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Fuente: La Nación ~ Sistematizar o teorizar sobre su experiencia de trabajo no es el principal logro de las diseñadoras de la firma de indumentaria rosarina Quier. Silvia Querele y Noelí Gómez arrancaron con el remanente textil de una fábrica familiar, y construyeron una firma sustentable que ya tiene una década. La búsqueda del zero waste y la aplicación de la geometría pura en su moldería hacen que su marca sea realmente sostenible.

¿Cómo lo logran a través de un diseño actual y funcional? Dan detalles y sostienen que entre sus intereses está que cualquier persona pueda apropiarse de su trabajo. Investigar y demostrar que es posible ser sustentable son sus principales ocupaciones.

-¿Por qué les preocupa u ocupa el residuo textil?

Silvia Querele: -Quier nació como una marca zero waste porque la preocupación inicial fue qué hacer con el remanente textil de una fábrica familiar, y asumimos el desafío de crear indumentaria con aquello que se desecha. Diez años después, eso que en un principio parecía un descrédito, porque se asociaba descarte con escasez, hoy es un mérito porque nos permitió, además, adquirir un método de trabajo fruto de una investigación morfológica propia.

-¿En qué consiste?

S. Q.: -En una moldería simple de corte geométrico, que advertimos era algo que se repetía en nuestro quehacer y nos permitía minimizar el descarte; la aplicación de la geometría pura resultó el fundamento de nuestro zero waste.

Noelí Gómez: -Y sistematizamos ese hacer hasta crear un método propio, que supuso una investigación sobre el cuerpo; observamos que siguiendo una línea envolvente, circular, aprovechábamos mejor la tela. Y definimos nuestra figura: nada ajustada, sino floja y liviana, que fluye con el cuerpo y sus movimientos.

¿Por qué es importante conceptualizar el hacer?

S. Q.: -Es muy importante. Repetimos mucho advertir, reflexionar, porque nos dimos cuenta de que la introspección o la mirada reflexiva del trabajo nos permitió ordenarlo, mejorarlo y hasta transmitirlo. Buscamos referentes, investigamos sobre estas técnicas y generamos una cantidad de información escrita que fue la base con la que conceptualizamos nuestro hacer, lo cual derivó en workshops con un interesante intercambio.

N. G.: -Con esto notamos que el servicio académico también era un sello de nuestra marca; no solo hacemos indumentaria. Es que a través de la ropa podemos mostrar una historia fruto de una investigación que puede ser replicada y tomada por otros.

-¿Usan descarte o crean una tela a partir de descarte?

N. G.: -Ambas cosas. El residuo que provoca nuestra propia producción lo incluimos en el diseño, en un entredós tipo acolchado.

S. Q.: -Nos interesa rescatar piezas únicas, esos textiles que ya no existen, y los recuperamos de sederías o sastres de barrio que cierran; muchos de los años 50, 60 o 70, cuando se fabricaron cantidad de telas que ya no se hacen. Nuestra colección, por ejemplo, incluye un poncho hecho con puntas de cashmires 100% lana.

Tienen distintas líneas de trabajo.

S. Q.: -Trabajamos con tres líneas de manufactura: el corte láser, el proceso de upciclyng o de reutilización creativa, y el zero waste gracias a la moldería geométrica. Estas no son originales; hay muchos que las siguen, pero la suma de las tres nos permite concebir un producto con identidad de diseño territorial.

-¿Pero el corte láser implica mucha energía eléctrica?

S. Q.: -Sí, pero compensamos con el ahorro de energía y mano de obra, ya que una vez cortado ensamblamos nosotras. Hacemos un producto que no tiene remallado (costura reforzada, un tipo de terminación que implica muchísimo más hilo), que sería más caro. Esto lo tenemos cuantificado, bien estudiado y probado.

-Sistematizaron su trabajo para comunicarlo. ¿Cuál es la intención de que otros hagan lo que ustedes hacen?

N. G.: -El objetivo de compartirlo es que se multiplique, porque el diseño sostenible es un movimiento en el que participamos y apoyamos en su crecimiento y difusión. Desde lo comercial es un servicio: ofrecemos procesos textiles a empresas. Además de que esos procesos están en nuestra ropa.

S. Q.: -Tiene que ver con multiplicar esta filosofía de vida. Ahora o dentro de 50 años va a suceder. La industria de la moda de hoy tiene que ser interpelada porque es inviable. Hay algunos formatos que no van más, son obsoletos desde todo punto de vista, desde que cosifican a la mujer hasta el barullo medioambiental que provoca. Y aunque es inviable hoy porque hay muchos intereses que dificultan el cambio, va a tener que darse.

