Fuente: El Marplatense ~ “Queremos que esto sea una oportunidad para todas las personas que aman la moda, pero por sobre todo que anhelan encontrarse a sí mismos, respetando la forma en que cada cual se percibe y disfrutando del camino”.
Este curso avalado por la Cámara de la Industria de la Moda de Mar del Plata, CIMMAR, está diseñado para que cada persona pueda sacar el máximo provecho a su talento, descubrir sus puntos fuertes y superar sus inseguridades, trabajando sobre su valor y confianza.
“Amamos ser parte de esa transformación mejorando la actitud y postura, contribuyendo en el desarrollo de cada personalidad, fortaleciendo la confianza en la propia imagen, proyectando y transmitiendo el lenguaje visual a través de la moda, con más creatividad y elegancia, tanto en la pasarela y en la gráfica como en las actividades cotidianas y profesionales que desarrollen”.
DOT Escuela de Modelaje – Imagen Personal y Empresarial, de la mano de sus Directoras, Eugenia Vittino y Silvia Giovinazzi, trae la oportunidad del encuentro y para eso es necesario un entorno confortable donde aprender, practicar y ensayar junto a quienes comparten intereses comunes, y un equipo constantemente capacitado, con experiencia en moda, imagen, arte, estética, enseñanza, eventos, desfiles, rodajes, televisión, fotografía, producción, publicidad y periodismo listos para formar y entrenar ese talento, desarrollar sentido de pertenencia, superación conjunta y compañerismo.
Además, en este recorrido que DOT propone a la ciudad también se desarrollarán distintas disciplina tales como:
● PASARELA ● EXPRESIÓN CORPORAL Y MOVIMIENTO ● SHOOTING FOTOGRAFICO Y VIDEO ● MAQUILLAJE ● COLORIMETRÍA ● CEREMONIAL Y PROTOCOLO ● NUTRICION Y ALIMENTACION ● LEGISLACIÓN ● COACHING ● ACTUACIÓN ● FONIATRÍA Y ORATORIA ● REDES ● PELUQUERÍA Y ESTILISMO ● CASTING ● ACTIVIDAD FÍSICA SALUDABLE ● ESTETICISMO ● TEORÍA Y CONVERSATORIO
Todos profesionales de la ciudad quienes comparten su conocimiento, experiencia y amor por la imagen, la estética y la moda.
Y como broche de oro, el curso contará con una MASTER CLASS a cargo de una reconocidísima figura que nos contará su recorrido y experiencia en el mundo de la moda.
Fuente: Clarín ~ La nueva temporada arriba con diseños cómodos y prácticos pero en clave chic. Además de una reversión del homewear (ropa para estar en casa) que se afianzó durante el período del aislamiento social y obligatorio, se impone el ecocuero, el chaleco, la sastrería holgada y los metalizados. Todo sin descuidar temas como la identidad de género y la ecología.
“La industria textil es la primera en interpretar los cambios de la sociedad, que ahora reclama comodidad”, apunta el diseñador Benito Fernández, quien acaba de lanzar una cápsula de zapatillas sin género con Topper. Y suma: “En respuesta, la ropa más suelta y mórbida, las zapatillas y las texturas como el algodón y la lana vienen con todo en pos de ofrecer looks bien relajados. A su vez, otras morfologías que sobresalen son los pantalones holgados de talle alto, las ruanas, las capas, y los abrigos como las camperas de jean y las bombers. También se viene la incorporación del corderoy en diferentes formatos de pantalones y mucho color pero en clave otoñal”.
Del último desfile virtual de Stella McCartney.
Por su parte, la diseñadora de indumentaria y asesora de imagen Carolina Aubele, sostiene que ahora la moda urbana en clave ecléctica es una de las tendencias más fuertes. “Los diseños onda cuarentena continúan presentes pero en versión chic, ya que la idea es maridar prendas deportivas y joggings con buenos tapados u otros diseños más glamorosos.”
En esa línea, aporta, vale llevar un vestido de saten tipo viso (slip dress) con un suéter grandote encima y medias con pantuflas. “En la calle, también se abren paso los looks en blanco total (total white) en todo tipo de texturas, desde casuales como jean y jerseys suaves hasta sastrería; las camisas y vestidos de poplin blanco que surgen como un rediseño de la camisa de hombre; los mom jeans y los tipo skaters (baggy) bien rectos, amplios y de tiro alto marcando la cintura; y los escotes profundos.”
La moda actual se inclina hacia lo urbano, con prendas fáciles de usar y de poder adquirir sin probar, vía online.
Claudio Cosano
En cuanto a la silueta, Aubele remarca que sobresalen las mangas infladas, los hombros marcados (a veces con hombreras), la cintura entallada y las prendas que se amplían en las piernas. “Una regla básica para no fallar con el outfit es contrarrestar las prendas oversize con otras híper sexies”, agrega.
Colores y estilos
“Dada la interrupción de las bodas y los eventos especiales producto de la pandemia, las tendencias de la moda actualse inclinan más hacia lo urbano, con prendas fáciles de usar y de poder adquirir sin probar, vía online, que es el nuevo sistema de ventas”, aporta el diseñador Claudio Cosano.
“Tanto es así que estoy diseñando una colección Pret Couture lista para comprar que se divide en dos bloques: uno donde el denim es protagonista en vestidos, conjuntos y trajes que también ostentan cuero y muchos bordados en piedras para que la mujer se sienta muy bien vestida pero con la informalidad que da el jean; y por el otro, una línea dedicada a la lana con vestidos, tapados y enteritos que también suman cuero o brocados, que son súper femeninos, cómodos y prácticos. La nueva estación arriba con una paleta que abarca desde colores plenos hasta la dupla black&white, los grises y el camel.”
Pantalones holgados y campera de jeans de la colección de Benito Fernández.
En sintonía, los brillos también ganan terreno en todo tipo de tipologías. “Una manera de incorporarlos es a través de las texturas, que esta vez suman versiones metalizadas para componer vestidos y pantalones, así como accesorios y botas. Esta opción, que se usa tanto para el día como para la noche, convive con tejidos de punto, denim, cuero y géneros acolchados que se ven especialmente en abrigos. Este invierno también le hace un lugar al romanticismo; de hecho, la nota romántica se evidencia en los cuellos y puños de camisas y sacos que ahora se revisten de encaje y broderie, mientras que los volados y las asimetrías aportan frescura a los looks más novedosos. En este marco, las estampas abarcan desde cuadros y espigas hasta animal print y motivos inspirados en la naturaleza que reflejan el aumento de la conciencia ambiental”, precisa Laura Malpeli, asesora de imagen y directora de Styletto.
La consigna de esta temporada consiste en invertir en piezas que tenga múltiples usos y que perduren a través del tiempo.
Evangelina Bomparola
Y agrega: “La paleta de colores de la nueva estación también es una expresión de los cambios culturales que estamos viviendo. Por citar algunos casos, los colores neutros (beige, gris topo y azules) derivan del movimiento sostenible y slow de la moda demandado por los consumidores, mientras que los tonos de inspiración ecológica (amarillo, naranja, rojo y rosa en distintas intensidades) surgen de la necesidad de reconectarnos con el entorno natural”.
La marca de la pandemia
Sobre este punto, Evangelina Bomparola, directora creativa de su marca homónima, agrega que “la consigna de esta temporada consiste en invertir en piezas que tenga múltiples usos y que perduren a través del tiempo. Un buen diseño de pantalón confeccionado en un material de calidad debería, de este modo, poder combinarse con zapatillas, borceguíes o tacos según el momento u ocasión; así como un abrigo de esta temporada tendría que poder atravesar los inviernos siguientes y conservar su vigencia”.
Para Yamila Pica, asesora de imagen y estilo, las propuestas que veremos esta temporada son producto de cómo la pandemia de Covid-19 atravesó la sociedad y la industria reinterpretó los distintos cambios de mentalidad que se gestaron durante ese fenómeno.
