camperas, cinturones y trench. También será parte de los accesorios, como aros en este mismo tono . Se trata del New black, un color comodín que combina con todo y es atemporal.

Celeste lightblue:  viene pisando fuerte desde hace varias temporadas. Tanto en vestidos, como en camisas, monos y chalecos o blazers cortos. Está asociado  a la serenidad y a la confianza, y se posiciona como uno de los colores clave para este 2024.

Gris: tan clásico y combinable que no podemos dejar de usarlo. Ideal para conjuntos de dos piezas, ya sea en pantalones , con blazers o chalecos. También estará presente en pantalones cargo y trench. El color gris es un color neutro, un básico y uno de los tonos comodín que deberíamos tener en nuestro fondo de armario.

De esta manera, el otoño-Invierno 2024 nos invita a  a jugar con nuestra creatividad y estilo personal. Ya desde las pasarelas internacionales se anunciaron estos colores en tendencia. Como siempre esas pasadas “Habrá mucha variedad en tonos, prendas y texturas para armar outfits con combinaciones audaces y otras más casuales para todo tipo de estilos”, explica Rodríguez López de Osornio, dueña de la marca Sor Juana. 

at redacción Marie Claire

La original tendencia ecológica en mochilas que combina moda y comodidad

Fuente: MDZ – Sustentabilidad, resistencia y versatilidad: estas tres características definen a la perfección las mochilas más cancheras del 2024. ¡Conoce de qué se trata!

Las mochilas son nuestra primera opción a la hora de asistir al colegio, la universidad, un viaje o un largo día en la oficina. Combinando comodidad y espacio, este complemento es un ítem que jamás puede faltar en nuestros percheros y que debe ser renovado constantemente.

Si a esas cualidades con las que ya cuentan las mochilas, les añadimos sustentabilidad, entonces estamos frente a un combo ideal. Es que la nueva tendencia marca la fusión entre estas características y la posibilidad de aportar un granito de arena a zonas naturales de Argentina. ¿De qué manera? Gracias a la creación de mochilas con papel kraft.

Wandergreen es una marca argentina que se especializa en mochilas realizadas con papel kraft. Foto: Instagram @wandergreen.arg

Wandergreen es la marca de diseño nacional que se adentró en el mundo de las mochilas y quiso lograr que este producto tan buscado en la vida actual, tuviera el plus de ayudar a la naturaleza mediante un material original como el papel kraft.

“El papel Kraft es material eco-friendly. Es fuerte, duradero y permite ser reciclado 100%”, comenta Ignacio Ciarroca, creador de Wandergreen, cuyo objetivo es convertir este material simple en una tela resistente, vegana y lavable. Además de caracterizarse por su resistencia y durabilidad, el papel kraft cuenta con distintos beneficios que lo convierten en un producto más especial:

Ecológico, resistente y duradero: así son las mochilas de esta innovadora marca. Foto: Instagram @wandergreen.arg 
  • Ofrece diferentes utilidades: transportar, empaquetar, embalar, proteger.
  • Con tecnlogía alemana el papel se convierta en una tela resistente, con un aspecto similar al cuero, pero que mantiene la textura única del papel kraft. ¡Por ejemplo las mochilas soportan hasta 10kg!
  • Su estética natural ha hecho que sea un material muy empleado en los últimos años en el sector del diseño. Si bien a los ojos es similar al cuero, se diferencia en que es lavable, cruelty free y se puede reciclar.
  • El papel kraft vegano tiene solo 0.55mm de espesor, lo que hace productos muy livianos y muy cómodos de llevar en tus espaldas.

Esta tendencia es, sin dudas, una de las más aplaudidas en el sector de la moda gracias a sus múltiples cualidades, pero los chicos de Wandergreen no se quedaron solo en eso. La firma especializada en mochilas y accesorios de viaje cuenta con una misión ecológica única: por cada producto vendido, dona un árbol para ayudar a reforestar la Patagonia. 

Algunas influencers, como Virginia Da Cunha, ya las eligen para su dia a dia. Foto: Instagram @virginiadacunha.

Y no solo eso, sino que también fomenta la inclusión socio laboral de personas con discapacidad en conjunto con la fundación IDEL (Inclusión y Desarrollo Laboral). Es decir que junto a la sustentabilidad, se le añaden el amor por la naturaleza y la responsabilidad empresarial de integrar a sectores de la población, que comúnmente son rechazados en cuanto a la posibilidad de acceder a un trabajo.

