Los figurines de moda: de los modelos longilíneos a los dibujos inclusivos

Fuente: Clarín ~ La transformación de estos bosquejos, de acuerdo a las exigencias y parámetros actuales de belleza.

La moda, por las exigencias del mercado, desde hace algunos años comenzó a dar pequeños pasos hacia la inclusión y la diversidad. Las pasarelas con modelos que no siguen los parámetros hegemónicos y el pedido de talles que se ajusten a las medidas y formas corporales reales son dos pruebas de ello (aunque está claro que falta todavía mucho por recorrer).

Para continuar este camino, el requisito necesario es la adaptación de los distintos pasos de la producción. Por ejemplo, la transformación de los figurines -ese primer bosquejo de las prendas y que muestra la veta más creativa del diseñador.

La aspiración es que “comiencen a incorporarse dibujos más amorfos y realistas, que no estén tan relacionados con un ideal determinado y hasta que no estén asociados a un sexo determinado, como una inclinación hacia la moda genderless“, arriesga Micaela Ferreyra, licenciada en diseño de indumentaria e ilustradora.

De esas siluetas longilíneas, híper estilizadas y de piernas larguísimas, que tienen una reminiscencia en la moda de los 50, el rumbo esperado es hacia los dibujos imperfectos, con más curvas, redondeces o desproporciones, que es -en definitiva- como somos y nos vemos el 99,99 por ciento de las personas.

“Está buenísimo que conozcamos los figurines tradicionales o usados décadas atrás para saber lo que se hizo hasta el momento. Pero ahora deberíamos modificar estas ilustraciones hacia un enfoque que se ajuste a lo verdadero. Hay un concepto arraigado sobre cómo debería ser el cuerpo y el figurín de moda, y de a poco esto va cambiando”, opina Roxana Seijas, artista plástica, profesora de dibujo y a cargo de clases sobre este tema del Centro de Estudios Técnicos para la Industria de la Confección (CETIC).

Pensar una moda con las medidas reales, el desafío de las marcas argentinas.

La percepción alentadora: “Hoy veo dibujos de alumnos que fueron hechos pensando en líneas de talles regulares y que en otro momento hubieran sido interpretados como especiales”, agrega Seijas.

De todas maneras, el perfil de la marca será la guía que dará las características de esos dibujos. “El figurín tiene que conceptualizar el target de su público ideal. Hay diseñadores que crean sus marcas adaptadas al usuario”, diferencia Myrian Nuñez, diseñadora de indumentaria y textil y profesora de dibujo de figurines de la Escuela Argentina de Moda.

Además, después de este anteproyecto inicial llega la parte industrial, que implica la moldería -el punto fundamental para que la ropa “quede bien” y se adapte al cuerpo (y no que el cuerpo se adapte a la moda)- y un abanico amplio de talles -el default de la moda argentina. “Esto está dentro del circuito de confección y de la impronta de la marca. También podrían realizarse distintos figurines según el rango de talles”, agrega Nuñez.

“Hay que cambiar el paradigma de la moda y la belleza y creo que vamos en esa dirección”, concluye Seijas. Esto se logrará cuando desde la idea preliminar hasta la prenda terminada se guíen por estos nuevos parámetros.

El dibujo de los figurines de moda y su cambio en la moda actual serán algunos los temas de los talleres que integrarán la BA Semana de la moda, organizada por el Gobierno de la Ciudad. Las actividades son abiertas a todo público (no requieren experiencia previa) y se realizarán del 14 al 31 de agosto.

Diseño de autor: entre tradiciones familiares e identidad regional

Fuente: Infobae ~  Carla Andrea y Mauro Pesoa fueron los ganadores de Autores de Moda BA, el concurso que premia a diseñadores emergentes y estudiantes avanzados de las carreras. Las historias de estos creativos que presentaron su colección en BAFWEEK

A través del concurso Autores de Moda BA, dos afortunados apasionados por el diseño tienen la posibilidad de presentar su colección en una de las prestigiosas semanas de la moda argentina, la BAFWEEK. Esta vez, los proyectos ganadores fueron la colección Py’aguasú y Oficio Ancestral de Carla Andrea y Mauro Pesoa Diseño de Autor, respectivamente.  

El concurso premió dos categorías: diseñadores emergentes y estudiantes avanzados de las carreras afines al Diseño de Indumentaria. Los proyectos ganadores fueron seleccionados por un jurado compuesto por 10 referentes de la industria compuesto por directores de carrera, profesores, y periodistas especializados en moda.

“Estamos orgullosos de apoyar e impulsar el diseño de indumentaria y a sus actores para que continúen desarrollándose y creciendo en la Ciudad. Con Autores de Moda BA, buscamos incentivar y apoyar a los estudiantes y diseñadores emergentes brindándoles oportunidades de formación y capacitación”, destacó Vero Ivaldi, coordinadora de Moda del Gobierno de la Ciudad.

Sus historias 

Carla Andrea Escalera tiene 26 años y es oriunda de la provincia de Tierra del Fuego. Su padre es boliviano y su madre criada en la colonia finlandesa del litoral argentino. Creció y transitó parte de su formación académica secundaria en la provincia de Misiones. Se instaló en la ciudad de La Plata con el fin de iniciar sus estudios en la Facultad de Bellas Artes. La construcción del proceso creativo transitada en la universidad y la herencia de generaciones de costureras en su familia son el pie para dar un vuelco en la materialización de una obra. Así, decidió consolidar sus ideas como Diseñadora de Indumentaria creando su proyecto de diseño de autor sostenible “Carla Andrea”.

“Me interesa mucho la fase analítica, pero en sí todo el proceso creativo, tomar un concepto e investigarlo a fondo para hacerlo propio y así poder transmitir sensaciones a través de los materiales textiles. Abordo la moda de manera sostenible, por lo que constantemente me encuentro reciclando o dándole un nuevo uso a las materias primas. Resignificar los materiales es lo que más me interesa de diseñar“, dijo en diálogo con Infobae sobre sus preferencias a la hora de diseñar Carla Escalera, su marca.