“Así, el estilo oversize, que el año pasado prevaleció en los looks para estar cómodos en casa, ahora se reinventa trayendo maxi-prendas bien minimalistas y etéreas, sin tanta línea definida en cuanto a la silueta. En esta apuesta sobresalen los tapados cozy, amplios y de corte casi bata y el chaleco, ideal para complementar con jeans, pantalón de vestir o llevar debajo de un maxi blazer. En denim resulta un ítem ganador”, describe Pica, también directora de la escuela de moda Plushlamour y autora del libro Belleza Honesta: Claves para potenciar tu imagen personal.
Un modelo de Claudio Cosano: apuesta urbana y sofisticada.
La asesora de imagen cuenta también que, a medida que la moda evoluciona, adopta una postura más neutral en cuanto al género, tanto es así que cada vez más las prendas suman cortes rectos y figuras amplias en blanco, negro, gris y verde seco.
“Como parte de esta vertiente en donde lo masculino y lo femenino se desdibujan, cobran protagonismo los buzos y joggers, que admiten infinidad de combinaciones. Por ejemplo, un hoodie negro (buzo canguro) mixeado con un pant de cuero y botas texanas es la mejor opción para salir y causar sensación, mientras que lookeado con un pantalón deportivo y con zapas se convierte en un aliado para estar con mucha onda en casa. Por último, otra tipología que ocupará un espacio destacado en los armarios femeninos es la monoprenda. En total denim o símil cuero, son una buena inversión.”
En cuanto a la paleta de moda, “otros tonos que son tendencia son los colores especiados y terrosos, tales como camel, mostaza, cayena, maíz, curry, verde lima, verde oliva, violetas claros y oscuros, almendras, miel, amarillos bien cálidos y un color full: el naranja y sus variantes amarillentas que son perfectas para energizar los días de frío. ¿Las estrellas? El color vino, rojo cereza, rosa Dior, verde Benetton y los azules brillantes”, aporta Aubele.
“Los estampados cuadrillé, espigados y tartán, los chalecos de lana o confeccionados en diferentes géneros, los pantalones dentro de las botas, la superposición de prendas –por ejemplo, un top arriba de una camisa–, y toda la paleta de los tonos marrones son ítems que no pueden faltar en el look invernal”, resume finalmente la instagramer y asesora de imagen Path Sánchez.
Fuente: La Nación ~ En la Europa de finales del siglo XVIII, una nueva moda provocó un escándalo internacional. De hecho, toda una clase social fue acusada de aparecer en público desnuda. La culpable fue la muselina de Dhaka, una tela preciosa importada de la ciudad del mismo nombre situada en lo que ahora es Bangladesh.
No era como la muselina de hoy. Hecha tras un elaborado proceso de 16 pasos con un algodón extraño que solo crecía a lo largo de las orillas del río sagrado Meghna, la tela se consideraba uno de los grandes tesoros de la época.
Los creadores de sátiras del siglo XIX destacaron los peligros de los vestidos de muselina, como el riesgo de aparecer desnudos bajo la intensa luz del sol, el viento o la lluviaAlamy
Gozaba de un patrocinio verdaderamente global, que se remontaba miles de años. Era un producto considerado digno de vestir estatuas de diosas en la antigua Grecia, innumerables emperadores de tierras lejanas y generaciones de la realeza mogol local.
Había muchos tipos diferentes, pero los mejores fueron honrados con nombres evocadores designados por poetas imperiales, como baft-hawa, literalmente “aire tejido”.
Se decía que estas muselinas de alta gama eran tan livianas y suaves como el viento. Pero la muselina de Dhaka también era bastante transparente.
Aunque tradicionalmente, estos tejidos de primera calidad se usaban para hacer túnicas para hombres, en Reino Unido transformaron el estilo de la aristocracia, extinguiendo los vestidos estructurados de la era georgiana.
Los delicados “vestidos camiseros” rectos de arriba hacia abajo empezaron a estar de moda. No solo sus cualidades vaporosas podían considerarse atrevidas para la época, sino que también eran del estilo de lo que antes se consideraba ropa interior.
En una popular publicación satírica de Isaac Cruikshank, un grupo de mujeres aparece juntas con vestidos largos de muselina de colores brillantes, a través de los cuales se pueden ver claramente sus nalgas, pezones y vello púbico. Debajo se lee la descripción: “Señoras parisinas con su vestido de invierno de 1800”.
Mientras tanto, en un fragmento de comedia igualmente misógino de una revista mensual femenina inglesa, un sastre ayuda a una clienta a lograr lo último en la moda. “Madame, estará listo en un momento”, le asegura. Luego le indica que se quite la enagua, después el corsé y finalmente las abultadas mangas. “Es un asunto fácil, ya ve”, explica. “Para vestirse a la moda, solo hay que desvestirse”.
Aún así, la muselina de Dhaka fue un éxito, entre aquellos que podían pagarla. Era el tejido más caro de la época, con un séquito de admiradoras que incluía a la reina francesa María Antonieta, la emperatriz francesa Josefina Bonaparte y Jane Austen.
La muselina de Dhaka era una de las favoritas de Josefina Bonaparte, la primera esposa de Napoleón, que poseía varios vestidos inspirados en la época clásicaAlamy
Pero tan rápido como este maravilloso tejido alcanzó a “la Ilustración”, el movimiento cultural europeo de mediados del siglo XVIII, se desvaneció.A principios del siglo XX, la muselina de Dhaka había desaparecido de todos los rincones del mundo y los únicos ejemplares sobrevivientes están guardados de forma segura en valiosas colecciones privadas y museos.
La enrevesada técnica para fabricarla se perdió en el tiempo y el único tipo de algodón que se podía utilizar, el Gossypium arboreum var. neglecta, conocido localmente como Phuti karpas, se extinguió abruptamente. ¿Cómo pasó esto? ¿Se podría revertir?
La muselina de Dhaka nació gracias a plantas cultivadas a orillas del río Meghna, uno de las tres que forman el inmenso delta del Ganges, el más grande del mundo.
Cada primavera, sus hojas se abrían paso a través del suelo gris y una vez que crecían producían una sola flor de color amarillo dos veces al año, que daba paso a una flor de fibras de algodón.
Estas no eran fibras ordinarias. A diferencia de las hebras largas y delgadas producidas por su primo centroamericano, el Gossypium hirsutum, que constituye el 90% del algodón del mundo en la actualidad, Phuti karpas producía hebras gruesas y fáciles de deshilachar. Esto puede parecer un defecto, pero todo depende de lo que planees hacer con ellas.
De hecho, las fibras cortas del arbusto desaparecido no servían para hacer telas de algodón baratas con maquinaria industrial. Trabajar con ellas era algo voluble y se rompían fácilmente si intentabas retorcerlas. Pero la gente local dominó los hilos rebeldes con una serie de técnicas ingeniosas desarrolladas hace milenios.
La muselina de Dhaka era una tela preciosa importada de la ciudad del mismo nombre, situada en lo que ahora es Bangladesh
El proceso completo involucraba 16 pasos especializados y cada uno era realizado por una aldea diferente alrededor de Dhaka, que entonces era parte de Bengala. Algunas estaban en lo que ahora es Bangladesh y otras en el estado indio de Bengala Occidental. Era un verdadero esfuerzo comunitario, que involucraba a jóvenes y ancianos, hombres y mujeres.
Primero, las bolas de algodón se limpiaban con los pequeños dientes con forma de espina de la mandíbula de una especie de bagre caníbal nativo de los lagos y ríos de la región.
Luego venía el giro. Las fibras cortas de algodón requerían altos niveles de humedad para estirarlas, por lo que esta etapa se realizaba en botes, por hábiles grupos de mujeres jóvenes muy temprano en la mañana y al final de la tarde, los momentos más húmedos del día.
Las personas mayores generalmente no podían hilar el hilo porque simplemente no podían ver los hilos. “Obtenías diminutas juntas entre las fibras de algodón, donde estaban unidas”, aseguró Sonia Ashmore, historiadora del diseño que escribió un libro sobre la muselina, en 2012. “Le daba a la superficie una especie de rugosidad, lo que provocaba una sensación muy agradable”, describió.