Una iniciativa diferente, innovadora y original que se une a las tendencias actuales y colabora con la naturaleza. Este año, ¡no olvides renovar tu mochila!

Alta costura y diseño en Argentina Fashion Week

Fuente: Ámbito – Los diseñadores Gabriel Lage (de Argentina) y como invitado especial, Roberto Diz (de España) presentaron sus colecciones en el marco de la Semana de la Moda en Buenos Aires en la Embajada de España en Buenos Aires.

La Embajada de España en Buenos Aires fue escenario de Argentina Fashion Week. El diseñador argentino Gabriel Lage presentó su nueva Colección Haute Couture 2024. Cada pieza ha sido elaborada con auténtico trabajo artesanal desde su origen, plasmada desde su nacimiento en el dibujo original que fuera realizado por el diseñador.

En esta presentación se entrelazaron colores metálicos como el dorado y el plata hasta tonalidades de fuerte personalidad, sobre la base de un tono neutro como el negro o sobre la luz que irradia un matiz piel.

Engalanadas por trabajos íntegramente realizados a mano en hilos de seda abstractos o florales, impregnando a cada vestido de elegancia y frescura, como así también los bordados en cristales pensados para cada una de las piezas absolutamente ejecutados por las talentosas manos de las artesanas.

Para su debut en Argentina Fashion Week, la colección de Roberto Diz recreó el espíritu de la marca. El diseñador presentó en quince looks su ADN en una colección tenida de negro, color fetiche del diseñador en la que se podrá observar su pasión por los volúmenes, la historia de la moda, haciendo guiños a gran Cristóbal Balenciaga y a Monsieur Dior, pero con el toque oscuro y un tanto escandaloso de uno de los diseñadores más transgresores, pero a la vez más elegantes del panorama español.

Tejidos tecnológicos, seda, cristal, cinturas de avispa, hombros marcados y un glamour que recuerda el viejo Hollywood inundan esta muestra que el diseñador y su equipo trasladan desde el otro lado del Atlántico.

María Belén Ludueña, Flavia Palmiero, Nequi Galotti, Evelyn Sheild, Taina Laurino, Anamá Ferreyra, Teresa Calandra (quien también desfiló para el español), Barbie Simmons, Marisa Koifman (a cargo de PR del evento), Flor Florio, Adriana Constantini, Marcela Gottlieb, Francisco Ayala, Marcelo Senra, la Dra Diana Chugri, Ana Torrejón, la influencer top Atenas Hernández, la modelo e influencer de Paraguay Michelle Chase Bendin, Fabián Medina Flores, Lucía Miranda, embajadores de varios países estuvieron presentes, así como también autoridades, entre otros.

La moda de los noventa regresó con fuerza y se renueva en los accesorios

Fuente: MDZ – En un mundo donde la moda es un constante ciclo, los aros noventeros resurgen con un maximalismo dorado, llevando la nostalgia de una década que sigue inspirando y marcando tendencia en el siglo XXI.

La moda de los años noventa ha regresado con fuerza, y esta vez, ha decidido conquistar nuestros gustos con una obsesión por los aros o pendientes de gran tamaño. Desde lágrimas a corazones, y con el oro como estandarte, estas joyas noventeras están marcando la pauta en la temporada actual, fusionando la alta joyería con las propuestas más accesibles de bisutería.

Muchas marcas de renombre se destacan por sus colecciones nuevas de aros:

Mango: Nos presenta diseños de grandes dimensiones, con un metal entrelazado que evoca la esencia de la década. 

Drew Barrymore y Liv Tyler: Íconos indiscutibles de la Generación X, resurge en la propuesta de Sézane con corazones en latón dorado y estaño.

Cartier: Eleva la tendencia a objeto de lujo con su diseño Trinity, engastado con 71 diamantes talla brillante.

Gucci: Siempre audaz, revaloriza su nombre y logo con unos aros dorados de la colección Marina Chain, resaltando la importancia de la joyería como lienzo sugerente para las firmas de lujo en los años noventa.

&Other Stories, Pull&Bear, Pertegaz, y Leandra Studio: Exploran la diversidad de estilos que caracterizaron esta época, desde aros compactos con relieve concéntrico hasta diseños barrocos de inspiración en la serie ‘Dinastía’.

Lefties: Nos ofrece un pack que rinde homenaje a la bisutería noventera con tres diseños geométricos inacabados y engarzados.