Su proyecto Py’aguasú está basado en la creencia de la diseñadora de que la materialidad y el concepto convivan en una colección donde el respeto por el origen y la identidad regional sean esenciales. Py’aguasú es la memoria de su abuelo materno y el respeto por su inherente historia: es la conexión que mantiene con Misiones, la tierra de su madre. Bloques de descartes pigmentados con tintes naturales y adaptación de ítems anteriores conviven junto a recursos de terminaciones al corte, desgaste e irregularidades en el matiz, reforzando la identidad oversized y genderless característica de la marca.

“Es sumamente importante a nivel no solo profesional sino también personal. Da cuenta de que mi proyecto alcanzó la madurez necesaria para darlo a conocer y lo asumo como un compromiso, entendiendo que somos actores fundamentales dentro del entramado que temporada tras temporada forja la identidad nacional. Estoy muy agradecida”, dice la diseñadora sobre estar en la pasarela de BAFWEEK.

Mauro Pesoa,  hijo de artesanos, tiene 26 años y nació en Rosario pero a los 5 años se fue a vivir a Formosa, empujado por la crisis y la falta de trabajo de sus padres. Luego de terminar sus estudios de moda y tras un intento fallido en el sector, en el 2013 creó su marca con la que mezcla el oficio familiar (la mimbrería) con el diseño de indumentaria. Trabajó su primera colección con su madre, con quien se presentó en el concurso de moda Slow, que resultó ganador y seleccionado para representar a Argentina en Milán. Tiene una historia familiar y del oficio de la mimbrería súper interesante, y además habla mucho de la moda sustentable desde la selección de los materiales hasta el método de venta y consumo.

“Lo que más me gusta del diseño es el proceso creativo: rediseñar las piezas en mimbre, estar en mi taller craneando conjuntos que no solo estarán confeccionados en tela, sentirme artesano y al mismo tiempo diseñador; mezclar los oficios ancestrales con lo que hago”, dijo en diálogo con Infobae el diseñador.

Su proyecto, llamado Oficio Ancestral, presenta mimbres blancos y materiales nobles como algodón y lienzo, todos en color natural para mostrar su esencia. Es una colección atemporal y de género fluido, inspirada en la reencarnación simbólica y/o metafórica de los personajes ancestrales del oficio de la mimbrería.

Para Mauro, estar en la pasarela de BAFWEEK “es una mezcla de emociones encontradas. Unas de mis tantas metas y uno de mis sueños cuando estudiaba diseño. A su vez, es un gran desafío para la marca que día a día sigue creciendo”.

Carla Andrea presenta su desfile el miércoles 14 de agosto a las 18 hs y Mauro Pesoa el viernes 16 de agosto a las 18 hs en el Centro de Convenciones.  

Artista se hace. Clases, métodos y estrategias para estimular la creatividad

Fuente: La Nación ~ En aulas de todos los niveles, con propuestas más y menos tradicionales, se persigue una educación en el arte contemporáneo; existen tantas maneras de enseñar como maestros

Armar redes, seguir consignas poéticas, dibujar en penumbras o vagar por la ciudad: cosas que pueden pasar en una clase de arte. Justamente las estrategias, pedagogías, métodos y problemáticas de la enseñanza son objeto de tres libros publicados recientemente. Creativos como su materia, los docentes inventan ejercicios que disparan la imaginación, y por eso hay tantas maneras de enseñar como maestros.

Estimular el arte también puede ser una obra de arte, en todos los niveles: desde la primaria hasta la universidad, pasando por talleres y clínicas. Un talento poco valorado, porque dar clases es para muchos artistas contemporáneos de renombre, también, un recurso de supervivencia. Otros dedican con orgullo su vida a enseñar. Con unos y con otros habló Luciana Marino, y ella misma se anota entre ellos: formada en arte, lleva dos décadas ligada a la educación. Por interés en capturar y compartir técnicas personales, investigó en aulas de facultades, colegios, residencias y talleres y escribió Un Libro de Actividades. Experiencias en primera persona sobre la educación en el arte, donde 32 artistas comparten experiencias y recursos.

Por ejemplo, Ernesto Ballesteros propone extraviar al alumnado para que encuentre historias en el camino. Diego Bianchi manda a sus alumnos a diseccionar bolsas de basura. Cynthia Kampelmacher los expone a torbellinos de imágenes. Lucas Di Pascuale propone hacer yoga en su cátedra Dibujo IV, en la Universidad Nacional de Córdoba, para que el estudiante se convierta en su propio modelo y observe su cuerpo desde adentro. Mariana Rodríguez Iglesias invita a safaris por ferias y bienales, con consignas abstractas y ejercicios para “eludir la noción de verdad”. “Creo en las fuerzas de las dinámicas”, explica Leopoldo Estol, y convierte la historia del arte en un carnaval, desde las diez de la mañana, en la carrera Artes Electrónicas de la Untref: salen de corso por los pasillos y las calles.

¿Qué significa enseñar para los artistas contemporáneos? Luis Terán explica en el libro de Marino su ejercicio de creación de amuletos y señala: “Me identifico más con la figura del entrenador que propone un recorrido”. Uno de los ejercicios más interesantes es el de la caverna, de Max Gómez Canle. El docente es como un DJ que crea climas, mientras los alumnos dibujan en las paredes forradas de papel madera, alumbrados por velas, hasta que la luz se apaga, y entonces siguen el trazo a tientas. “Es un vehículo para el conocimiento propio, de los demás y de las cosas”.

Un Libro de Actividades incluye guías prácticas, detalladas, con recursos e instrucciones, pero también una historia personal de cada docente, relatos de su formación y cómo entienden, viven y practican esta profesión. Marino buscó darle identidad y visibilidad a la docencia del arte: “La actividad como herramienta de investigación de la propia obra y, a su vez, como obra en sí”.

“Mi docencia es afiebrada y en movimiento”, dice Ballesteros. En sus clases pueden jugar al frisbee en la oscuridad, caminar por las paredes, volar con la ayuda de otros, hacer un picnic y dibujar con gotas de agua. “La docencia es mi trabajo artístico”, afirma.