Finalmente, estaba el tejido. Esta parte podría tardar meses en completarse ya que los diseños clásicos de jamdani -en su mayoría formas geométricas que representan flores- se integraban directamente en la tela, utilizando la misma técnica usada para crear los famosos tapices reales de la Europa medieval.
El resultado era una obra de arte minuciosamente detallada representada en miles de hebras plateadas y sedosas.
Una maravilla asiática
A los clientes occidentales les costaba creer que la muselina de Dhaka fuese hecha por manos humanas. Había rumores de que la tejían sirenas, hadas e incluso fantasmas. Algunos dijeron que se hizo bajo el agua.
“La ligereza y la suavidad no se parecía a nada de lo que tenemos hoy”, indicó Ruby Ghaznavi, vicepresidente del Consejo Nacional de Artesanía de Bangladesh.
La muselina de Dhaka llegó a tener hasta 1200 hilos, pero el número mayor alcanzado en los últimos años es de 300Drik
El mismo proceso de tejido continúa en la región hasta el día de hoy, utilizando muselina de menor calidad de hilos de algodón ordinarios en lugar de Phuti karpas.
En 2013, el arte tradicional del tejido jamdani fue protegido por la Unesco como una forma de patrimonio cultural inmaterial. Pero la verdadera hazaña fue el número de hilos que se pudo lograr.
Una tela con mayor cantidad de hilos es más codiciada porque ellos hacen que el material sea más suave y tienda a desgastarse menos con el tiempo.
Mientras más hebras haya para empezar, más quedará para mantener la tela unida cuando algunas comiencen a deshilacharse.
Saiful Islam, quien dirige una agencia fotográfica, encabeza un proyecto para traer la muselina de Dhaka de nuevo a la vida.
Manifestó que la mayoría de las versiones que se fabrican hoy tienen entre 40 y 80 hilos, lo que significa que contienen aproximadamente esa cantidad de hilos horizontales y verticales entrecruzados por pulgada cuadrada de tela.
La muselina de Dhaka, por otro lado, tenía recuentos de hilos en el rango de 800 a 1200, por encima de cualquier otra tela de algodón que existe en la actualidad.
Aunque la muselina de Dhaka desapareció hace más de un siglo, todavía hay saris, túnicas, bufandas y vestidos intactos en los museos.
De vez en cuando, uno reaparece en una casa de subastas de alto nivel como Christie’s y Bonhams, y se vende por miles de dólares.
“El comercio fue construido y destruido por la Compañía Británica de las Indias Orientales”, dijo Ashmore.
Mucho antes de que la muselina de Dhaka cubriera a las mujeres aristocráticas en Europa, la tela se vendía en todo el mundo.
Era popular entre los antiguos griegos y romanos, y la muselina de “India” se menciona en el libro El periplo del mar Eritreo, escrito por un comerciante egipcio anónimo hace unos 2000 años.
Puede ser que el autor romano Petronio haya sido la primera persona en levantar una ceja por su transparencia. “Tu novia podría vestirse con un manto del viento y estar públicamente desnuda bajo las nubes de muselina”, escribió.
El equipo de Bengala Muslin solicitó la ayuda de los aldeanos locales durante la búsqueda de la planta perdidaDrik
En los siglos siguientes, el tejido fue elogiado en las obras del renombrado explorador bereber-marroquí del siglo XIV Ibn Battuta y del prolífico viajero chino del siglo XV Ma Huan, entre muchos otros.
Pero podría decirse que la era mogol fue el apogeo de la tela. El imperio del sur de Asia fue fundado en 1526 por un cacique guerrero de lo que hoy es Uzbekistán y en el siglo XVIII gobernaba todo el subcontinente indio.
Durante este período, la muselina se vendió ampliamente por comerciantes de Persia (actual Irán), Irak, Turquía y el Medio Oriente.
La tela fue acogida por los emperadores mogoles y sus esposas, que rara vez usaban otra cosa. Su devoción fue tan lejos como para atraer a los mejores tejedores bajo su patrocinio, empleándolos directamente y prohibiéndoles vender las mejores telas a otros.
Según la leyenda popular, su transparencia provocó aún más problemas cuando el emperador Aurangzeb regañó a su hija por aparecer desnuda en público, cuando, de hecho, estaba vestida con siete capas.
Todo iba muy bien hasta que aparecieron los británicos. Para 1793, la Compañía Británica de las Indias Orientales había conquistado el imperio mogol y, menos de un siglo después, la región estaba bajo el control del Raj británico.
La muselina de Dhaka se exhibió por primera vez en Reino Unido en la Gran Exposición de las Obras de la Industria de Todas las Naciones de 1851.
Este espectacular evento fue una creación del esposo de la reina Victoria, el príncipe Alberto, con la intención de mostrar las maravillas del Imperio Británico a sus súbditos.
La muselina de Dhaka llegó a tener hasta 1200 hilos, pero el número mayor alcanzado en los últimos años es de 300Drik
Unos 100.000 objetos de los rincones más lejanos del mundo se reunieron en una sala de cristal brillante, el Palacio de Cristal, que tenía 564 metros de largo y 39 metros de alto.
En ese momento, un metro de muselina de Dhaka alcanzaba precios que oscilaban entre las 50 y las 400 libras esterlinas, según Islam, lo que equivale aproximadamente a entre 7000 y 56.000 libras esterlinas en la actualidad, es decir, entre 9600 y 77.000 dólares.
Incluso la mejor seda era hasta 26 veces más barata. Pero mientras los londinenses victorianos adulaban la tela, quienes la producían se veían empujados hacia la deuda y la ruina financiera.
Como explica el libro Goods from the East, 1600-1800, la Compañía de las Indias Orientales comenzó a entrometerse en el delicado proceso de fabricación de la muselina de Dhaka a fines del siglo XVIII.
Primero, la empresa reemplazó a los clientes habituales de la región por los del Imperio Británico. “Realmente instauraron un dominio absoluto sobre su producción y llegaron a controlar todo el comercio”, dijo Ashmore.
Luego atacaron duramente a la industria, presionando a los tejedores para que produjeran mayores volúmenes de tela a precios más bajos. “Necesitabas una habilidad tan especial para convertirlo (el Phuti karpas) en tela. Es un proceso muy arduo y costoso y al final del día solo obtenías unos ocho gramos de muselina fina por un kilo de algodón”, afirmó Islam.
“Mientras los tejedores luchaban por mantenerse al día con estas demandas, se endeudaron”, explicó Ashmore.
Se les pagaba por adelantado por la tela, cuya confección podía demorar hasta un año. Pero si se consideraba que la tela no estaba a la altura del estándar requerido, tenían que devolverlo todo. “Nunca pudieron mantenerse al día con estos pagos de deuda”, detalló.
Las nuevas plantas de algodón de phuti karpas son idénticas a las que se usaban para cultivar la muselina de Dhaka hace cientos de añosDrik
El golpe final vino de la competencia. Empresas coloniales como la Compañía de las Indias Orientales se habían dedicado a documentar las industrias en las que confiaban durante años y la muselina no era una excepción.
Cada paso del proceso de fabricación de la tela se registró con meticuloso detalle. A medida que aumentaba la sed europea de telas de lujo, surgió un incentivo para fabricar versiones más baratas más cerca de casa.
En el condado de Lancashire, en el noroeste de Inglaterra, el magnate textil Samuel Oldknow combinó el conocimiento interno del Imperio británico con la tecnología más avanzada, la rueca, para suministrar a los londinenses grandes cantidades.
En 1784, tenía 1000 tejedores trabajando para él. La muselina de fabricación británica no se acercó al nivel de la original de Dhaka, ya que estaba hecha con algodón ordinario y tejida con un número de hilos significativamente menor.