La moda, en constante cambios y giros en la historia, se hace presente en los aros noventeros, a la que se suman muchas marcas importantes a esta tendencia, pero aun así se pueden encontrar los mismos en muchas otras marcas y locales a un menor precio.

Estos son algunos de los modelos noventeros que están en tendencia:

Foto: Freepik
Foto: Freepik
Foto: Freepik
Foto: Freepik
Foto: Freepik

Presidentes y empresarios: ¿Deben respetar el protocolo al vestir?

Fuente: Perfil – Con un mandatario argentino tan poco convencional, el valor de la tradición vuelve a cuestionarse. Look y política. Reglas en las corporaciones.

Los pelos revueltos como si acabara de salir de la cama, la campera de cuero omnipresente y la arenga libertaria siempre en la punta de la lengua. El estilo de Javier Milei puede crispar a cualquier especialista en ceremonial y protocolo. Pero está lejos de ser el único político que se aleja de las formas en pos de ser más fiel a sí mismo (o de intentar mostrarse más cercano al pueblo). Las camisas sin corbata de los hombres del Pro, la chaqueta étnica de Evo Morales o la birome Bic con la que firmaba los decretos Néstor Kirchner son solo algunas muestras de las tantas veces que las figuras públicas han despreciado las normas tradicionales. Formas que, según los especialistas, sirven para saber qué hacer y cómo actuar en diferentes situaciones, brindando una base común de comportamiento que hace que todo fluya mejor. Así, aunque podrían parecer reglas anticuadas para el mundo volátil y vertiginoso en el que vivimos, tienden puentes vitales de convivencia.

Horacio Rodríguez Larreta

Sin traicionar la esencia

Karina Villela, directora del Centro Diplomacia y reconocida consultora en protocolo internacional e imagen pública, asegura que una crisis como la que nos encontramos transitando es el contexto ideal para volver a las formas. Pero si observa la nueva administración presidencial, puede ver dos corrientes. Una, muy atractiva para los especialistas en protocolo: “Los grandes actos oficiales volvieron a tener esplendor. Se volvieron a cuidar y a utilizar los símbolos patrios”, relata. La escolta del Regimiento de Granaderos a Caballo en la asunción o el uso de la banda presidencial en el discurso inaugural de la Asamblea Legislativa son algunos de los gestos que han vuelto a dotar de brillo patriótico las ceremonias oficiales.

Karina Vilella

La segunda corriente tiene que ver con la disrupción que implica la figura de Javier Milei. “Se va de las formas de representación de lo que es un jefe de Estado y moderniza esa imagen con el no uso de traje cuando está trabajando, la campera de cuero, el cabello un tanto ajeno a la formalidad”, describe. Aunque encuentra un contrapunto en el ejemplo del mandatario de Canadá, Justin Trudeau, quien utiliza medias de colores con estampas de dibujitos animados, confiesa que preferiría que sea atuviera más al protocolo. “Estamos transitando un momento difícil, y es importante entender que la disciplina de orden y forma lo único que hace es ayudarnos a que las cosas salgan más fáciles”, apunta.

La especialista marca que esto es especialmente importante cuando se lidia con referentes de otros países, ya que en el mundo tiene mucha relevancia el respeto al protocolo. En este sentido, marca el buen ejemplo de la reina Máxima, quien puede animarse a bailar en un pueblo donde la reciben con la danza típica, pero jamás lo haría en un acto oficial, o que usa el animal print en los espacios correctos, pero sin romper el protocolo. “Logra ser ella con su esencia y cumplir su rol y función a la perfección”.

La pose cercana

La defensa libertaria suele aludir a que esta lejanía del protocolo responde a que lo que prima en Milei es la pasión. Según su entorno, sería imposible que abandonara su “viva la libertad, carajo” en pos de las formas, porque dejaría de ser él. Vilella retruca que lo que sirvió para llegar hasta la presidencia no necesariamente es lo correcto para ejercer como Jefe de Estado. “Lo ejemplifico con otra figura: Mauricio Macri cerró cada acto de campaña camino a la presidencia con un bailecito, y estuvo perfecto. Pero cuando asumió, se puso los atributos y salió al balcón de la Casa Rosada bailando, estuvo mal”, apunta.

Mauricio Macri

También es común que los políticos rompan el protocolo adrede, en pos de mostrarse más cercanos a la gente. Un caso conocido es el de Horacio Rodríguez Larreta, quien utilizó remeras grises, blancas o negras de cuello redondo para diversas conferencias y presentaciones, y que en los casos más formales siempre dejó de lado la corbata. Para Vilella, esta idea de que abandonar las reglas de etiqueta acerca a la política al pueblo es una mala interpretación de los especialistas en comunicación política. “La seducción del voto va más allá del vestuario puntual. Si no desarrollás un carisma y no le llegás a la gente, no te va a dar el voto”, sostiene.