Ariel Cusnir cuenta sobre Red de Afectos, que realiza con jóvenes a los que quiere separar un rato de sus teléfonos en la escuela secundaria Liliana Maresca. “Es una forma analógica de pensar las redes sociales de la vida”. Implica mapear relaciones en una hoja grande, con el nombre propio en el centro. “Es una celebración pública de la vida de cada uno”, comenta. En similar contexto, Lucrecia Urbano integra su residencia-taller Zona Imaginaria al barrio con la actividad que releva la flora cotidiana y la documenta en un herbario.

Delfina Bourse y Bárbara Kaplan dirigen el taller Mini Artistas desde 2009. “Brindar un espacio de libertad para descubrir el mundo, esa es la motivación”, dice Kaplan, que comparte la actividad Naturaleza de los Colores: se trata de extraer pigmentos de verduras para pintar… naturalezas muertas. “El objetivo es acercar el arte a la experiencia científica”, propone.

Hay diversas posturas al ponerse al frente de un curso, pero coinciden los artistas contemporáneos en hacerlo de manera inspiradora. Catalina León explica una técnica para hacer que “el azar, el capricho y el absurdo despierten una voz que guíe el rumbo de la pintura”, y lo aplica en Vergel, clases de arte en el hospital para chicos internados en el área de cuidados paliativos. Solo hace falta un piolín. “En mi caso, la docencia se construye desde la empatía, la apertura y el entusiasmo por transmitir”, explica.

Gabriel Baggio comienza sus cursos en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) diciendo que no cree en la docencia en el arte. “Quiero que me vean como alguien que puede ayudarlos a encauzar su búsqueda”, señala. Silvia Gurfein enseña a escribir sobre la obra partiendo del diccionario. Se declara atmosférica, en el sentido de que cuida el clima de confianza para entregarse a la experimentación.

Otro libro reciente es Artes visuales: herramientas de taller, una propuesta didáctica para propiciar acciones creativas, escrito por Bibi Anguio -pintora y profesora desde hace treinta años-, que después de una reflexión teórica propone una caja de herramientas para el aula. Parte de un grupo-taller creado mediante acuerdos entre los participantes y continúa con ejercicios para los distintos momentos de un curso: motivación, seguimiento, evaluación y autoevaluación y superación de bloqueos. “Entiendo la enseñanza de la pintura como un intento de descifrar, de construir, de consolidar rastros del autor, fortalecer esa resistencia, colaborar en la tarea de la no homogeneización”, dice en el prólogo.

MDA quiere decir Método Diana Aisenberg (Ed. Adriana Hidalgo) y es resultado de treinta años de enseñanza en un ya mítico taller en la avenida Corrientes. “Ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente”, considera Aisenberg. En el libro, comparte sus aprendizajes y recursos: La Clínica, donde todos dan clase en forma alterada; las maratones de dibujo o pintura de varias horas, de día o de noche, y las Palabras Prohibidas como me gusta, lúdico, prolijo/desprolijo, talento o inspiración, de la que aclara: “Existe. Aparece después de romperse bien el lomo”. Su dispositivo de trabajo es la ronda: “Una construcción colectiva donde la suma de experiencias, historias, relatos y saberes de cada artista enriquece el proceso creativo. Todos tenemos, siempre, algo que enseñar y algo que aprender”.

Nueva biblioteca breve de la educación en el arte

Un libro de actividades

Relato coral sobre qué es la educación para los artistas contemporáneos. Es una edición de la autora, Luciana Marino, y por ahora se consigue a través del correo electrónico unlibrodeactividades@gmail.com

MDA

Es la sigla de Método Diana Aisenberg. Se trata de apuntes para un aprendizaje del arte, publicado por Adriana Hidalgo, está disponible en librerías

Artes visuales

Herramientas de taller: una propuesta didáctica para propiciar acciones creativas, escrito por Bibi Anguio, está editado por Diseño, y se consigue en Librería Técnica CP67 (Florida 683, local 18) y FADU, Ciudad Universitaria

Locación nueva y propuesta innovadora: ya llega el Bafweek 2019

Fuente: Infobae ~  Como todos los años, el tradicional evento de moda de Buenos Aires se llevará a cabo del 21 al 24 de agosto para mostrar las últimas tendencias, experiencias y charlas de los que más saben de moda

El evento de moda más importante del país ya tiene fecha. El ya clásico BAFWeek tendrá lugar del 21 al 24 de agosto en el Centro de Exposiciones y Convenciones de la Ciudad Buenos Aires (CEC), ubicado en el barrio de Recoleta –Avenida Presidente Figueroa Alcorta 2099-.

El evento, como todos los años, continúa con su mirada integradora y el firme objetivo de apoyar y potenciar la moda argentina para instalarla en el calendario internacional

De esta manera, con su innovadora pasarela, las marcas comerciales líderes, los diseñadores consagrados y los talentos emergentes mostrarán sus colecciones y las tendencias que se vienen para la próxima temporada primavera/verano.

Las marcas que participarán del BAFWeek y marcarán las tendencias para la próxima temporada serán confirmadas próximamente.

Pero no solo los looks serán protagonistas, también el espacio donde se llevará a cabo el evento fashionista -que fue inaugurado en septiembre de 2017- se caracteriza por su calidad edilicia, sustentabilidad, originalidad arquitectónica y versatilidad de sus espacios interiores que darán el marco ideal para las charlas abiertas al público.

Un espacio para los nuevos talentos

Reconociendo al BAFWeek como una usina generadora de nuevos talentos, y conscientes de la importancia que tiene la moda como creadora de empleos en Buenos Aires, el Gobierno de la Ciudad presentará Autores de Moda BA, para la categoría emergentes, y consagrado BA, que reconoce el talento y la trayectoria del diseñador.

La entrada al predio BAFWeek es gratuita, pero la asistencia a los desfiles es con invitación por parte de las diferentes firmas que participan en el evento o hasta agotar la capacidad de la sala.

Diseño sustentable. Dos cordobesas en la semana de la moda eco en Finlandia

Fuente: La Nación ~ Therapy Recycle & Exorcise, la marca de diseño sustentable de las hermanas cordobesas Paula y Mariángeles Aguirre, presenta su “post colección”, llamada Syst3m Failur3, en la Semana de la Moda de Helsinki que comienza hoy, viernes 19, y se extiende hasta el lunes 22 de julio. La firma no solo mostrará su propuesta de suprarreciclado con un desfile, sino que también tendrá un showroom durante este encuentro finlandés que se realiza desde 2015 y siempre tuvo como premisa demostrar la innovación y desarrollo sostenible en la moda. Los desfiles, charlas, showrooms y exhibiciones giran alrededor del concepto de la moda ética.