La combinación de décadas de maltrato y una disminución repentina en la necesidad de textiles importados terminó de aniquilar la producción.
Cuando la guerra, la pobreza y los terremotos azotaron la región, algunos tejedores empezaron a fabricar telas de menor calidad, mientras que otros se convirtieron en agricultores a tiempo completo.
Al final, todo colapsó. “Creo que es importante recordar que en realidad era un negocio familiar. A menudo hablamos de los tejedores y de lo fantásticos que eran, pero detrás de su trabajo estaban las mujeres, haciendo el hilado”, indicó Hameeda Hossain, una activista de derechos humanos que escribió un libro sobre la industria de la muselina en Bengala. “Así que la industria involucró a mucha gente”, añadió.
A medida que pasaban las generaciones, el conocimiento de cómo hacer la muselina de Dhaka se olvidó. Y sin nadie que hilara sus sedosos hilos, la planta phuti karpas, que siempre fue difícil de domar (nadie pudo cultivarla lejos del río Meghna) desapareció.
Islam nació en Bangladesh y se mudó a Londres hace unos 20 años. Se enteró por primera vez de la muselina de Dhaka en 2013, cuando la empresa para la que trabaja, Drik, quería adaptar una exposición británica sobre esta tela para una audiencia de Bangladesh.
Se dieron cuenta que había pocos detalles, por lo que realizaron su propia investigación. Durante el año siguiente, Islam y sus colegas se reunieron con personas de la industria artesanal local, exploraron la región donde se había producido y buscaron ejemplos tangibles de muselina de Dhaka en museos de Europa.
“El Museo Victoria and Albert (V&A) tiene una colección magnífica con cientos de piezas”, dijo. “Y si vas al English Heritage Trust, tienen 2000 piezas. Sin embargo, Bangladesh no tenía ninguna”, afirmó.
El equipo finalmente organizó varias exposiciones sobre el tema, encargó una película y publicó un libro, escrito por Islam.
Confeccionar la muselina de Dhaka lleva mucho tiempo y pacienciaPexels
En un momento empezaron a pensar que podría ser posible producir nuevamente la legendaria muselina de Dhaka. Juntos fundaron Bengal Muslin, una empresa colaborativa destinada a hacer precisamente eso. La primera tarea fue encontrar una planta adecuada.
Aunque hoy en día no hay semillas de phuti karpas en ninguna colección, encontraron un prolijo folleto de sus hojas secas y conservadas en el Royal Botanic Gardens, Kew, del siglo XIX.
A partir de esto, fue posible secuenciar su ADN. Armado con los secretos genéticos de su objetivo, el equipo regresó a Bangladesh. Miraron mapas históricos del río Meghna y los compararon con imágenes de satélite modernas para ver cómo había cambiado su curso en los últimos 200 años.
Luego, alquilaron un bote y recorrieron su inmensa amplitud (tiene 12 kilómetros de ancho en algunos lugares) en busca de plantas silvestres que se parecieran a dibujos antiguos. Todas las opciones prometedoras se secuenciaron y compararon con el original.
Finalmente encontraron una coincidencia del 70%: un arbusto despeinado que puede haber tenido antepasados phuti karpas. Para cultivarla, inicialmente se establecieron en una parcela de tierra en una pequeña isla en medio del Meghna, en Kapasia, a 30 kilómetros al norte de Dhaka.
“Era un lugar ideal. La tierra es fértil porque se formó a través de la acumulación de sedimentos del río”, describió Islam.
Muchas de las habilidades necesarias para hacer muselina de Dhaka se han perdido, por lo que igualar la calidad de la tela original es un desafíoDrik
Fue allí donde, en 2015, plantaron algunas semillas como prueba. Pronto hubo hileras ordenadas de phuti karpas entre la tierra seca, el primer cultivo de este tipo en más de un siglo.
El equipo cosechó su primer lote de algodón el mismo año. Aunque todavía no tenían suficientes plantas para hacer una muselina de Dhaka 100% auténtica, colaboraron con hilanderos indios para combinar algodón ordinario y phuti karpas en un hilo híbrido.
Luego llegó el momento de tejer y esto resultó ser más complicado de lo esperado. Debido a que todavía hay tejedores en Bangladesh que fabrican muselina jamdani -aunque versiones más toscas con menor número de hilos- Islam esperaba simplemente mejorar sus habilidades y enseñarles cómo producir un producto de mayor calidad que se acercara más al tejido antiguo. “Pero ninguno de ellos quería trabajar en esto”, narró Islam.
Cuando les dijo que quería hacer saris de 300 hilos, “todos le dijeron que era una locura”. “Ellos dijeron: ‘Muchas gracias por contarnos esa historia, pero no gracias’”, explicó.
De las 25 personas a las que se acercó, una finalmente aceptó. La mayoría de los tejedores de la región son pobres y trabajan en chozas sencillas. Entonces, Al Amin, ahora su maestro tejedor, acordó que se agregaran controles de temperatura y humidificadores a su taller, para crear las condiciones específicas necesarias para hacer esta tela complicada.
Mientras tanto, algunas de las cerca de 50 herramientas necesarias ya no estaban disponibles, por lo que el equipo fabricó las propias. Un ejemplo es el shana, un trozo de bambú cortado con el objetivo de tener miles de dientes artificiales que puedan mantener el hilo en su lugar mientras se trabaja.
Luego de seis meses extenuantes, muchas más improvisaciones y gran cantidad de hilos rotos, Amin hizo un sari de 300 hilos, nada parecido al estándar original de muselina de Dhaka, pero significativamente mejor de lo que cualquier tejedor había logrado durante generaciones.
“Tenía la paciencia tenaz que se necesitaba para trabajar con nosotros”, aseguró Islam. “Contribuimos con el 40% del esfuerzo, pero el resto salió de él”, añadió.
María Antonieta era una fanática de la muselina de DhakaWikipedia
Hasta 2021 el equipo hizo varios saris con la muselina híbrida, que fueron exhibidos en todo el mundo. Algunos se vendieron por miles de dólares.
Islam siente que la recepción que tuvieron demuestra que la tela tiene futuro. “En esta época de producción en masa, siempre es interesante tener algo especial. Y la marca sigue siendo poderosa”, analizó.
En la actualidad, el equipo tiene plantas que crecen continuamente, aunque se vieron obligados a abandonar la antigua parcela debido a problemas de inundaciones. Ahora están cultivando los phuti karpas nuevos en una ribera cercana, que tiene el beneficio adicional de ser accesible sin un bote.
Islam espera que algún día puedan hacer un sari de muselina pura de Dhaka con un número de hilos aún mayor. El gobierno de Bangladesh dio su respaldo al proyecto. “Es una cuestión de prestigio nacional”, aseguró Islam, que también desea mejorar la imagen del país.
“Es importante que nuestra identidad no sea pobre, con muchas industrias textiles, sino también la fuente de las mejores telas que jamás hayan existido”, afirmó.
Quién sabe, tal vez pronto una nueva generación vuelva a usar esta tela antigua y se acostumbre a su transparencia algo atrevida.
Fuente: La Capital de Mar del Plata ~ Con la organización del Ente Municipal de Turismo y la Cámara de la Industria de la Moda de Mar del Plata, se realizó la presentación de “Moda en Mar del Plata”, en el Centro Cultural Estación Terminal Sur.
El evento -enmarcado en las conmemoraciones por el centésimo aniversario del nacimiento de Ástor Piazzolla– tuvo como eje la presentación la nueva colección de Adrián Caballero denominada “Astor” y la proyección de un logrado video en el que modelos desfilaron los diseños, teniendo como marco escenográfico los atractivos turísticos y naturales de Mar del Plata Plata y composiciones del gran músico marplatense. Asimismo, se proyectó una recopilación del backstage para que el público pueda conocer el trabajo de producción desplegado.
Cabe destacar que el diseñador fue elegido para representar a Mar del Plata en la presentación Internacional del “Argentina Fashion Week”, para la cual diseñó especialmente esta colección y en la que también se proyectó el mismo video con el claro objetivo de llevar la industria de la moda marplatense y las bellezas de la ciudad al mundo.