-¿Cómo es la movida local?

S. Q.: -La moda sustentable de nuestro país está avanzada, encaminada, hay mucha inquietud, hay diseñadores tratando de ajustar procesos y de minimizar el impacto de su trabajo, buscando ser lo más sustentables posibles. Hay mucha curiosidad que nos lleva necesariamente a querer saber y, en consecuencia, a hacer. El tema está instalado. Resuenan cuestionamientos o preguntas como ¿quién hizo tu ropa?, ¿vestís trabajo esclavo?, ¿es justo lo que pagás por la mano de obra de tu diseño?, ¿sabés cuál es la fibra que compone la ropa que usás?, que llevan a respuestas que abren un panorama interesante.

La pregunta Quier es: ¿qué hacemos con el residuo textil?

S. Q.: -Sí, y la respuesta la construimos a diario: aprovechamos el residuo textil de manera creativa. En nuestro país se generan toneladas de descarte textil sin destino cierto; las fibras de la ropa no se degradan. Ayer era preocupante, hoy es impresionante, mañana será dramático y esperemos que no sea demasiado tarde.

N. G.: -La gestión de residuos sólidos, que incluye el descarte de tela, es fundamental y trabajamos mucho para minimizar o hasta para evitar el desperdicio. También nos cuestionamos sobre las fibras que usamos. Y otra de nuestras preguntas es ¿cómo se pueden armar telas diferentes?

-¿Intervienen telas?

N. G.: -Cortamos con láser telas en desuso o recicladas, como un tul de un antiguo vestido de novia, para después intervenir y armar una tela nueva, mediante un engomado o gasa resinada, por ejemplo. La tela es nuestro leitmotiv.

-¿Cuidan el ambiente y sus residuos solo en el ámbito laboral o también en lo personal? ¿Son sustentables en su vida?

S. Q.: -En mi vida personal soy una ciudadana consciente, políticamente responsable, intento ser coherente; por supuesto que controlo y selecciono mi basura; y tengo el orgullo de haber criado un hijo verde y absolutamente ético, dedicado a la arquitectura social.

N. G.: -Nuestra postura laboral es también, obviamente, personal. Tratamos de sostenerlo en las pequeñas decisiones diarias: no tengo ni me compraría un auto, por ejemplo.

-¿Qué es Barco?

N. G.: -Una comunidad de diseño. Hacemos un fanzine sobre teoría del diseño para formarnos, retroalimentarnos. El diseño es una herramienta útil que es necesario hacerla conocida y popular, porque se fomenta el empredorismo pero no el fundamento teórico del diseño. Están buenas las ideas e iniciativas pero deben ser igualmente importantes las herramientas de diseño que dan forma, que hacen trascender, que producen la posibilidad de replicarlo. Para ser perdurable hay que zafar de las propuestas trabajadas desde la urgencia, y sí apostar a las que se hacen desde el trabajo profundo del terreno.

S. Q.: -Se llama Barco porque tiene mucho que ver con el puerto de Rosario y al Río Paraná, que es lo más identitario que tiene el Litoral. Somos 50 diseñadores. Es un espacio para discutir cuestiones de diseño. La idea es también generar una colección con cuatro familias de productos para armar una tienda con identidad Lavardén, ya que es para el centro cultural que nos abrió las puertas: Plataforma Lavardén.

-¿El showroom o la presencia en multimarcas es el formato actual para presentar una etiqueta en el mercado? En este contexto económico, ¿las
tiendas propias ya no son sustentables?

S. Q.: -Tiene que ver con una cuestión de sustentabilidad económica, con la medida de cada empresa y con el objetivo de la marca. Quier no hace ropa masiva, tenemos una producción a escala y por la situación argentina no es momento de abrir tiendas, al menos para diseñadores independientes como nosotras; sin duda que para otras marcas puede que sea conveniente, para la nuestra, no. Y esto implica otra clase de difusión, comunicación y supone trabajar el boca en boca.

N. G.: -Nos interesan más las experiencias de consumo: hicimos una en la que presentamos Tri, una línea de tres piezas intercambiables cortadas a láser en diversos colores con las que con cada clienta armó prendas, según un instructivo; lo que ofrecíamos era la experiencia de hacer la propia ropa o hacerla junto con un diseñador. Nuestro objetivo fue compartir e intervenir para promover ese sentimiento de pertenencia que seguramente hace a la perdurabilidad de la prenda, a su presencia en el guardarropa.