Hoy a las 18.30, Therapy subirá a la pasarela su propuesta de moda a partir de descartes y reutilizados en un estilo urbano al que denominan progressive streetwear que se define en tipologías como vestidos, faldas, pantalones, bermudas, camisas, blazers, chalecos y arneses; algunos de ellos con mangas y piernas que funcionan como accesorios ajustables y desmontables. Las texturas van desde camuflados, provenientes de ropa militar; detalles luminiscentes obtenidos de ropa de trabajo; telas sublimada con pruebas de color Pantone; también denim, gabardina, stretching, algodón y lycra. La paleta es en verde oliva, blanco, negro y azul con acento en verde, naranja y neón. “Hay que aclarar que todo lo que presentamos es vegano, porque la organización no permite ningún material de origen animal”, aclara Paula, diseñadora de indumentaria, publicista y también coordinadora del movimiento Fashion Revolution en Argentina.

Y no sólo se trata del respeto por los animales porque además Therapy se baja por completo del círculo de las colecciones por temporada porque las hermanas se apoyan en el concepto de las 4R (reutilizar, reducir, reciclar, reparar) y trabajan lo que llaman “post colecciones”. “Generamos colecciones a partir de nuestros propios descartes y de ropa de segunda mano o vintage. Consideramos que la ropa puede tener más de una vida”, señala Paula. “No es necesario generar nuevos materiales, el mundo no necesita producir más. Con lo que hay, deberíamos aprender a reciclar y dejar de producir de cero”, enfatiza.

Para la confección de las prendas se inclinan por texturas de calidad para extender en el tiempo las posibilidades de uso. “Por lo general, no utilizamos sobras del fast fashion, o si las usamos son para interiores, porque nos preocupamos que las prendas tengan mucha nueva vida”, aclara Paula. La propuesta es de ropa sin género con la cualidad de la adaptabilidad a cualquier tipo de cuerpo, no existen los talles, casi todo lleva elástico lo que lo hace más funcional para todas las siluetas. El volumen es otro de los fuertes en su morfología.

Nacida en Berlín hace 7 años, Therapy surge de la inquietud de Mariángeles Aguirre, comunicadora social, por la reutilización de sus prendas, de su preocupación por vestir de manera consciente y plantear una alternativa a la producción masiva de indumentaria. Pocos meses después, se une Paula, que abre una sucursal de la marca en Córdoba, ciudad natal de ambas. “Sentí que el reciclar, customizar, darle una nueva posibilidad a ropa mía o a la ropa que compraba en tiendas de segunda mano, representaba para mí una forma de terapia, una especie de exorcización, una canalización de deseos que ponían a esa prenda de nuevo en un ciclo de uso sin necesidad de tener que comprar otra hecha de cero”, explica Mariángeles.

Tendencias sustentables
Trabajan en dos ateliers, uno en Berlín donde reside Mariángeles y otro en Córdoba capital a cargo de Paula, pero también venden en tiendas multimarca tanto de Alemania, Argentina (Córdoba y Buenos Aires) y Holanda. “Alemania tiene una historia de guerra, por lo general son más austeros, no tienen una mentalidad de derrochar, son conscientes de la sustentabilidad y del consumo. No son compradores fáciles, no compran por comprar, miran todos los detalles y buscan calidad, diseño y practicidad”, explica Paula. “En la Argentina, si bien somos más consumistas y llevamos la tendencia, el consumo consciente está empezando”, agrega. “Aunque sea de a pequeños pasos lo celebro. Creo que la gran responsable de esta nueva mentalidad sustentable es la generación Z. Ellos son sustentables innatos, lo traen desde la cuna”, sostiene.

Para Therapy, participar del Helsinki Fashion Week representa la posibilidad de sumarse a la primera semana de la moda 100% sostenible y de lanzar su mensaje al mundo. Además, la organización del festival se lleva de cada marca que participa del encuentro un outfit completo que exhibe luego en las semanas de la moda de Londres, París, Milán y Nueva York. Una voz eco que se oye por todo el mundo. ¿Alguien más se une a esta terapia?

Se les ocurrió un negocio sobre ruedas y crearon el primer fashion truck del país

Fuente: Punto Biz ~ Son dos rosarinas que tiene su marca de ropa y montaron la tienda arriba de un colectivo

Cuando Julia Casella y Nadia Jimena Dip crearon su marca de ropa “Muy Punch” hace cinco años, no se imaginaban que terminarían siendo precursoras en el país de una nueva tendencia mundial en la comercialización de prendas. Así fue como luego de unos años y sin dinero para alquilar y poner su propio local, a las emprendedoras se les ocurrió la idea de tener su propio fashion truck, un colectivo con tienda incluida que pudieran usar para desplazarse de un lugar a otro, basándose en la moda de los food trucks.

“Las dos empezamos a trabajar juntas y en un momento decidimos lanzarnos con un línea de musculosas con estampas de bandas y cantantes del rock icónico. Así arrancamos con nuestra marca, pero siempre a través de la venta online y participando de ferias porque no teníamos plata para poner un local. Hasta que en algún momento surgió la necesidad de salir a la calle, de poder visitar pueblos al rededor de Rosario con la marca y tener un contacto personal con la gente y fue entonces cuando nos enteramos de que en en Europa se usaba la modalidad de los fahsion trucks”, contó Nadia.

Fue en el 2016, cuando las socias se pusieron a investigar si en el país ya se usaban este tipo de vehículos. Para su sorpresa, solo encontraron un tráiler en Cariló que vendía en la playa durante la temporada de verano. Como su idea era tener un local ambulante permanente y montado en un colectivo, se anotaron en un programa de nanciación provincial que otorgaba créditos para emprendedores. Ganaron $250 mil que les alcanzó para comprar un colectivo en mal estado. Luego, gracias a un nuevo concurso de la nación, obtuvieron el dinero que necesitaban para arreglarlo.