Asimismo, el grupo musical de neo tango D-Mol -junto a la cantante Carola López- interpretaron temas del genial bandoneonista y compositor, lo que dio el marco perfecto para sorprender a los presentes con el ingreso espontáneo al salón de las mismas modelos -y los vestidos- que minutos antes pudieron observar en el video.
Estuvieron presentes autoridades del Ente Municipal de Turismo; autoridades y miembros de la Cámara de la Industria de la Moda de Mar del Plata; concejales e invitados especiales.
Fuente: TN ~ La pandemia trajo grandes cambios al mundo de las pasarelas y el consumo de tendencias.
Tecnología, sostenibilidad e inclusión son tres de las palabras que marcarán el diccionario de la moda en el futuro, atendiendo las demandas de un consumidor que busca prendas funcionales y duraderas sin renunciar al componente aspiracional de la moda, a través de nuevas fórmulas de diseño cuyo germen ha florecido de forma acelerada por la pandemia.
La firma de origen sueco H&M mostró en las redes sociales su colección en colaboración con la diseñadora Simone Rocha utilizando la realidad aumentada, un formato para el que ha trabajado con tecnología de códigos QR que, situados sobre las páginas de un libro pop-up de moda ilustrado por la artista británica Faye Wei Wei, presentan personalidades que lucen y hablan de la colección.
“Son tiempos duros, pero interesantes, el mayor reto del sector textil es hacer colecciones entre lo físico y lo digital, capaces de capturar la esencia de las prendas“, ha explicado a Efe Ann-Sofie Johansson (Suecia, 1963), directora creativa de la multinacional sueca H&M, una de las firmas más representativas de moda casual, con presencia en casi setenta países.
Desde la actriz Elena Bonham Carter a la supermodelo Kaia Gerber, un elenco de personalidades cobran forma al enfocar las páginas de este libro con la cámara de un dispositivo móvil, creando una opción digital de dar a conocer las colecciones que se aleja de los fashion filmes utilizados hasta el momento.
“También marcará la moda del futuro la sostenibilidad, que según explica ha llegado a la moda y no se irá, y se trata además de uno de los aspectos que ya estaban presentes, pero que la pandemia ha acelerado, obligándonos a pensar más claro en estos términos“, explica sobre este reto que cobra fuerza, para el que H&M se propone llegar a 2030 con el 100% de sus materiales sostenibles o reciclados.
Jeans 100% reciclados de la marca Lee junto a H&M. (Foto: Instagram @HyM).
La moda circular es uno de los conceptos que resuenan con más fuerza en la industria durante los últimos meses. Una tendencia que aboga por un consumo meditado en el que las prendas puedan usarse muchas veces, para poder ser recicladas posteriormente: Al comprar, los consumidores empiezan a pensar en prendas que duren un tiempo en su armario, desgrana sobre este modelo, contrapuesto al de la moda rápida o fast fashion, imperante en los últimos años.
Reciclar, repensar, revender o rediseñar, todos los conceptos con este prefijo serán los protagonistas de la moda del futuro, poniendo de manifiesto que una prenda pueda hacer felices a varias personas. Cada prenda es como un gato, debería tener, al menos, siete vidas, explica sobre una de las líneas que marcarán la industria.
La moda inclusiva es otro de los aspectos a los que cada vez más firmas deciden sumarse, incluyendo desde talles ampliados a la utilización de modelos fuera de los cánones: “Es la primera colección con diseñador que hacemos también para hombre y niño“, explica Johansson sobre las prendas, que además amplían por primera vez sus tallas hasta la 46, y que siguen una línea marcada por perlas y bordados y cuyos diseños masculinos pueden ser también portados por la mujer.
“Es una forma de trabajar la diversidad, y también de impulsar la creatividad para trabajar con varias líneas, quizá veamos cómo esto continúe en los próximos años“, explica haciendo referencia a los conceptos que estructuran las colecciones normales y que cada vez aparecen más desdibujados.
Hoy hay más propuestas de moda con la bandera de la inclusión y los talles más grandes. (Foto: Instagram @HyM).
“Como consumidor uno tiene ciertas necesidades, puede necesitar una chaqueta por funcionalidad, pero también querer una prenda de la que te enamores, que despierte tus emociones y que te haga sentir único“, explica sobre el componente aspiracional de la moda, que volverá con fuerza en prendas más sofisticadas, abandonando los códigos deportivos que han llegado a la moda de forma acelerada para vestir los meses de pandemia durante las cuarentenas.
Johansson, que lleva trabajando en moda más de treinta años, piensa que seguiremos llevando tendencias y prendas de moda a medida que la normalidad se afiance: “Seguiremos soñando con arreglarnos para celebrar, ver a nuestros amigos o salir a hacer planes, hay que ser consciente de que es difícil ver con exactitud cómo irán las cosas después de la pandemia“.
En esta línea, la compañía presenta en su nueva colección alrededor de 35 estilismos que se desmarcan de las tendencias deportivas, lanzando un conglomerado de perlas, bordados, volúmenes y volandos que son el sello de Simone Rocha, por la que han apostado en esta colaboración anual con grandes diseñadores, que otros años ha fichado por firmas como Karl Lagerfeld o Giambattista Valli.
Fuente: Fashion United ~ Desde hace tiempo, el tema de la identidad de la moda argentina y latinoamericana ha estado presente en las propuestas del diseñador y Presidente de la Cámara Argentina de Moda (CAM), Francisco Ayala. En esta nueva temporada, decidió dar un paso más allá y creó una serie de abrigos únicos realizados en fibra de llama, lana merino y algodón. La idea nació durante la crisis sanitaria desatada por la pandemia de Covid-19: un trabajo en colaboración con industrias y cooperativas de la provincia Catamarca, lo que la convierte en 100 por ciento argentina en lo que tiene que ver con sus procesos y materiales.
Ayala presentó la colección hace pocos días en el marco de Argentina Fashion Week, en versión virtual, y ya está disponibles para la venta.
FashionUnited tuvo la posibilidad de visitar el punto de venta que el diseñador tiene en el barrio de Recoleta, en Buenos Aires, donde además funciona su taller. Allí hablamos sobre su última propuesta, la importancia de la identidad a la hora de trabajar en moda y los desafíos que lleva adelante como presidente de la CAM.
Colección “Invierno en Llamas”
Para producir esta línea Ayala viene trabajando con la organización Manos Andinas de Catamarca, que se especializa en fibras naturales, con foco en la trazabilidad social, ambiental y cultural. Además, la directora de la Carrera de Diseño Textil de la Universidad de Buenos Aires fue la encargada de desarrollar los textiles para la colección.
“Tenemos este tesoro andino (fibra de llama) que compartimos con Perú, Chile, Bolivia y Ecuador. La fibra de llama es una de las más finas del mundo. La idea de hacer moda con esto tiene que ver con el concepto del nuevo lujo y en esta pausa que se dio con la pandemia, de generar cosas únicas que estén hechas con materiales que sean únicos. Además, ecológico y tiene trazabilidad. Para aquellos preocupados por quién hizo su ropa, estos productos tienen un camino muy chiquito. Los animales están criados en lugares inhóspitos, se los esquila y esa materia prima después tiene que pasare por varios procesos ancestrales”, explica Ayala.
Desde su lugar en la moda, Ayala siempre buscó apostar a lo diferente, a lo que tiene que ver una identidad única. Para él la fibra de los camélidos que hay en Argentina representa una oportunidad de poder mostrar la moda nacional al mundo. “Tenemos que darle valor a lo que es nuestro porque esta fibra la suelen comprar marcas italianas que después hacen artículos que valen miles de euros”, dice.
Sin embargo, al menos en Argentina, no es común el uso de este material: “No tenemos tradición de hacer moda con esta fibra porque no tenemos una industria que nos haga de soporte, considerando a la industria textil como la base de la pirámide de la moda donde después viene la industria de la confección donde estamos nosotros, los diseñadores”.