-¿Es más sostenible una marca sin temporadas?

S. Q.: -Sin duda. No cambiamos de temporada porque buscamos romper con ese circuito de consumo enloquecedor; dejamos de correr, no tenemos por qué recambiar cada seis meses. Si no terminás trabajando para el mercado que demanda constantemente: qué tenés de nuevo, cuándo llega son preguntas a las que no quisimos responder más, y no le reditúa a una marca como la nuestra. Sumamos o cambiamos de textiles en función del clima, y tenemos líneas permanentes, como la de los pilotos, que varían de color; además alguna línea nueva del momento. Al principio de Quier seguíamos ese paradigma de la moda, pero ya no, estábamos corriendo atrás de las cosas y resultaba un timing sin sentido, que tal vez le funciona a marcas con grandes equipos; fue una experiencia personal y hasta física que nos obligó a un replanteo más saludable. Adherimos al slow fashion, para desacelerar esos procesos nocivos.

Fuente: La Nación ~ Por entonces las carteras eran chicas, pero cómodas, tipo bolsito; muchas con cierre pellizco y esas inconfundibles boquillas metálicas muy trabajadas que dejaban a resguardo su pañuelo, labial y algún que otro efecto personal; la pedrería, el encaje y el bordado estaban de moda… En este buen gusto, en el que lo poco valía mucho y, sobre todo, en sus abuelas, Carmela y Sara Bongiasca -que pertenecían a una familia inmigrante de origen italiano, y usaban a diario ese tipo de carteras- se inspiraron María Fernanda y María Eugenia Peña. Hoy reinterpretan esa tendencia, la depuran y llevan a escala. «Carmela y Sara cuidaban y hasta atesoraban esos objetos casi de culto, no solo carteras sino también zapatos», dicen. Con esa idea de conservar y usar más allá de la
moda, las Peña crearon Bongiasca. «Para que una cartera te dure, tiene que ser cómoda, práctica», señalan.

-Su propuesta hace referencia a la moda de hace 100 años, ¿sigue vigente?

María Eugenia Peña: -Los clásicos no caducan. A veces veo el placard de mi abuela y
encuentro carteras que podría usar. Son de una calidad impecable, buen diseño y a eso
apuntamos.

María Fernanda Peña: -Nuestras carteras remiten a los años 20 al 40, y están pensadas para durar toda la vida, como en la época de nuestras abuelas.
-¿Quiénes eran Carmela y Sara?

M. E. P.: -Eran amantes de la moda, les gustaba la costura, viajar y comprar carteras y zapatos. Eran hermanas de origen italiano; nuestro papá era hijo de Sara, su apellido era Bongiasca. Carmela y sus hermanos nacieron en el Lago di Como y Sara en Buenos Aires, a donde se trasladó la familia. Cosían mucho; Carmela se dedicaba a hacer vestidos de novia.

-¿Cómo surgió este emprendimiento que rescata el espíritu familiar?

M. F. P.: -Me gusta la moda y hace diez años tuve una zapatería. Además, hice un curso de diseño de calzado, porque me encanta la nobleza del cuero.

M. E. P.: -Siempre tuvimos la veta del diseño, nuestro papá era ebanista, hacía barcos y creo que de él heredamos ese gusto por lo artesanal.

-Ustedes tienen profesiones alejadas del diseño, ¿cómo llegan a hacer carteras?

M. F. P.: -Pareciera que no están relacionadas, pero están vinculadas. Soy contadora y para ser emprendedor de una firma de diseño hay que saber de costos. Muchos proyectos se quedan en el camino porque no saben cómo convertir en números su producto.

-¿Es difícil ponerle un valor económico a un diseño?

M. F. P.: -Sí, pero es básico para sobrevivir; saber cuánto vale o a qué valor lo pongo en el mercado es fundamental. Al principio vas a pérdida, tenés que estar innovando, buscando alternativas para hacer crecer el negocio.

-A partir de cuándo empezás a ganar.

M. F. P.: -Depende de muchos factores, además del tipo de producto y el precio; también está la publicidad, el manejo de las redes sociales o de una buena web, hay mucho por tener en cuenta; este aspecto del negocio es importante tanto o más que el creativo. Y en esto entra en juego el mercado virtual; si no estás metido en la movida digital, si no invertís en eso, no te das a conocer; es la vidriera del momento.