Estos trámites les llevaron cerca de dos años y recién hace unos pocos meses, en abril, pudieron salir a la calle por primera vez. “Lo presentamos por primera vez en el CEC y ya estuvimos en otros espacios como el parque Scalabrini Ortiz, el Monumento y el Mercado de Frutos culturales. También vamos a estar este domingo 14 de julio en Pichincha, participando en una nueva edición de Feria por Amor al Arte. Además fuimos a pueblos cercanos como Zavalla y Pérez”, detalló Dip.

Si bien la idea es poder recorrer distintos espacios de la ciudad, la emprendedora cuenta que, por ser tan novedosos, los Fashion Trucks no tiene habilitación municipal para para poder vender en espacios públicos. Según Dip, lo que están proponiendo es algo nuevo, porque los tráilers que vendían ropa eran temporales y muchas veces se localizaban en un sector determinado o incluso en lugares privados.

“No podemos estar bajo la lógica del Food Truck, porque la ley los delimita para lo que es gastronomía, tampoco entramos en lo que es venta ambulante. Lo máximo que conseguimos fue un permiso provisorio, a través de la concejal Marina Magnani, para poder vender en espacios donde esté la GUM, pero si ellos no se encuentran no podemos comercializar”, contó Dip y agregó que la ley se tratará en el Concejo este año.

Por lo pronto, en Buenos Aires, ya se encuentra conformada la Cámara Reguladora Nacional de Locales Ambulantes. Las emprendedoras esperan poder generar lazos con personas que estén operando con su misma modalidad, aunque tendrán que esperar a que el Municipio los regule para poder trabajar con mayor libertad.

Con los residuos de Vaca Muerta hace indumentaria para un público exclusivo

Fuente: La Nación ~ Tres años atrás Ornella Basilotta, que tiene su propia marca de indumentaria desde hace una década, empezó un camino hacia la sustentabilidad . “Me di cuenta que la moda es la segunda industria que más contamina después del petróleo y ya no quería seguir haciendo eso; no como lo había hecho hasta entonces“, dice a LA NACION.

En ese proceso la diseñadora viajó a Neuquén a buscar fibras naturales. No le fue bien con las tejedoras, pero por casualidad alguien la invitó a conocer una planta tratadora de residuos de petróleo. En un momento del recorrido, le mostraron los bolsones en los que llega hasta el yacimiento de Vaca Muerta la arena que se usa para extraer petróleo con el método de fracking (fractura). Le dijeron que eran “el cáncer para tratar en la planta”, porque eran miles y el proceso que implicaba quemarlos era muy complejo. “Esto es lo que vine a buscar”, pensó.

Ornella Basilotta recibe 250 bolsones por semana de una planta de tratamiento de residuos ubicada en Añelo.
Ornella Basilotta recibe 250 bolsones por semana de una planta de tratamiento de residuos ubicada en Añelo.

Ese fue el origen de Fracking Backpack, la marca que Basilotta comenzó a comercializar hace un año y medio. La planta de tratamiento de residuos Comarsa, ubicada en la ciudad neuquina de Añelo, le envía alrededor de 250 bolsones lavados por semana, sin cargo, y ella los termina de esterilizar con calor y acondicionar para enviarlos a confección en cooperativas textiles. Sin embargo, Basilotta destaca que “no son un textil más”: son muy resistentes porque están preparados para soportar 1500 kilos de arena y apilarse en torres de ocho bolsones como mínimo. Además, son todos distintos porque la arena -que debe tener unas características muy específicas- llega a Vaca Muerta desde distintos puntos del país y el mundo.

La línea de Fracking Backpack está inspirada en “toda la gente que va y viene a Añelo”, que es muchísima y ha revolucionado la ciudad desde que explotó la actividad en Vaca Muerta. Son bolsos de viaje, fundas para computadoras, necessaires, pantuflas. “Todas sin género”, aclara la diseñadora.

Los diseños están inspirados en la gente "que va y viene a Añelo" continuamente
Los diseños están inspirados en la gente “que va y viene a Añelo” continuamente

El promedio de precio de los productos de la colección es de $3900 y apuntan a un segmento exclusivo. “Lo que quiero es despegar la palabra ‘reciclado’ de ‘ hippie‘. Cuando se piensa en algo sustentable no se imagina algo lindo, pero este es un producto súper premium“, agrega.

Si bien tiene base en la Capital Federal, Basilotta atiende a LA NACION desde Córdoba, donde se encuentra realizando una venta mayorista de la línea. Su marca tiene como puntos fuertes Buenos Aires, Córdoba y Rosario, pero ahora también sumó a Neuquén como núcleo estratégico. Además, la marca realiza venta online, tiene un local propio Villa Crespo y dos franquicias en Mendoza, una en San Luis y dos en Tucumán.

El promedio de precio de los productos de la colección es $3900
El promedio de precio de los productos de la colección es $3900

Según dijo la diseñadora -que trabaja junto a sus hermanos Carla, Mora y Franco- la recepción de la nueva línea fue muy buena. “Hay mucho interés y nos encanta ayudar a cambiar la cabeza de los clientes, que se alinean con esta filosofía nuestra de consumo responsable”, apuntó Basilotta. “Nos importa aportar a la mitigación de la huella de carbono ya que este material en su mayoría se quema, no se recicla”.

Autores de Moda BA, el concurso que revaloriza el diseño de indumentaria en la Ciudad

Fuente: Moda BA ~ En el marco de la quinta edición del concurso, los diseñadores Carla Andrea y Mauro Pesoa Diseño de Autor, mostrarán sus colecciones Primavera-Verano 2019/2020 en BAFweek.

Autores de Moda BA es una iniciativa de la subsecretaría de Desarrollo Económico, a través de la Dirección General de Desarrollo Productivo, que busca dar visibilidad, fortalecer el crecimiento de la comunidad de diseñadores locales y otorgarle las herramientas necesarias para que puedan desarrollarse e insertarse en el mercado.

Se trata de un ciclo de desfiles, proceso de mentoreo en diseño de colección y negocios aplicados a la industria, capacitaciones y acompañamiento que brindan apoyo y continuidad al trabajo de los diseñadores de indumentaria. Es una plataforma pensada para la difusión y profesionalización de las nuevas marcas y diseñadores.