Hecho en Argentina
El golpe que trajo la pandemia, sumado a la crisis que ya venía atravesando el sector, llevó a la CAM a declarar la emergencia en la moda argentina en 2020. Una de las estrategias para tratar de generar una reactivación tiene que ver con la propia identidad: “Tengo proyectado hacer un consorcio argentino para el desarrollo y el trabajo con fibras autóctonas. Tengo la convicción de que si hacemos las cosas juntos nos va a impactar a todos positivamente, pero hacen falta políticas de estado”.
Ayala viene trabajando con varias entidades de gobierno como el Ministerio de Desarrollo Productivo; el Mercado de Industrias Culturales (MICA); Mercado de Artesanías Tradicionales e Innovadoras Argentinas (MATRIA) y la Secretaría de la Mujer. “Con el MICA quiero desarrollar una escuela de oficios…está lleno de diseñadores que no saben trabajar con las manos, necesitan de terceros para hacer la moldería, son pocos los que saben coser, hay muchos saberes que como diseñadores necesitamos tener y cada vez hay menos modistas. Y, con el MATRIA, estamos viendo de vincular desde el lado del comercio justo y el trabajo colaborativo a artesanos con diseñadores”.
Moda y solidaridad
Además, entre las novedades de este año, hace solo unos días la CAM designó a la empresaria Mariah Schutz, dueña de la firma Mariah como Embajadora solidaria, con el objetivo de desarrollar acciones conjuntas, promoviendo sus propuestas en todo el país.
Fuente: Infobae ~ El modelo argentino Francisco Crende en un editorial sobre el tango para Vogue Italia (Cortesía Fee-Gloria Groenemeyer)
El tango, como mucho de lo argentino, es víctima de la obviedad. Poco deja entrever esa popular imagen trillada y banal, de las pasiones de sus letras, de la riqueza de su ritmo. Congelado en esa mirada como un campo minado de lugares comunes y olvidado su viejo carácter transgresor, a veces pareciera ser que el tango quedó reducido a un recuerdo, vacío de vida y sin poder creador.
En un intento por desdibujar esta imagen y quebrar la dicotomía eterna del género, la tensión entre lo femenino y lo masculino, Love is like a Dance, un editorial fotografiado por Attila Kenyeres y Fee-Gloria Groenemeyer para Vogue Italia, relata la historia del romance de dos hombres que bailan un tango. A través de una apropiación de los ámbitos propios de la heteronormatividad, se da lugar a relatos diversos, nuevos para muchos, que difuminan nuestra concepción del amor, la sensualidad y la masculinidad.
Como en una versión glam, ultra estilizada y de alta moda de la historia de amor homosexual de Happy Together, el film que el director chino Wong Kar-Wai filmó en el barrio de La Boca y en el histórico Bar Sur de San Telmo con el tango como protagonista, este amor queer en el que el género se funde y se entrevera construye una atmósfera nostálgica y crepuscular en la que Francisco Crende, un modelo argentino basado en Berlín, ilustra esta lucha entre la técnica y la fluidez de la danza a través del encuentro y el desencuentro de dos cuerpos que bailan.
“Love is like a Dance” nos brinda una nueva interpretación del género a través de explorar la tensión entre lo masculino y lo femenino en el tango (Cortesía Fee-Gloria Groenemeyer)
Si bien hoy es considerado un clásico de la tradición, por su naturaleza misma el tango brinda una herramienta ideal para las nuevas interpretaciones. Nacido a fines del siglo XIX en los barrios populares de Buenos Aires y Montevideo, este surge de una mezcla de influencias culturales consecuencia de las oleadas inmigratorias y se instaura como una práctica cultural vulgar y baja, inicialmente condenada por los sectores más conservadores de la sociedad. En este sentido, antisistema por definición, el tango encuentra un refugio en aquellos espacios que el discurso dominante no puede explicar.
Es justamente en los ámbitos donde las costumbres chocan que nacen formas verdaderamente innovadoras.
En diálogo con Infobae, Francisco Crende nos revela que la producción fue el resultado de un encuentro fortuito: “Surgió porque organizo cenas performáticas con una amiga artista y, en una de ellas, decidí poner tango. Una de las invitadas era Veronika Dorosheva, una estilista rusa que me contactó y me propuso hacer una sesión de fotos a partir del concepto de la música”.
Fue la confluencia de culturas e identidades diversas, típicas de ciudades cosmopolitas como Berlín, la que hizo de este editorial una realidad. En su cuenta de Instagram, Veronika explica que la construcción de los personajes a través del vestuario tenía el objetivo de sacar a relucir las cualidades expresivas de los protagonistas y, a la vez, lograr borrar, de alguna manera, la rigidez de esa imagen tradicional y anticuada en la que el género ha quedado atrapado.
Una reinterpretación de las claves estilísticas del tango da lugar a una nueva concepción de lo propio y de lo local (Cortesía Fee-Gloria Groenemeyer)
Estas manifestaciones reflejan una nueva forma de pensar lo autóctono, llevándolo de una clave local a una global. Desde el tango hasta lo gauchesco, de la tradición de los pueblos originarios al folklore nacional, es posible hacer una nueva lectura de la historia argentina y, por qué no, latinoamericana que logre posicionarnos en el plano de lo universal. Un mensaje optimista y desafiante a la vez, que nos interpela en lo más hondo de nuestra argentinidad: ¿por qué será que Astor Piazzolla fue más aceptado en París que en Buenos Aires, en dónde las radios se negaban pasaban sus canciones? ¿por qué decidieron Borges y Cortázar no retornar al país? Quizá desde lejos mirar lo propio con nuevos ojos sea más sencillo, y por eso cantaba Gardel: “Mi Buenos Aires querido, cuando yo te vuelva a ver, no habra más penas ni olvido”.
Fuente: Más Aire ~ La colaboración de dos íconos ‘Reebok x Victoria Beckham’ llega por primera vez a Latinoamérica.
En su tercera colección de indumentaria bajo la firma Reebok x Victoria Beckham, es la primera vez que se presenta en Latinoamérica, con una variada producción de diseños con fuerte preponderancia del estilo inglés.
Con modelos inspirados en indumentaria de los 90, ahora se exhiben prendas estilizadas y versátiles, que elevan el activewear.
Con una fuerte impronta de minimalismo, las prendas combina antiguos looks de Reebok, con un toque de actualidad y la estética de la ropa deportiva, relajada y poco exigente.
Al mismo tiempo, la energía de la ropa se expande a partir de la combinación de los textiles en colores neutros, así como las siluetas adherentes que rozan el cuerpo proporcionando máxima flexibilidad.
“Estas piezas se han diseñado para ofrecer una funcionalidad de rendimiento óptimo para el gimnasio, pero igualmente son adaptables para todas las demás facetas de la vida. Diseñé cada pieza para que el usuario se sintiera seguro en su estilo sin comprometer el alto nivel de rendimiento y las características de las piezas. Hacer ejercicio me hace sentir fuerte y empoderada y ese ethos se refleja en toda la colección”, apuntó la ex Spice Girls.
Fuente: Para Ti ~ Juana Viale eligió a Gino Bogani para el debut de la nueva temporada de “La Noche de Mirtha”. Se podría decir que es uno de sus diseñadores favoritos, como también es el de su abuela. Ella compartió en redes un video en el atelier de Gino cuando estaba por probarse el look que va a llevar hoy, pero no adelantó nada de cómo será el diseño.
Gino Bogani dice que “hay que esperar para ver el look de Juana”
Volume 90%
Sin embargo, a partir del estilo de Bogani y los 4 mejores looks que ella llevó al programa, podemos tener alguna idea de cómo podía ser.
Estampas, volados y diferentes largos
Uno de los looks que más llamó la atención del año pasado fue este vestido. Así que el de esta noche podría tener estampa, diferentes largos -corte adelante y con cola detrás- y volados, como éste.