-¿Y cómo les ayudó el hecho de que una de ustedes fuese abogada?

M.E.P.: -Nos vino bien para la inscripción de la firma en el registro de marcas y patentes y para conseguir la habilitación, por ejemplo. Hay muchos ítems por abarcar; hay detalles que no se conocen, no es fácil. Ambas nos fusionamos desde nuestras profesiones, pusimos nuestro conocimiento para hacer crecer a la marca.

-¿Pudieron conciliar su trabajo con este proyecto?

M. F. P.: -Sí. Además tuvimos un buen entrenamiento al recorrer talleres de costura durante mucho tiempo; ya nos conocen, saben que somos detallistas y cómo queremos nuestro trabajo. Les presentamos el dibujo, el detalle de los cueros y su experiencia suma muchísimo. El mundo del cuero es difícil. El secreto es estar, estar y estar.

-¿Cómo saber si un taller es bueno?

M. F. P.: -Esa es una de las claves del negocio marroquinero. El mundo de los talleres de costura es difícil, es complicado meterse en el circuito, porque no circula buena información, no te recomiendan, es todo muy reservado; como los talleres dependen de la mano de obra, las calificadas se cuidan porque a veces no dan abasto. Pero logramos dar con buenos talleristas.

-De qué manera?

M. F. P.: -Tuve la suerte de conocer a los dueños de Carteras Italianas, a la familia Borgatti, a la mamá que le cosía para Gucci y luego se vino a la Argentina sola con su máquina de coser. Somos buscas y de andar de aquí para allá dimos con buena gente. Los Borgatti me enseñaron cómo se llega a un nivel de exigencia tal que resulta de excelencia.

¿En qué se ve?

M.E.P: -En los detalles de terminaciones y costuras, que demuestran un trabajo bien hecho; en la calidad de los materiales y en la dedicación, constancia y esfuerzo. Cuando se tiene un emprendimiento, sobre todo, cuando se está en los comienzos hay que estar a full las 24 horas.

-¿Cómo son las carteras?

M. F. P.: -Son clásicas y funcionales, pensadas y hechas para un uso diario. Una cartera además de linda tiene que ser cómoda, si no, no la usas. Tenemos desde carteras para el día, sobres versátiles para un look casual o de noche y hasta maletines.

-¿Cómo llevan adelante su marca en tiempos de crisis?

M. F. P.: -Es complicado con el dólar alto. En momentos de crisis hay que invertir en la calidad de los materiales y no aumentar a precios locos, para que te elijan. La cartera no es un producto indispensable, pero sí es preciado.

M.E.P.: -Tenemos una línea más económica, con productos de tela y cuero ecológico, son buenos materiales intervenidos por una artista plástica.

Fuente: La Nación ~ La randa, el encaje heredado de las damas españolas que solo las randeras de El Cercado, en la provincia de Tucumán, continúan tejiendo tradicionalmente, llegó a Japón a través de un proyecto que vincula arte e inclusión social. La embajadora de la técnica en la Universidad de las Artes de Tokio fue Alejandra Mizrahi, artista, doctora en Filosofía en la Universidad Autónoma de Barcelona, docente de Diseño de Indumentaria en la Facultad de Arquitectura en la Universidad Nacional de Tucumán y autora del libro Randa: tradición y diseño tucumanos en diálogo (2013).

-¿Cómo llegaste a presentar randas en Japón?

A través del proyecto colectivo , pensado por Katsuhiko Hibino, artista y decano de la Universidad de las Artes de Tokio, como parte de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos 2020. Una iniciativa que se repite alrededor del mundo y promueve el encuentro entre artistas y comunidades en minoría. En Argentina comenzó en septiembre del año último en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (Bienalsur) con la participación de artistas argentinos, japoneses y peruanos. A mí me tocó trabajar conniños y jóvenes autistas de la fundación Brincar.

-¿Qué tal la experiencia en la Universidad de Artes de Tokio?

-Es una de las más antiguas de Japón y se dedica al estudio de las técnicas artesanales tradicionales. Siempre me interesó su cosmovisión, ya que en Japón los maestros artesanos son tratados como tesoros humanos en vida. Personas de todas las edades viven rodeadas de artesanías, los objetos están pensados para ser usados y para ser incorporados a la vida cotidiana. Además, los japoneses tienen un profundo conocimiento sobre los orígenes e historia de las prácticas artesanales y se sienten muy orgullosos de ellas. Esa inserción en la cotidianeidad asegura su continuidad y vigencia. Es una relación bien diferente a la que tenemos en nuestro país.