“A través de Autores de Moda BA, reafirmamos nuestro compromiso de continuar impulsando y potenciando el talento y la creatividad en la Ciudad, y, de este modo, ser cada vez más competitivos a nivel mundial“, señala Juan Manuel Seco, director general de Desarrollo Productivo.

Los proyectos ganadores fueron la colección Py’aguasú y Oficio Ancestral de Carla Andrea y Mauro Pesoa Diseño de Autor, respectivamente.

Py’aguasú está basada en la creencia de la diseñadora de que la materialidad y el concepto convivan en una colección donde el respeto por el origen y la identidad regional sean esenciales. Py´aguasú es la memoria de su abuelo materno y el respeto por su inherente historia: es la conexión que mantiene con Misiones, la tierra de su madre. Bloques de descartes pigmentados con tintes naturales y adaptación de ítems anteriores conviven junto a recursos de terminaciones al corte, desgaste e irregularidades en el matiz, reforzando la identidad oversized y genderless característica de la marca.

Por su parte, Oficio Ancestral presenta mimbres blancos y materiales nobles como algodón y lienzo todos en color natural para mostrar su esencia. Es una colección atemporal y de genero fluido, inspirada en la reencarnación simbólica y/o metafórica de los personajes ancestrales del oficio de la mimbreria, oficio que es parte de su historia familiar.

“Estamos orgullosos de apoyar e impulsar el diseño de indumentaria y a sus actores para que continúen desarrollándose y creciendo en la Ciudad. Con Autores de Moda BA, buscamos incentivar y apoyar a los estudiantes y diseñadores emergentes brindándoles oportunidades de formación y capacitación.” destaca Vero Ivaldi, coordinadora de Moda del Gobierno de la Ciudad.

El concurso premia dos categorías: diseñadores emergentes y estudiantes avanzados de las carreras afines al Diseño de Indumentaria.  Los proyectos ganadores son seleccionados por un jurado compuesto por 10 referentes de la industria: Patricia Conta, diseñadora de Indumentaria, diseñadora de Vestuario y docente de la UBA; Beatriz Sauret, diseñadora industrial de la UBA; Gustavo Lento Navarro, diseñador especializado en gráfica, indumentaria y textil; Andrea Lázaro, autora de La Moda en Serio; Karen Zander, diseñadora Textil y Especialista en Gestión Estratégica de Diseño; Karina Fleider, arquitecta y directora de la Carrera de Diseño de Indumentaria en la UB; Laura Novik, Socia de Blink Design; Luisa Norbis, diseñadora; Turquesa Topper, Doctora en Ciencias Sociales, diseñadora de indumentaria y diseñadora gráfica y María Eugenia Maurello, periodista.

 Autores de Moda BA, se realiza en el marco de BA Semana de la Moda que tiene como objetivo posicionar a la Ciudad como una plaza de moda a nivel nacional e internacional. Es una iniciativa que busca fortalecer el crecimiento del sector y crear sinergia entre los distintos actores que participan en el ecosistema de la moda, la cadena de valor y el diseño de indumentaria.

Las riñoneras que encantaron en Kuwait y quieren llegar a otros mercados

Fuente: La Nación ~ Patricio Bonatti diseñó un producto liviano y cómodo que ahora busca posicionar en diferentes aeropuertos internacionales

A poco de llegar de Formosa, seis meses de trabajar en un shopping de la gran ciudad con un jefe más joven y muy exigente lo impulsaron a definir -al menos- lo que no quería. Entonces, Patricio Bonatti salió a la calle a vender. Primero tomó un remanente de velas que habían quedado en el salón de eventos de su madre. No funcionó.

Instalado frente al cementerio de la Recoleta veía cómo el resto de los feriantes intercambiaban sus productos y artesanías con el gran caudal de turistas que frecuentan esa zona. Insistió con unas riñoneras “tipo souvenir” que también encontró en una caja perdida. “Ese día me hice dos sueldos”, recuerda, y todavía parece no creerlo.

A partir de ahí la rueda comenzó a girar. Junto con un socio, en enero de 2016, se propuso alcanzar la máxima calidad y, antes de que la mínima indemnización de su frustrada experiencia laboral se diluyera, Bonatti recorrió varias provincias del país para definir su producto: riñoneras livianas, expansibles y antirrebote para deportistas. “El nivel de producto que logramos es extremo, encontramos elásticos de una calidad inigualable, cierres de seguridad que no se deslizan, lo que resulta totalmente cómodo y seguro”, describe.

Con menos de $8000 emprendió en el sector textil, de la mano de Mary, una costurera que actualmente se encarga de coser cada una de las riñoneras y brazaletes con la marca Ultrarunning y colocar la etiqueta que lleva la bandera Argentina. Bonatti alcanzó a negociar con seis revendedores en distintos puntos del país, pero la experiencia no fue de lo más satisfactoria, por eso buscó clientes que le compraran su producto en lugar de entregarlos en consignación.

A nivel local, hoy las riñoneras y los brazaletes se consiguen en Soho Bikes y News Bikes; además atiende personalmente en un puesto en San Telmo mientras trabaja en el desarrollo de una web propia para aumentar la exposición de su marca online. “Cada fin de semana vendemos unas 200 unidades”, dice, y estima que alcanza unas 500 cada mes, que se producen en un taller en Lanús, al sur de la provincia de Buenos Aires.

“Aspiro a generar trabajo; hay un grupo de mujeres de la comunidad italiana que por una cuestión cultural se quedaron en su casa mientras el marido trabajaba, y básicamente saben coser, por eso, cuando les llevás trabajo lo superagradecen”, destaca Bonatti.

Golpe a la puerta

“Acá me va a pasar algo”, especuló cuando un grupo de arquitectos e ingenieros de Kuwait, un país árabe situado en Asia occidental, se acercaron a su stand interesados en llevarse muestras de sus productos y compraron 50 riñoneras.

De regreso en Kuwait lo contactaron para hacer el primer encargo con algunas especificaciones de colores y finalmente se logró la primera exportación de 100 unidades por un monto de US$500 a una corredora patrocinada por importantes marcas mundiales. “Esta operación es muy reciente, pero se realizó de forma muy dinámica, en gran parte gracias a la plataforma Exporta Simple, que resultó totalmente profesional”, comenta Bonatti.