Look nupcial y bordados
A Juana le gustan los looks nupciales, muy de tendencia en la alta costura, y no es precisamente para novias que están por caminar al altar. Detalles bordados como este diseño, podría tener lo que hoy lleve puesto la nieta de Mirtha.
Gino Bogani: “Ya saben que soy medio loco”
Volume 90%
Transparencias y puntillas
La opción podría ser un vestido súper elegante como éste. Con algunos detalles de transparencias y puntillas.
Drapeado y hombreras
Gino Bogani sabe cómo mezclar las tendencias en sus diseños de alta costura, como en éste que tenía detalles drapeados y hombreras. El diseño que lleve Juana hoy seguramente tendrá ítems de moda que marcan la tendencia del momento.
Gino Bogani: “Ya lo verán el sábado”
Volume 90%
Habrá que esperar unas horas para ver la sorpresa que nos preparó esta vez Bogani.
Fuente: La Nación ~¿Qué se usa esta temporada?¿Cuáles son las últimas tendencias? Las preguntas son infaltables cuando los percheros comienzan a cambiar al ritmo de las estaciones. La primera respuesta rápida podría ser: “Cuadros, borcegos que pisan fuerte, camperas infladas protectoras, colores optimistas y tierra”. O bien podría responder Coco Chanel con una de sus frases célebres: “Uno no puede estar siempre innovando. Quiero crear clásicos”. Más cercano en el tiempo y a nuestras tierras, Pablo Ramírez decía a principios de 2020: “Quiero crear ropa clásica que sea atemporal, que atraviese el tiempo, que la gente pueda coleccionar como piezas, como objetos, desde el primer momento”.
La moda cambió, y en esta nueva era se torna atemporal. Las temporadas primavera-verano y otoño-invierno comenzaron a diluirse mientras se flexibilizan los calendarios de las fashion week internacionales. En el año de las no tendencias, es “tendencia” recuperar una moda sin tiempo, con prendas clásicas y eternas.
“El tema de las temporadas no va más –dice la socióloga especializada en moda Susana Saulquin–. Era muy cómodo para el sistema de la moda, pero hay una cantidad de cambios enormes, donde toda la producción se junta al consumo. Las temporadas permanecen como un anacronismo. Creo que es necesario buscar otros mecanismos para que las personas tengan ganas de hablar de moda y de consumir moda, porque está difícil, más allá de la pandemia”.
Coco Chanel creó el clasico little black dressArchivo
“A la gente no le está interesando tanto la necesidad de vestirse como una forma de distinción, de estatus, eso es parte de los recuerdos –agrega la autora de La muerte de la moda, el día después–. En este momento importa cómo uno se siente, verse bien, cómo se relaciona con los demás, estar atractiva. Tenemos el arrastre de una industria que se tiene que organizar, y la pandemia la ha venido a complicar más, como a toda la industria, pero los cambios son muy grandes y hay que generar mucha creatividad para poder superarlos”.
Es claro el antes y durante de la pandemia, donde la comodidad llegó, se instaló y difícilmente vuelva a irse. Tomará otras formas, se adaptará a los tiempos, se engalanará lo mejor posible pero ya estará instalada en los diseños de todo el mundo. Como dice Gaba Najmanovich, analista de tendencias: “La pandemia afianzó una búsqueda que ya veíamos en el consumidor: la comodidad. Al darnos espacio, al habitar nuestros espacios de otro lugar, el encierro nos dejó cuestionarnos hábitos de vestir que dábamos por sentados. Ahora, el consumidor se pregunta por qué usar ropa que le complica la rutina, que lo incomoda, si puede vestirse con otros tejidos y tipologías que sean menos restrictivos. El athleisure se convirtió en un básico, no es más una tendencia de visionarios. Todo lo que es sleepwear y loungewear va a seguir creciendo exponencialmente hasta 2025”.
Mucho antes de la pandemia, los exigentes calendarios de las grandes marcas internacionales eran implacables con algunos diseñadores, abrumados por seguir el ritmo. Como cuando Raf Simons decidió dejar la maison Dior en 2015, donde presentaba seis desfiles al año, dos de Alta Costura: quisieron retenerlo y con causa, las ventas habían crecido un 60% desde 2011.
Se fue en buenos términos, y antes aclaró: “Después de una reflexión larga y cuidadosa, he decidido dejar mi puesto como director creativo. Se trata de una decisión basada enteramente y por igual en mi deseo de centrarme en otros intereses de mi vida, incluyendo mi propia marca, y otras pasiones que me inspiran fuera del trabajo. Christian Dior es una compañía extraordinaria y ha sido un inmenso privilegio haber podido escribir unas pocas páginas de este magnífico libro”.
Por dos colecciones fue reemplazado por un equipo creativo, hasta la llegada de María Grazia Chiuri. En el mismo año, Alexander Wang fue desvinculado de Balenciaga, al parecer por los desacuerdos que generaron su agenda completa, entre los intensos compromisos entre su propia marca y la casa de moda.
El trench, una prenda clásica y reversionadaArchivo
“Los diseñadores se sentían mucho más que esclavos de las presentaciones, a tal punto que hubo suicidios. Estaban muy mal por estar continuamente presentando, no tenía razón de ser. Pero con la virtualidad pueden llegar a superar todo esto y hacer otro tipo de presentaciones. Y las personas también estaban un poco fatigadas de todo esto”, analiza Saulquin.
Los calendarios de las semanas de la moda en el mundo siguen buscando nuevos formatos, principalmente digitales. Cambian los mensajes y también los cronogramas. Como en la última edición de New York Fashion Week, cuando apostaron a darle mayor visibilidad a las firmas nacionales, y de ahí su nuevo nombre: Calendario de Colecciones Americanas. Otra novedad: a los diseñadores se les dio un plazo más amplio para presentar sus colecciones, del 2 de febrero al 15 de abril, aunque la mayoría lo hizo a mediados de febrero.
En París sorprendió la propuesta desafiante de Shiaparelli en alta costura, con creaciones disruptivas y surrealistas, que incluyeron desde seda y cuero hasta terciopelo y neoprene. Se entiende con las declaraciones de su director creativo, Daniel Roseberry: “Quería desafiar la idea de lo que es la costura, y de lo que debería ser, creando prendas que respetan la tradición no solo de esta maison, sino también del arte que se esconde detrás, al mismo tiempo que exploro los clichés asociados al género. Quiero crear una casa de costura alternativa: aquí́, fantasía no significa vestidos de princesa o delicados adornos; aquí́, la fantasía está en el interior. Estas son prendas que te hacen consciente de tu cuerpo, que te hacen pensar en cómo te mueves por el mundo”.
Un diseño de SchiaparelliArchivo
Los desfiles virtuales y los videos muestran historias que van más allá de las colecciones. Como Tu habitación, tus sueños, la colección otoño-invierno 2021/2022 de Paco Rabanne que se ambientó en las cuatro paredes de una habitación. Louis Vuitton cerró Paris Fashion Week con un desfile en el Museo del Louvre y un tema más que sugestivo: conectar el pasado y el presente.
Para el otoño-invierno de Emilio Pucci se revivieron los estampados más conocidos y psicodélicos del diseñador, que murió en 1992, y sumó sus más optimistas prendas de archivo. Un optimismo que se refleja en varias colecciones con el uso de las paletas: “Los colores también se han vuelto atemporales. Vivimos un tiempo en lo que todo aquello que nos da alegría usar es posible. Respecto a los colores, hay algo muy personal cuando los elijo, es casi intuitivo”, dice la diseñadora Evangelina Bomparola.