La capacitadora en ceremonial y protocolo Edith Cortelezzi, autora del libro “Buenos modales, mejores negocios” (Grijalbo) apunta que ya no se espera que un político o funcionario ande siempre de traje, y que es aceptable que se acerque a un evento al aire libre o a una reunión con vecinos en ropa deportiva, pero no debería llevar remeras con textos o partidarias. “Algunos líderes optan por un estilo más cercano a la gente. Puede ser efectivo para conectar, pero debe equilibrarse con la seriedad del cargo. Mostrando cercanía pero sin perder la formalidad necesaria”, recomienda.

Máxima

Cortelezzi también marca la necesidad de adecuarse al protocolo especialmente en los viajes. “La imagen del país está en juego, por lo que se deben respetar las costumbres y adaptarse”, apunta. Cuenta que deben llevarse corbatas de seda cuyo largo llegue hasta el cinturón y hagan juego con el color del traje, que si la persona está de pie debe llevar el saco abrochado con el botón del medio, que el puño de la camisa debe sobresalir de la manga alrededor de 2 cms y que es necesario el uso de camisa blanca en los actos formales.

En la empresa

Pero no solo en lo público es preciso atenerse al protocolo. El mundo laboral también implica una cierta etiqueta. Desde el inicio, es importante saber, por ejemplo, cómo vestirse para una entrevista de trabajo. Cortelezzi apunta que lo primero es pensar en el perfil de la empresa donde se desea trabajar. “Si es un banco, saco y pantalón, sin corbata ni calzado de vestir, pero también sin zapatillas aunque sean tendencia. Si es una empresa de publicidad o producción de espectáculos, el vestuario puede ser más descontracturado”, recomienda. Y algunos gestos fundamentales: no tomar asiento hasta que el entrevistador haya invitado a hacerlo, no apoyar las llaves o el celular sobre el escritorio y ser puntuales.

Una vez empleados, en líneas generales el protocolo de vestimenta debe ser formal y conservador. Pero existen datos que no todos conocen. Por ejemplo, que los hombres deben cuidarse de no usar colores que tradicionalmente están reservados para altos ejecutivos, como el azul noche, negro o gris oscuro. O que los zapatos deberían ser cerrados y elegantes. Para las mujeres, la recomendación es un tailleur o falda y camisa en tonos oscuros, con zapatos cerrados con taco bajo. “Usar faldas hasta la mitad de las rodillas, no a las transparencias, escotes llamativos o pantalones muy ajustados y preferir accesorios discretos y maquillaje sin estridencias”, enumera la especialista.

Mujer

Pero el ecosistema laboral también incluye a empresas más jóvenes y frescas, e incluso “start ups” súper descontracturadas. ¿Cómo actuar entonces? Según Andy Faerman, consultora de moda en @thematehouse y asesora en su propia cuenta, @andyfaerman, en compañías con un enfoque más relajado se prioriza la comodidad y la expresión personal, fomentando un ambiente creativo y productivo. Esto puede traducirse en “pantalones chinos y camisas en tejidos suaves, optando por colores neutros”. Cuando se aplica el “casual Friday” y los viernes se admiten looks más distendidos, la especialista recomienda mantener la ropa y el calzado en buen estado, para reflejar profesionalismo y respeto por el rol dentro de la institución. Sobre todo, evitar prendas provocadoras y de ejercicio.

Pero desde la pandemia en adelante, la flexibilización es notoria. La comodidad ha pasado a ser prioritaria, y los gen Z y millennials esperan que los ambientes de trabajo les permitan un protocolo más relajado. “Estas generaciones han sido influenciadas significativamente por cambios culturales y tecnológicos que han redefinido las expectativas en varios ámbitos de la vida, y las empresas han flexibilizado sus reglas para atraer al talento más joven”, describe Faerman.

De todos modos, la ropa nunca es un punto menor. La vestimenta comunica aspectos de nuestra personalidad y profesionalismo y es una herramienta fundamental de comunicación no verbal, por lo que debe alinearse con el mensaje que queremos transmitir. “El valor que le damos a tomarnos el tiempo de vernos profesionales siempre es percibido dentro de las organizaciones”, sintetiza la especialista. Mejor no relajarse demasiado.