Luego detalló sus primeros pasos en la exportación. “Desde el primer momento la Dirección de Comercio Exterior me brindó asistencia en todo; me asignaron a Javier Vila, que me ayudó con toda la exportación y me guiaron en cada paso, además me bonificaron el envío”, dice Bonatti y asegura que apuesta a convertir su emprendimiento en una marca líder.

“Ultrarunning es el ejemplo del potencial que tienen las empresas de la ciudad para salir al mundo. Desde investBA, impulsamos el desarrollo del talento local en el exterior y ofrecemos programas para acompañarlos en cada etapa de su proceso de internacionalización”, plantea Agustín Kelly, Director de Comercio Exterior en InvestBA, Agencia de Promoción de Inversiones y Comercio Exterior perteneciente a la Subsecretaría de Desarrollo Económico del Ministerio de Economía y Finanzas de la Ciudad.

Y añade que a través de las asistencias técnicas se les brinda a los interesados en exportar la posibilidad de reunirse con un consultor especializado para recibir asesoramiento y una orientación gratuita en distintos aspectos de comercio exterior.

“Las condiciones están dadas para seguir exportando y nos propusimos posicionarnos en el Reino Unido y Oriente, pero el objetivo más grande es tener presencia en todos los aeropuertos del mundo, porque el producto es muy bueno también para los turistas”, señala Bonatti sobre el futuro de su negocio.

¿Existe la guerra de los sexos en el mundo de la moda?

Fuente: La Nación ~ ¿Cuál es la diferencia entre un hombre y una mujer a la hora de diseñar? El talento le compete a hombres y mujeres por igual; ambos diseñan con gran capacidad creativa. ¿Las marcas de lujo los prefieren hombres? Muchas, aunque ellas no pierden poder. Piccioli, uno de los principales exponentes.

¿El género masculino es factor determinante al momento de diseñar? En la historia de la moda hubo varios diseñadores varones de marcas exitosas. Con el correr del tiempo, y muertos los nombres fundadores, son pocas las mujeres que se hicieron cargo de las direcciones creativas.

¿Todo lo que está vinculado al mundo femenino tiene su origen en las mujeres? Claro que no. Se trata de dejar de lado cualquier elemento discriminatorio y ver qué pasó en el medio. Ninguno es mejor y ninguno es peor. No existe la guerra de los sexos en el mundo de la moda. Las cosas se dieron así, y todavía siguen así. Es una cuestión que va más allá de cualquier argumento político o de discriminación.

Cuando Coco Chanel relajó el vestir de las mujeres de su generación fue porque necesitaba respirar. También llevó sus propias necesidades a la moda, empoderó a aquellas de las clases trabajadoras e impuso a las de clase alta, acostumbradas a no hacer nada, a usar ropa simple y cómoda. Prendas populares llevadas a las élites sociales de los años 20. Ese mensaje también debería estar en las pancartas libertadoras del feminismo o en las remeras de algún desfile.

Coco impuso el concepto boyish y ellas empezaron a llevar los pantalones
Coco impuso el concepto boyish y ellas empezaron a llevar los pantalones
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La remera a rayas, ya en 1917
La remera a rayas, ya en 1917

Veinte años después, en 1947, Christian Dior, el hombre que amaba a las mujeres, inventó la silueta corola y rompió el molde. La inspiración sobre cómo quería que se vieran ellas vino de las flores de su jardín de Granville. Ambos ejemplos cuentan la historia de la moda femenina desde dos lugares diferentes.

Un buen diseñador, más allá del género

¿Es necesario conocer las necesidades propias para diseñar mejores colecciones femeninas? ¿Las mujeres están siempre atentas a sus propias necesidades? ¿Acaso los hombres si? Entre un diseñador y una diseñadora hay una sensibilidad diferente, otra manera de ver la moda. Una subjetividad que no necesariamente reconoce el sexo. Entre una cabeza masculina y una femenina, ¿quién diseña en función de uso y quien en función de una necesidad?

Graciela Zito, alma de la firma Zito, apunta: “Un buen diseñador es quien tiene en cuenta ambos aspectos mas allá del género. A mí me gusta diseñar ropa en la cual la mujer se sienta cómoda y elegante. Pienso prendas versátiles, de día y de noche”. Benito Fernández también responde: “Creo que no, pero sí para el hombre es mas fácil diseñar para una mujer ideal”. Evangelina Bomparola cree en la diversidad, “es un camino mucho mas complejo que el de elegir simples sistemas binarios. El talento real le compete a hombres y mujeres por igual con la ayuda de la oportunidad para desplegarlo“. Para el diseñador Fabián Zitta ” ambos diseñan en función del uso y de la necesidad e intervienen las capacidades creativas. Hay que generar un deseo de consumo a través de una tendencia, y eso va más allá del género”. Miuccia Prada y Stella McCartney, cada una en su pedestal, saben exactamente lo que las mujeres quieren vestir.

Desde hace nueve años al legado de Yves Saint Laurent lo rediseñan ellos, un casting de lujo que incluye a Alber Elbaz, Tom Ford, Stefano Pilati, Hedi Slimane y Anthony Vaccarello hoy. Todavía la realidad es clara: cuando los fundadores de las maisons mueren, en general, los reemplazan otros varones. Y si esos diseñadores son gays entramos en otra dimensión. Como si se tratara de un cliché (totalmente demodé) todavía la industria de la moda está relacionada al mundo homosexual masculino.

¿El buen gusto llega de una cabeza gay? La redactora española Beatríz Miranda habla del gaypatriarcado y se cuestiona “¿Por qué hay tantos varones gays vinculados al mundo de la moda en los puestos de poder?”. Una pregunta interesante pero que no es realmente cierta. Si bien siempre fue un tema recurrente, la sensibilidad masculina a la hora de diseñar nada tiene que ver con la orientación sexual. Decir que la sensibilidad de los gays es condición sine qua non para ser diseñador de moda es revolcarse en un patriarcado vetusto y sin brillo. Jean Charles de Castelbajac, Christian Lacroix, Oscar de la Renta, Paul Poiret y bastantes más son ejemplos de exitosos diseñadores heterosexuales en la industria de la moda.