Las estampas, de hoy y de siempre, de Emilio PucciArchivo
“El año pasado vimos que el calendario oficial de la moda empezó a desarticularse –opina Gaba Najmanovich–. Esto es consecuencia de varias situaciones que se vienen dando en el rubro de la moda. La atemporalidad tiene que ver, pero no me animaría a decir que es el agente de cambio central. La gente ya no se guía tanto por la temporada cuando decide qué ponerse, lo que importa es si me gusta o no me gusta; en algunos casos sigue pesando el qué se usa. A su vez, buscamos prendas que, gracias a su versatilidad, sean más duraderas. Entonces, empezamos a encontrarnos con marcas que se organizan en dos planos, por un lado colecciones de básicos/prendas atemporales y después una serie de drops que traen novedad, porque no podemos dejar de lado esa búsqueda constante de novedad y estímulo que nos caracteriza. Los drops son series limitadas, como minicolecciones, que se lanzan varias veces por temporada”.
En épocas prepandemia, las prendas atemporales comenzaron a convertirse en las joyitas del vestidor. Quizás más caras, de buenos géneros y de un corte que no siguiera tendencias sino personalidad y buen diseño. Esas que podemos usar toda a vida (o hasta el cansancio).
Los diseñadores fueron los primeros en advertirlo: ellos, con su sello de autor, garantizaron algo distinto a las tendencias del mercado. Un voto a favor del consumo responsable, que dejaría atrás las compras masivas en las grandes cadenas económicas de fast fashion para apuntar a prendas perdurables, y ya no descartables.
Claro que un buen género y una confección que no es en masa implica otros costos. Esa indumentaria “para toda la vida” es más cara, pero si la opción es tener un guardarropas al estilo Marie Kondo, con pocas prendas, las necesarias de fondo de vestidor, o alguna más, la relación cantidad-calidad amortiza los costos.
Emma Watson con un esmoquin de Saint LaurentArchivo
Quien supo siempre del tema fue Pablo Ramírez, que recuerda: “Cuando el año pasado arrancó la pandemia, yo escuchaba que todo el mundo se tenía que reinventar y a mí, en realidad, lo que me pasó fue todo lo contrario, como que finalmente llegó el momento en lo que siempre creí y trabajé, como si me confirmara lo que vengo haciendo desde el principio. Veo que todos están buscando el camino que yo empecé hace 21 años”.
Visionario, agrega: “Cuando empecé no existía el concepto de sustentabilidad, y yo en ese momento lo pensaba así. El haberme adelantado en eso que ahora es tendencia mundial me impresiona. En 1999, cuando diseñé la colección Casta, tuve como una visión apocalíptica, que tenía que ver con estar protegido, hice unos tapados con cuellos con barbijo incluido”.
Rayas por siempre: Carolina de Mónaco por GaultierArchivo
Aunque las prendas y géneros de verano e invierno cambian de acuerdo con las temperaturas, la diseñadora Evangelina Bomparola decidió al colgar sus creaciones de una forma innovador. “Si bien hay una bajada de línea por parte del clima, dentro de cada estación presentamos cápsulas con 15/20 diseños nuevos sobre algunos clásicos nuestros reversionados en colores o estampados. Esto nos permite generar novedad constantemente y nos hace fluir de acuerdo al humor social. Esta forma de trabajo nos ayudó mucho a seguir acompañando a nuestras clientes durante el lockdown y también más adelante con los diferentes niveles de apertura”.
¿Y cómo definir una prenda atemporal, más allá de las estaciones? “La moldería y los materiales son la clave. Fibras como la seda natural o la seda vegetal se pueden usar todo el año. También la lana fría da muchas posibilidades aunque la carta de colores en este caso es muy reducida”, agrega.
En la historia de la moda hay prendas icónicas y que con los años se han reversionado, como ellittle black dress, creado por Coco Chanel, que fue (y es) reinterpretado hasta el infinito, desde el primer boceto publicado en 1926 por Vogue Usa.
El trench merece una nota aparte, y la tiene en esta edición, con todas sus versiones: desde el abrigo creado por Burberry, en 1914, hasta los diseños nacionales de Perramus, una firma nacional próxima a cumplir 100 años.
Cruzando la línea entre lo masculino y femenino, Yves Saint Laurent creó su propia interpretación del esmoquin para mujeres, con el antecedente de la actriz Marlene Dietrich, que usó uno en la película Morocco, en 1930, con galera y todo.
Si bien desde hace tiempo empresas, emprendedores y sitios web se dedican al alquiler de ropa –de trajes de fiesta, carteras importadas o looks completos–, la novedad llegó de parte de Ralph Lauren, cuando a principio de mes lanzó un nuevo servicio de suscripción de alquiler de ropa.
Probala, sentite cómodo y, si te gusta mucho, la comprás. Palabras más, palabras menos, con esta propuesta sorprendió Ralph Lauren: “Alquila, intenta, mantén o repite, y explora cientos de opciones para un armario sin fin”. ¿El costo? 125 dólares por mes por cuatro artículos y acceso ilimitado a los últimos estilos (nada de remanentes de otras temporadas) donde ofrece las novedades semanales que se pueden usar el tiempo que se desee. Y cuando se devuelven, Ralph Lauren se encarga de limpiarlas a fondo.
Ralph Lauren lanzó un nuevo servicio de suscripción de alquiler de ropaArchivo
Desde la trágica muerte del vanguardista diseñador británico Alexander McQueen, en 2010, sus creaciones siempre fueron muy buscadas y codiciadas porque, justamente, no pasan de moda. Por eso, la marca que aún lleva su nombre hizo una alianza con el sitio web de prendas vintage Vestiaire Collective, para vender sus prendas certificadas. Para ello, la marca lanzó un programa de recompra que les ofrece a los clientes más fieles crédito en las tiendas a cambio de la devolución de piezas emblemáticas.
Cada etiqueta está buscando su propio camino. Por ejemplo, la norteamericana Tommy Hilfiger lanzó al mercado Luv the World, una colección cápsula de prendas de género neutro, compuesta por piezas recicladas, y adornadas con estampados sin productos químicos.
En el sitio web Vestiaire Collective venden prendas vintage diseñadas por Alexander McQueen Archivo
¿Se vienen cambios? “Van a ser muy grandes. No tenemos que creer que, cuando termine todo esto, será igual a como era. Esto es otra cosa, ha pasado, es muy fuerte y los cambios están siendo importantes, y también los que van a venir. La inteligencia artificial, el saber qué es lo que la gente quiere, lo que quiere consumir, se cuela en el sistema de la moda, y la moda, tradicionalmente organizada, tendrá unas trasformaciones enormes”, agrega Saulquin.
Entonces, ¿qué se usará esta temporada? Posiblemente, la autenticidad.
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/HKMAEWBBN5CV7G74FV764B7OZQ.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/PKA77L7KV5DYZE5WQFDH2Y53EU.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/B2CTKW75PFGVXMSEILSU2JZOGI.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/XSA6MJPDCZD5ZEBKJ62H47EEWM.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/43AGRK3IWRESVEQDX7KD3TFUCY.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/5GPWRU2PO5BIDMGTKHKA45KZFU.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/XOFHJQPCV5CUDPGXSNH7EFLHYI.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/OL6NOIWRW5BZVKUD6CJZJNUERU.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/66UM6KQZ7FEODKYIOVO6CSD66U.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/7AXS7DIIHFDUJOYS2YT3C54B4E.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/artear/2UWPB5OJSRG4TMZDRRFFJMEUWI.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/artear/2PC4CU3YDRGKZP4HRPRYNQ6L24.jpg)
:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/TECP4CGUX5C7XMRV4SAB363TYE.jpg)
:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/LX3ONDFMY5H4JC4P5UHBBI6Y4A.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/3HBKGNZ5XJBSRPZ2X6DN6OEOUM.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/ENES4LKJOJDTHGVA3SQBP3KUKY.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/B4JWM22HC5DW3M2WW6AOBGE7WI.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/SAJEBJEGZBBANHTWMJONOM7OUU.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/62D6UOTUBVGHDC2ZZJX2HZYGGI.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/QXLQ2R2NLBHM7FUV5DYUOHJIEE.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/HYN2W2UZ2BBZ7LMYL5DYDXN3JM.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/AOWCTURCQNDKVA347LVQG2OHGM.JPG)