-¿El proyecto tiene puntos en común entre las dos culturas?

-Hibino manifiesta una preferencia por Latinoamérica. Considera que si bien nuestras realidades son diferentes, tenemos muchas cosas en común en relación a la artesanía. En los últimos años, él se abrió a proyectos sociales y de arte relacional, a procesos artísticos que no siempre terminan anclados en un objeto. La inclusión social en uno y otro lugar también tiene características propias. En Japón, por ejemplo, hay cada vez menos niños y la edad promedio crece año tras año. Para atender a los segmentos de la población con problemas físicos o mentales, existen los centros de salud y bienestar. En esas instituciones de salud es donde se desarrolló esta etapa del proyecto de la que
también formó parte el artista peruano Henry Caedro.

-¿Cuál fue la dinámica de trabajo?

-Me quedé en una casa de más de 100 años, en Yanaka, un barrio antiguo de Tokio donde viví a la manera tradicional japonesa. Lo primero que hice fue incorporarme a la rutina de las instituciones. No sabía qué forma iban a tomar las actividades, fue como un salto al vacío, pero Hibino me decía que tenía que observar, escuchar y poner el hilo ahí. En los centros de salud, los talleres de arte están dictados por profesionales del área de trabajo social. Tanto la universidad como el Art Council de Tokio (la otra pata de la iniciativa) creen que cuando estos talleres están dictados por artistas se abren otras posibilidades, porque cuando entramos en contacto con personas que piensan de manera diferente, el arte se expande.

-¿Y qué forma tomó?

-Las actividades fueron surgiendo del contexto. Continué trabajando con la randa entendiéndola como una lógica de tejido. Entre randa y macramé, nudos, redes y bordados fuimos encontrando el camino. Las posibilidades aparecieron desde las limitaciones. Para mí fue como pensar desde el cuerpo del otro y me planteó un escenario de negociación continuo entre la tradición y lo nuevo. La idea es traducir la técnica en otras escalas y materialidades sin que deje de ser randa. Con el correr de los días, la actividad fue formando parte de la rutina. Eso me llevó a reflexionar en el tejido como un ejercicio.

-¿Cómo es eso?

-Observando el ir y venir de bordado o los movimientos del cuerpo en el telar, empecé a verlo como un ejercicio físico y mental. Bordar, tejer o coser en su dimensión sanadora y reparadora, más allá del objeto mismo. Nuestro trabajo se convirtió en un acto cotidiano, como la rutina de ejercicios llamada Radio Taiso con la que muchos japoneses comienzan su día (los veía de camino a mi trabajo). Nosotros decíamos que estábamos haciendo Randa Taiso.

-¿La randa se fusionó con técnicas japonesas?

-En uno de los centros había unos telares saori. Y una de las cualidades de esta técnica es que considera al error como parte del tejido. Lo que hicimos fue dejar de lado el formato circular de la randa para adoptar la morfología del saori que es rectangular. También empleamos sus descartes para crear nudos y redes.

-¿Qué efecto tuvo en vos?

-Hibino dice que los creativos tienen la capacidad de ver cosas en lo cotidiano en las que nadie más repara. Eso le hace muy bien a estos procesos. El efecto en mí fue de apertura, siento que algo se destrabó. Al principio estaba muy sujeta a las premisas tradicionales de la técnica. Esta experiencia me confirmó que se trata de una lógica más que de una forma de tejido específica, y que continuará viva en tanto se piense, se use y se le propongan nuevas formas. Jean Baudrillard, en su libro El sistema de los objetos, se refiere a las cosas que han perdido su mundo (porque cambió el estilo de vida, por
ejemplo) para quedar allí testificando algo que ya no existe. Las formas tradicionales se seguirán haciendo, y está muy bien que así sea. Pero para que no se pierdan es necesario incorporar lo nuevo e ir resignificándolas. También me quedó más en claro qué es lo que yo le puedo aportar a El Cercado, en Tucumán: seguir mostrando, difundiendo la randa tradicional y contando la historia de estas mujeres que continúan pasando su saber de madres a hijas.

Un trabajo que sigue. Las randas tucumanas se revalorizan en el proyecto Turn, que continuará desarrollándose en futuras etapas