Y si no hagamos una revisión del trabajo de Pier Paolo Piccioli en Valentino, un marido y padre de familia cuya prole de esposa y 3 hijos lo acompañan a cuanto evento de moda pueden. Piccioli es considerado el Miguel Angel de la industria: superó a su maestro Valentino Garavani. La obra de estos monstruos fue, es y será la belleza femenina a través de la ropa. Las igualdades entre varones y mujeres, valga la redundancia, nunca serán iguales. Hay una cuestión física que nada tiene que ver con lo intelectual. Y las necesidades entre ambos tampoco lo fueron, lo son ni lo serán. No se trata de discriminación ni de radicalismos extremos. Ningún radicalismo es oportuno.

¿Cuál es la diferencia entre una cabeza masculina y una femenina al momento de diseñar? “Afortunadamente las persona somos diferentes, hay infinidad de posibilidades detrás del binomio. Y esa diversidad es la que llena al mundo de matices y opciones, rompe dogmas y celebra las diferencias apoyadas en la tolerancia como materia fundante de la libertad” confía Bomparola. Y Zitta opina: “Supongo que el hombre diseña sin tener en cuenta tanto la vestibilidad. Es mi caso. Hay otra libertad a la hora de diseñar porque crea un imaginario posible y vestimentario de un cuerpo femenino sin haberlo habitado, entonces sus aditamentos o recursos de diseño no están viciados por las costumbres”. Benito Fernández agrega que “para nosotros básicamente es más fácil despegarnos de nuestra propia estética, sin pensar en nuestras virtudes y defectos”.

Los grandes conglomerados que manejan las principales firmas de moda tienen puestos jerárquicos masculinos. François-Henri Pinault en Kering (Gucci, Balenciaga y Saint Laurent, entre otros) y Bernard Arnault en LVMH (Christian Dior, Louis Vuitton, Givenchy, etc). Decir que la selección es por eso es una respuesta fácil. Y puede que no sea la correcta. Evangelina Bomparola dice: “sospecho que quienes tienen el poder de selección, prefieren directores creativos hombres. Es sabido que hay mujeres poderosas en la industria que jamás han promovido a otra mujer. A veces me pregunto el porqué para poder comprender la letra chica de la solidaridad de genero”.

François-Henri Pinault presidente de uno de los conglomerados de moda más importantes, con firmas como Gucci y Balenciaga
François-Henri Pinault presidente de uno de los conglomerados de moda más importantes, con firmas como Gucci y Balenciaga

Para Fabián Zitta es así: “Me parece que las marcas de lujo no están expectantes del sexo de quien diseña sino de la empatía que pueden llegar a generar con las usuarias“. Gracieza Zito es positiva y defiende: “No creo realmente que haya una negación a poner a las mujeres en el puesto de dirección creativa, actualmente son muchas las que ocupan ese rol”. Y Benito Fernández remata que “la cosa está cambiando, es un tema de talentos, no de sexos“. Es un tema delicado, sobre todo en estas épocas donde la sensibilidad está a flor de piel.

Algo está cambiando. Y París tiene la posta. Además de las consagradas Maria Grazia Chiuri en Christian Dior y Clare Waight Keller en Givenchy, la firma creada por y para hombres, Lacoste, acaba de nombrar a Louise Trotter como directora creativa rompiendo con una tradición masculina desde 1920. Atrás quedaron los 10 años de Christophe Lemaire y los ocho de Felipe Oliveira Baptista.

¿Qué pasa en Estados Unidos, en la tan maltratada en las últimas fashion week? Veamos el caso de Tommy Hilfiger quien, sin prisa aparente por dejar su lugar en la compañía, no duda en aliarse a mujeres para elevar la categoría de su empresa y vender más. Primero fueron las cuatro colecciones con Gigi Hadid y, ahora, Zendaya, que con un desfile en París y una temática inclusiva se ubicó en uno de los eventos más importantes de moda. Claro está que ofrecer colecciones cápsula con influencers es otra historia. El dato que nadie analiza es que después de 37 años Carolina Herrera se bajó de su pedestal y entrenó a Wes Gordon para que la reemplace. ¿Porqué a un varón y no a una mujer?

Ser alabado y reconocido como un diseñador genial no quiere decir que éste sea el mejor. Phoebe Philo (ex Chloé y Celine) tiene legiones de mujeres esperando vuelva a dirigir una marca o arranque con la propia. Philo no tiene un alto perfil social, su ropa y su estilo hablan por ella. En tiempos de ebullición constante acerca de quien hace más ruido, la diseñadora prefirió siempre que su ropa hable por ella. Lo logró, y en el pináculo de su carrera se bajó de la cresta de la ola. Le exigían exposición y no dio el brazo a torcer.

Phoebe Philo
Phoebe Philo

Pasaron 32 años hasta que Chanel tuviera una diseñadora mujer. La muerte de Karl Lagerfeld pareció ser el único camino para que Virginie Viard suba al puesto por el que estuvo preparándose a la sombra. Una preparación que se gestó cuando trabajaron en Chloé.

Virginie Viard, ahora la dueña creativa de Chanel
Virginie Viard, ahora la dueña creativa de Chanel
Carine Roitfeld, la sombra de Virginie Viard
Carine Roitfeld, la sombra de Virginie Viard

Si bien es muy temprano, ya hay especulaciones acerca del futuro de Viard en la firma. El luto ya estaba atrás y la austeridad de la reciente presentación Crucero 2020 desató todo tipo de rumores. Va a ser muy difícil llenar los zapatos de un señor tan dotado de talentos y con un altísimo handicap de visibilidad. Hoy suma más puntos un alto perfil social que el talento en sí mismo. Y si no pregúntenle a Virgil Abloh, el actual director creativo de las colecciones masculinas de Louis Vuitton. Viard debería mirar sus espaldas y preguntarse si la sombra que la persigue, la de Carine Roitfeld, no terminará ocupando su puesto. El alto perfil de la ex directora de Vogue París tiene todos los ingredientes que Chanel necesita hoy para que no decaiga ni un peldaño de donde la dejó trepada el alemán. Y Carine Roitfeld es mujer.